ТЕАТР НОО

Ноо, или ноогаку - самая строгая театральная классика Японии. Это первая всесторонне развитая форма традиционного театрального искусства Японии. Кроме искусства бугаку, ставшего искусством аристократии, в середине 8 в. в Японию с материка было завезено и народное театральное искусство сангаку, включавшее различные простейшие виды массового искусства: простенькие комические сценки и рассказы, народные песни и танцы, акробатику, фокусы, жонглирование и т.д.

Из представлений сангаку к концу 11 в. развилось искусство саругаку, участники представлений саругаку были выходцами из низших слоев общества. Своё искусство они демонстрировали во время религиозных праздников, когда огромные толпы верующих, жаждущих зрелищ, стекались в храмы. Искусство саругаку быстро завоевало большую популярность. К концу 12 в. появилось много профессиональных трупп саругаку, которые обрели покровителей в лице крупных храмов и монастырей. Их приглашали устраивать представления на территории храмов во время буддийских и синтоистских религиозных праздников, чтобы привлечь верующих. Возникла особая форма театрального искусства, опирающаяся на пение и танец саругаку -но ноо, ставшая прототипом будущей драмы ноо.

Комические элементы представлений саругаку к 14 в. развились в кёган - народный комедийный драматический жанр. Параллельно развивалось театральное искусство, основанное на песнях и танцах сельских местностей: дэнгаку, дэнгаку -но ноо. К концу 14 в. эта линия соединилась с саругаку - но ноо. На их основе усилиями двух выдающихся театральных деятелей Японии того времени, Каньами и Дзэами (отец и сын), был создан театр ноо. Дзэами был не только превосходным актером, но и крупным драматургом, композитором и теоретиком театрального искусства, создал свыше 100 пьес для ноо.

Междоусобные войны, потрясавшие Японии на протяжении всего 16 в., приостановили развитие театра ноо. С 17 в. начинается новый этап развития театра. Торжественными представлениями ноо отмечались приход к власти нового правителя (1603г), бракосочетания знатных особ, назначение должностных лиц высоких рангов, рождение сыновей во влиятельных семьях, их совершеннолетие и т.д.

Спектакли устраивались на территории замка Эдо (нынешний Токио). Приглашение на них получали не только знатные феодалы, но и представители горожан. Обычно спектакли шли несколько дней, и попасть на них могло до 5 тыс. человек. Приглашённые смотрели спектакли и получали угощения и подарки. Присутствие на таком спектакле считалось большой честью, и за право быть приглашенным шла борьба среди феодалов и среди влиятельных горожан. Чтобы уберечь церемониальную музыку от изменений и предотвратить бесконтрольное распространение, феодальное правительство в 17 в. учредило специальную систему. (Признанного мастера искусства ноо ставили, во главе школы. Вокруг него группировались сыновья и ученики. Получалось нечто вроде цеха или гильдии).

Представления ноо происходят на квадратных сценах. Светлое полированное дерево сцены производит впечатление простоты, чистоты строгости. Над сценой, поддерживаемой четырьмя столбами, возвышается крыша, по конструкции напоминающая крыши синтоистских храмов. Эта крыша, бывшая необходимой до конца прошлого века, поскольку представления театра ноо происходила на открытом воздухе, теперь сохраняется как театральная традиция и сооружается даже в новых, вполне современных театральных помещениях. Сцена открыта с трёх сторон, четвертая сторона - стена-задник, на золотом фоне которого изображена зелёная раскидистая стилизованная сосна (символ долголетия и благожелательный привет зрителям).

Задник постоянный, не меняется, какая бы пьеса ни исполнялась. Площадь основной сцены, где происходит главное действие - 5,5 кв.м. К нему вплотную примыкают две площадки, вдоль задника находится полоса, составляющая примерно половину основной сцены, это место, где располагаются музыканты и вспомогательный персонал.

Вдоль правой стороны сцены тянется ограждённая невысоким деревянным барьером площадка шириной около метра. Это место, где располагается хор, состоящий из шести или восьми человек, рассаживающихся в два ряда. От левой стороны задней части сцены находится помост, ведущий за кулисы, где расположена крошечная комната с большим зеркалом, где уже одетый и готовый к появлению на сцене актёр стремится перевоплотиться в образ. Зрители располагаются перед сценой и слева от неё. Прежде зрители сидели на полу, устланном циновками - татами. Теперь в новых театральных зданиях в партере ставятся кресла, как в европейском театре, балкон же устилают татами, и там сидят по-старому, на полу.

Оркестр в театре ноо состоит из 4-х музыкантов, которые располагаются в один ряд вдоль задника. Вместе с оркестром у задней стены слева сидит кокэн - человек, помогающий актёрам на сцене. Он условно считается невидимым и может во время действия поправить актёру костюм, парик или маску, подать что - либо из реквизита.

Эстетические принципы искусства ноо не допускают слишком яркого освещения и слишком громкого звучания, что сильно лимитирует размеры зрительного зала.

Обычно театры ноо вмещают не более 500-800 зрителей.

Иногда, следуя старым традициям, представления ноо устраивают на открытом воздухе.

Роли в театре ноо разделены на 3 основные группы:

- ситэ - главное действующее лицо;

- ваки - второстепенное действующее лицо, партнёр главного;

- кёган - комический персонаж.

Актёр в театре ноо имеет строгую специализацию и исполняет только роли определённом группы. Все актеры - мужчины (это традиция).

Одним из наиболее характерных элементов театра ноо являются маски. Актёры этого театра не прибегают к гриму и мимике. Главное средство выразительности - маски. Даже, когда актер выступает без маски, его лицо, как правило, неподвижно и выглядит словно маска. Существует много различных типов масок ноо. Вырезают маски из тщательно отобранного лёгкого дерева, а затем раскрашивают и покрывают специальные лаком.

Техника изготовления масок очень сложна и требует очень искусного мастерства. В настоящее время в театре ноо применяют около 200 типов масок. Они подразделяются на мужские и женские, маски различают по возрасту, характеру, облику. Маска крепится к голове актера двумя шнурками, которые продевают в небольшие отверстия, имеющиеся по бокам маски, и завязывают на затылке актера. По строгому правилу, существующему в театре ноо, маску разрешается брать только за края, в тех местах, где крепятся шнурки.

Все маски хранятся в специальных футлярах (много сохранилось масок еще с 14-17 в.). На первый взгляд кажется, что маска имеет лишь одно фиксированное выражение. Однако в зависимости от ее освещения, от угла падения на неё света "выражение лица" хорошей маски меняется. Она может передавать различные оттенки настроения персонажа и кажется одухотворенной.

Костюмы в театре ноо лишены бытовой конкретности. По форме они напоминают японские костюмы 15 в. - одежду мужчин и женщин того времени - феодальных вельмож, воинов, священников, мирян, нищих и др. лиц.

Костюмы различают не только по форме, но и в зависимости от ткани, из которой они сшиты, окраски, украшений. Многие из них просто великолепны.

Обувь на сцене театра ноо не фигурирует. И актеры, и музыканты входят на сцену в таби (японские матерчатые носки с отделенным большим пальцем).

На сцене театра ноо используются разнообразные парики. Женские парики по форме напоминают причёски, которые носили японки 14 -15 в. Головные повязки - необходимая деталь костюма в театре ноо, особенно для женских персонажей. Повязка обхватывает лоб актёра и закрепляется на затылке. Она повязывается до того, как надевается маска, и потому её передняя часть скрыта под маской. Головная повязка закрепляет тяжёлым парик и служит украшением.

Декорация на сцене не применяется. Для того чтобы зрители знали, где происходит действие, в текст пьесы включаются слова, описывающие обстановку.

Главным средством художественного выражения в театре ноо являются музыка, пение и танец. Гармоническое единство этих трёх элементов составляет необходимую основу спектакля.

Текст пьесы частично поётся, частично говорятся. Он очень усложнён из-за классической литературной формы и с трудом воспринимается на слух. Многие зрители следят за ходом пьесы по своеобразной партитуре, снабженной указаниями музыкального и ритмического характера.

Текст пьесы ноо делится на стихотворные и прозаические части. Чёткой границы между ними нет. Прозаическая речь в пьесах ноо сильно отличается от обычной разговорной и литературной. Поётся текст то громко, то тихо в зависимости от обстоятельств и чувств, которые он выражает. Часть слов поётся исполнителями главной и второстепенной ролей. Но основной текст поручается хору, который состоит только из мужчин и поёт в унисон.

Часть текста произносится как речитатив в определённой тональности, часть поётся и имеет свой мелодический рисунок.

Актёры ноо не изменяют голос в зависимости от того, какой персонаж они изображают: бога или демона, мужчину или женщину, старого человека иди молодого. Очень часто молодая красавица, роль которой исполняет мужчина, поёт хриплым мужским голосом, и это не портит впечатления от спектакля.

Не просто и слуховое восприятие музыки ноо. Для непривычного уха она кажется пронзительной и резкой.

Словом "танец" (маи) в театре ноо называется всякое движение актёра на сцене. Танец в театре ноо состоит из ряда поз. Сейчас в искусстве ноо применяется более 200 таких поз. Их сочетание позволяет выразить любое чувство или ситуацию.

Сцена ноо открыта с двух сторон, и поэтому актеры тщательно следят за тем, чтобы их позы были красивы независимо от того, откуда на них смотрят. В театре ноо придаётся большое значение намёкам и полутонам. Актёр лишь намечает контур движения и выражения, предоставляя свободу воображения зрителю.

Основные источники тематики пьес ноо: японские легенды, древние сказки, известные исторические события, произведения классической японской литературы, эпизоды из жизни знаменитых поэтесс и поэтов, китайские легенды. Вся эта сложная литературная сторона пьес ноо находится в строгой гармонии с их музыкой и танцами. Спектакль театра ноо рассчитан на целостное восприятие этого сложного комплекса.

Существует строгая организация построения каждой пьесы и всего представления в целом. Эта организация базируется на принципе "дзё - ка- кю " (экспозиция, разработка, финал).

Вступление, развитие сюжета, приводящее к кульминации и финалу, - такова структура пьес ноо.

Чтобы оценить театр ноо, не обязательно быть специалистом. Как и всякое большое искусство, его надо почувствовать. Его медленный темп не противоречит нашему стремительному веку, но резко с ним контрастирует. Как и знаменитый японским сад камней, искусство ноо не терпит спешащего зрителя. Оно требует отрешённости от мелочной суеты, гипнотизирует и завораживает, представляясь искусством вне времени и пространства. Кажутся памятными слова Дзэами: "Жизнь кончится, искусство ноо - никогда".

В настоящее время представления театра ноо устраиваются регулярно, рассчитаны они на довольно узкий круг зрителей из наиболее обеспеченных слоев интеллигенции. Современные труппы актёров ноо сохраняют средневековую структуру. Существуют они благодаря финансовой поддержке зрителей - любителей этого жанра. Официально признанный репертуар театра состоит из 258 пьес, большинство из которых создано в 14 - 16 в. Кроме того, на сцене ноо ставятся новые пьесы (синсакуно), создаваемые по случаю особо важных государственных торжеств, по заказу религиозных организаций или усилиями энтузиастов, ищущих новые пути развития этого жанра.

КЁГАН

Народный комедийный драматический театр, развивался из комических элементов представлений саругаку и вполне сложился к 14 в.

Сначала он существовал как самостоятельный жанр. В 14 в. устраивали представления, состоящие исключительно из кёганов. В дальнейшем этот жанр был привлечён как дополнение искусства ноо.

Кёган - короткая одноактная пьеса - комического или сатирического характера, построенная на диалоге. Обычно кёганы исполняются на сцене театра ноо в промежутках между его пьесами и являются обязательной частью представления ноо.

Кёганы составляют яркий контраст с пышной торжественностью песенно-танцевального ритуала ноо.

Герои пьес ноо полны исторической значительности либо овеяны литературной славой. Герои кёганов - простые горожане или жители сельской местности, показанные в обычных житейских ситуациях.

Язык и костюмы персонажей кёганов, а также игра их актеров приближаются к реалистической драме.

Кёган - пьеса, основанная на диалоге, но примерно 35% кёганов включают танцы, песни и музыкальное сопровождение. При этом используются музыканты театра ноо. Музыка выдержана в том же стиле, что и музыка ноо, но песни ближе к народным и не так трудны для исполнения. Танцы тоже значительно облегчены, в них широко используется мимика.

Актёры, исполняющие женские роли в кёганах, для достижения большей реалистичности - в отличие от актеров, исполняющих женские роли в пьесах ноо, - изменяют голос, прибегая к фальцету.

Обычно в начале кёгана персонаж представляется зрителям. Он сообщает основные сведения о себе, а также оговаривает время и место действия, что заменяет декорации, освещение и звуковые эффекты.

Репертуар кёганов состоит примерно из 250 пьес, созданных во время формирования жанра в 15 - 16 в. Авторы большинства из них неизвестны.

Язык кёганов - разговорный. До конца 16 в. кёганы не записывались, их передавали устно от учителя к ученику. На сцене допускалась импровизация. В конце 16 в. были записаны сюжеты кёганов, а в конце 17 в. появились тексты, записанные полностью с замечаниями, касающимися постановки.

Таким образом, тексты кёганов, имеющиеся в настоящее время, обрабатывались в течение нескольких веков. Традиции искусства кёган, как и традиции искусства ноо, сохраняются в школах, возглавляемых старейшими мастерами этого жанра. Слово "школа" при этом принято понимать как творческое направление.

 

ДЗЁРУРИ-

кукольный театр. Самым крупным кукольным театром Японии является "Бунгаку", представляющий собой традиционный кукольный жанр, возникший в конце 16 в., когда старинный народный песенный сказ дзёрури был соединён с кукольным представлением и обрёл специфическое музыкальное звучание. Народный песенный сказ был широко распространён в Японии начиная с 10 - 11 в. Бродячие сказители вели повествование нараспев, под аккомпанемент народного музыкального инструмента бива, несколько напоминавшего лютню. Первые кукольники появились в Японии в 7 - 8 в. Есть основания полагать, что это искусство пришло в Японию из Средней Азии. Выступления кукольников были одной из составляющих частей представления сангаку.

В 16 в. бродячие труппы кукольников стали оседать, в различных районах: близ Осака, на острове Ава, на острове Сикоку. Эти пункты стали центрами японского кукольного театра искусства и подобную функцию сохранили до наших дней. Сцена кукольного театра дзёрури снабжена двумя невысокими загородками, идущими вдоль сцены. Эти загородки частично скрывают кукловодов и создают барьер, по которому движутся куклы.

Первая загородка чёрного цвета, высотой примерно 50 см, расположена в передней части сцены. На уровне этой загородки разыгрываются сцены, происходящие вне дома. Вторая загородка расположена несколько дальше, в глубине сцены. Она примерно на 30 см выше первой. На её уровне обычно происходит действие внутри дома. В этих загородках есть проходы, позволяющие кукловодам по ходу действия свободно перемещаться по сцене. Кукловодам помогают условно невидимые работники сцены, одетые в черные платья с капюшоном, с чёрной сеткой на лице.

Выходы на сцену имеются с двух сторон. Как и в театре кабуки, к сцене театра дзёрури пристроен специальный помост ханамити (дорога цветов), идущий на уровне сцены от левого её края через весь зрительный зал. В конце ханамити имеется выход, закрытый занавесом. Ханамити служит для выхода и ухода участников спектакля, кроме того, это удобная дополнительная сценическая площадка, на которой происходят многие важные сцены.

Справа от сцены, на специальном возвышении, за невысоким пюпитром, на котором лежит книжечка с текстом пьесы, сидит ведущая фигура театра - певец - сказитель гидаю, а рядом с ним аккомпаниатор с сямисэном (музыкальный инструмент). Гидаю нараспев, под музыку ведет повествовании, говорит за героев, переживает вместе с ними, плачет и смеется, а куклы изображают все это на сцене. Куклы в театре дзёрури очень совершенны. Размером они примерно в три четверти роста человека (100 - 130 см). У их двигаются рот, глаза, брови. Ноги, пальцы, руки подвижны во всех сочленениях. Туловище кукол вполне примитивно. Основу его составляет плечевая перекладина, к которой крепятся руки и подвешиваются ноги, если кукла - мужской персонаж. У женских персонажей ног нет совсем, так как они не видны из-под длинного кимоно. Туловище практически отсутствует: в нем нет необходимости. Плечевая перекладина снабжена гнездом для головы. Сложная система шнурков позволяет кукловоду управлять мимикой лица куклы. Головы кукол создают искусные мастера, они очень выразительны. Кукол бережно хранят. В кукольном театре дзёрури, как и в других видах классического японского театра, существуют определенные исторически сложившиеся типажи, своеобразные кукольные амплуа, для каждого из которых применяются определенные голова, парик, костюм, так же как маска, парик и костюм в театре ноо или грим, парик и костюм в театре кабуки. Существует множество разновидностей таких голов, различающихся по возрасту, полу, социальной принадлежности, характеру и т.д.

Парики для кукол делают из настоящих волос и причесывают очень тщательно, как парики живых актеров в театре кабуки. В театре есть специальные парикмахеры, следящие за тем, чтобы волосы кукол были в порядке. Декорации в кукольном театре преимущественно рисованные, очень детальные и реалистичные.

Куклы в театре дзёрури управляются по способу, называемому саннидзукаи, то есть тремя кукловодами каждая. Главный кукловод держит левой рукой туловище куклы и управляет головой, а правой рукой управляет правой рукой куклы. Второй кукловод управляет левой рукой куклы, третий управляет ногами куклы. Действия куклы должны точно совпадать с текстом, которой читает гидаю. Чёткая, сложенная работа всех участников представления, достигаемая годами упорной тренировки, одна из поразительных особенностей этого уникального искусства.

Для некоторых второстепенных персонажей, таких, как слуги или солдаты, применяются куклы, управляемые одним кукловодом. Устроены она более просто, и их выразительные возможности ограничены.

Сначала кукловоды старались казаться незаметными, но к началу 18в. их искусство было высоко оценено и само стало зрелищным. Теперь кукловоды в этом театре не прячутся. Иногда они одеваются в черное платье с капюшоном, но часто главный кукловод выступает с открытым лицом, в нарядном церемониальное кимоно с фамильными гербами.

Функции сказителя-гидаю весьма сложны. Он исполняет роли всех героев, а так же ведёт повествование от автора. Его чтение должно быть максимально выразительным, чтобы вдохнуть жизнь в кукол, управляемых кукловодами на довольно значительном от него расстоянии. Постановка голоса, точное знание мелодического рисунка исполняемого текста, строгая согласованность действий с другими участниками представления требуют многолетней подготовки.

На обучение мастера - исполнителя дзёрури уходит обычно 20-30 лет. Иногда в представлении принимают участие двое или даже несколько сказителей, каждый из них исполняет какую-нибудь одну роль. Часто во время показа длинных пьес сказители и аккомпаниаторы меняются.

Профессии гидаю и кукловодов в театре дзёрури являются наследственными. Как и в других видах традиционного театрального искусство Японии, сценические имена в этом театре вместе с секретами мастерства передаются от отца к сыну, от учителя к ученику.

Репертуар кукольного театра дзёрури весьма обширен. Сохранилось свыше тысячи пьес для этого театра, созданных в 17 - 18 в. и отпечатанных с деревянных досок. Среди них есть исторические, бытовые и танцевальные пьесы. Представление каждой из них полностью потребовало бы 8-10 часов.

Сейчас целиком эти пьесы не ставят. Из них обычно выбирают наиболее драматичные и популярнее пьесы, из них выбирают сцены, которые комбинируют в представлении так, чтобы оно было гармоничным и разнообразным. Как правило, представление включается одна или несколько сцен из исторической трагедии, сцена из бытовой пьесы и небольшой танцевальный отрывок.

Особенностью пьес дзёрури является архаичный язык, трудный для понимания современной аудиторией, особенно в специфическом чтении нараспев сказителя - гидаю. Однако это не является препятствием для любителей этого жанра - почти все сюжеты хорошо знакомы с детства как существенная часть культурного наследия прошлого. Главным в театре является гармоничное сочетание музыки, художественного чтения поэтического текста и необыкновенно выразительного и красивого движения кукол. Именно в этом и заключается особое очарование этого искусства.

Небольшие танцевальные пьесы, входящие в представление кукольного театра дзёрури, исполняются куклами строго по канонам классического японского танца. Лирическое повествование, раскрывающее содержание танца ведёт сказитель под аккомпанемент сямисэна. Танец лишь иллюстрирует это повествование.

Кукольный театр дзёрури является уникальным театральным жанром, существующим только в Японии. Кроме него в Японии есть множество кукольных театров с разной техникой вождения кукол и разным творческим направлением.

 

КАБУКИ

Происхождение искусства кабуки обычно связывают с именем танцовщицы Окуни, которая была жрицей синтоистского храма в Идзумо, и отличалась особенно искусным исполнением религиозных танцев. Ее приезд в Киото в 1603 году и показ религиозных и народных танцев для широкой публики считается первым представлением кабуки.

Слово "кабуки" означало в то время склонность к оригинальному, к чему-то необычному. Когда Окуни в ярком, удивительно нарядном и красочном костюме стала исполнять перед публикой танец кэмбуцу-одори, полный неожиданных, под час нескромных движений, его назвали танцем кабуки. Позднее для написания слова "кабуки" были подобраны китайские иероглифы в произвольном фонетическом чтении. Это написание, состоящее из трех иероглифов "ка" (песня), "бу" (японский традиционный танец) и "ки" (техника, актерское мастерство) сохраняется до сих пор, так как в известной степени передает основной характер этого жанра. Выступление Окуни имели большой успех. Постепенно она собрала группу красивых девушек, с которыми стала ставить небольшие танцевальные сценки, перемежавшиеся комическими интермедиями. Получилось веселое представление типа оперетты, пришедшееся по вкусу всем слоям населения.

Первый период развития искусства кабуки закончился в 1629 году, когда феодальное правительство Токугава, недовольное моральным разложением общества, вызываемым актрисами, издало указ, запрещающий выступления женских трупп. Актеры быстро реорганизовывали труппы, добавив в них мужчин, но правительство запретило выступления и трупп со смешанным составом. Женщины были изгнаны со сцены кабуки окончательно. Так как в театре кабуки укрепилась традиция обходиться без женщин, редкие нарушения этой традиции в наши дни не вызывают поддержки публики.

Танцы, которые так нравились зрителям, могли исполняться и красивыми юношами, одетыми в женское платье.

В труппы подбирались красивые подростки. Появились труппы вакасю кабуки (кабуки юношей). Эффект представлений трупп вакасю кабуки был таким же эротическим, как и трупп онна (женских) кабуки, и дал толчок широкому распространению гомосексуализма, т.к. красивые мальчики быстро обрели покровителей. Снова вмешалось правительство, и в 1652 г. труппы вакасю кабуки были распущены и запрещены. Но искусство кабуки уже пустило глубокие корни, и уничтожить его было невозможно.

Зрители не хотели расставаться со своими любимыми развлечениями, и

властям пришлось идти на компромисс. Труппы начали составляться исключительно из взрослых мужчин. Центр тяжести в искусстве кабуки был перенесён с чувственности и физической привлекательности исполнителей на актерское мастерство, больше внимания стали уделять сюжетном драме, появилось и стало усложняться, совершенствоваться искусство оннагата, актёров, исполняющих женские роли.

Театр кабуки быстро развивался. Размеры его сцены увеличивалась, техническое оборудование совершенствовалось, над местами для зрителей была возведена крыша. Правительство строго следило за соблюдением всевозможных сословных разграничений. Так театр ноо был предназначен только для развлечения высших классов, а кабуки - только для горожан. Если обнаруживали, что представление ноо устраивалось для горожан, виновных наказывали.

Актёрам театра кабуки не разрешалось появляться на сцене в костюмах из парчи, шёлка и других дорогих тканей. За нарушение этих установлений театральные деятели подвергались тюремному заключению на разливные сроки. Различные ограничительные меры принимались правительством и в отношении архитектуры, обстановки и оборудования театров, но несмотря на неодобрение властей, театры расширялись, их оборудование совершенствовалось и пышные костюмы так или иначе снова появлялись на сцене кабуки.

В первой половине 18 в. шел оживлённый культурный обмен. Так кабуки взял многое в кукольном театре дзёрури, центром которого был город Осака. Из театра дзёрури в искусство кабуки пришла драма. Были заимствованы и наиболее выразительные сценические приёмы.

Конец 18 в. и первая половина 19 в. был периодом полной зрелости кабуки. Культурный центр страны полностью переместился в Эдо. На сцене кабуки в это время стали чаще появляться реалистические представления бытовых пьес из жизни простых горожан с их семейными и социальными конфликтами, с эротическими сценами и со страшными кровавыми сценами убийств.

Кабуки - это синтетический театр. Его искусство - органическое соединение музыки, слова, актёрской игры, традиционного японского танца, пантомимы и необыкновенной декоративности постановки. Спектакли кабуки происходят в больших, специально оборудованных театральных помещениях, на широкой, но неглубокой сцене. Занавес хикимаку стал постоянной и обязательной принадлежностью театра с 1664 г, когда на сцене появились многоактные пьесы. Это полотнище, подвешенное на кольцах на тросе, протянутом над сценой. Правый край его закреплен. Открывается этот занавес слева направо, задергивается справа налево специальным рабочим сцены, одетым в чёрное. Занавес большой и тяжелый, поэтому манипуляции с ними требуют известной сноровки.

Кроме скромного традиционного занавеса в театре кабуки применяется много роскошных, красочных, расшитых золотом и серебром поднимающихся занавесов.

Количество и великолепие таких занавесов - показатель популярности и прочности экономического положения театра.

Оркестровой ямы в театре кабуки нет. Музыканты располагаются слева за сценой. Через специальное окошко, забранное решеткой они следят за происходящим на сцене действием. В танцевальных спектаклях, заимствованных в театре ноо, оркестр, как правило, занимает место прямо на сцене.

Стулья для зрителей в японском театре впервые появились в конце 19 в. в театре "Моритадза". В театре кабуки они утвердились с 20-х годов нашего века. Но и теперь даже в самых современных театральных помещениях кресла стоят только в партере, амфитеатре и на балконе. В ложах по-прежнему сидят по-японски на полу на специальных плоских подушках для сидения.

В спектаклях кабуки широко применяются различные световые эффекты. Музыка в театре кабуки является одной из важнейших составных частей жанра. Она сопровождает представление с момента открытая занавеса и продолжается в течение всей пьесы, независимо от того, есть актёры на сцене или нет. Она умолкает лишь тогда, когда пауза помогает создать более сильное впечатление.

Сценическая речь в кабуки имеет специфическую ритмическую и мелодическую основу - результат влияния театра дзёрури.

В пьесах, заимствованных в театре ноо, предмуцественно танцевальных, значительное место в музыкальной ткани спектакля занимает мужской хор. В процессе формирования и развития искусства кабуки сложилась определённая система канонических жестов, поз, движений, модуляций голоса, свойственных этому театру. Основные цвета грима - красный, синий, чёрный.

Красные линии обозначают страсть, справедливость и доблесть, синие - зло, страх и сверхъестественность, черные - божественность и колдовство. В театре кабуки существует обычай дарить зрителям - поклонникам или покровителям, сделанный на бумаге или на шёлке отпечаток линий кумадори (грима) с лица актёра. Отпечатки кумадори ролей знаменитых актёров хранятся в театральных музеях.

Гримёров в театре кабуки нет, актёры всегда гримируются сами. Стремясь к впечатляющему зрительному эффекту, театр кабуки разработал ряд приёмов, позволяющих актёрам быстро менять костюм прямо на сцене, на глазах у зрителей. Целям разграничения амплуа, подчеркиванию характера персонажей и приданию живописности спектаклю служат в театре кабуки и парики. Основу парика составляет тонкий медный обруч, размер которого тщательно подгоняют к размеру головы актёра. Сверху обруч оклеивают шёлком, а к нему - волос за волосом - приклеивают парик. Для одних персонажей, парики делают из женских волос, для других из шерсти животных. Театр кабуки применяет несколько сот видов париков. Существует сложная их классификация. Основным считается разделение париков на мужские и женские. Дальнейшая детализация определяется характером персонажа.

Существует три типа пьес кабуки: исторические, бытовые, танцевальные. Репертуар театра соответственно чётко разделен, спектакль кабуки обычно включает по пьесе или акту из драмы каждого из этих трёх типов. Часто в программу спектаклей кабуки включаются пьесы, написанные современными драматургами.