БИЛЕТ №20.

БИЛЕТ № 1.

  1. Значение скоморошьего искусства в развитии русского народно-инструментального исполнительства.
  2. В.Н.Городовская - исполнитель и композитор.

 

БИЛЕТ № 2.

  1. Инструменты скоморохов, их строение, способы игры.
  2. Видные гусляры XIX - XX века.

 

БИЛЕТ № 3.

  1. В.В. Андреев: основные этапы жизни, его роль в реконструкции балалайки, исполнительское мастерство и репертуар.

2. Два вида ансамблей - однотипные, разнотипные.

 

БИЛЕТ № 4.

  1. Трояновский - жизнь и творчество.

2. Ансамбль балалаек В.Андреева.

 

БИЛЕТ № 5.

  1. Е.Г. Блинов и уральская балалаечная школа.

2. Разнотипные ансамбли: дуэты М.Рожков - Г.Миняев; О.Глухов - В.Азов.

 

БИЛЕТ № 6.

  1. П.И. Нечепоренко и его ученики.

2. Квартет "Сказ". Ансамбль "Жалейка".

 

БИЛЕТ № 7.

1. Г. П. Любимов - создатель четырёхструнной домры.

2. Традиции и современность в ансамблевом исполнительстве (на примере "Джаз-балалайки" и "Терем-квартета").

 

БИЛЕТ № 8.

1. А. Цыганков - исполнитель и композитор.

2. Дуэты однотипных инструментов.

 

 

БИЛЕТ № 9.

1. Творческий портрет Т. И. Вольской.

2. Квартетные ансамбли.

 

БИЛЕТ № 10.

1. Видные исполнители 50-70 годов XX века: А. Симоненков, А. Александров, Р. Белов, Б.Михеев, В. Яковлев. А. А.

2. У истоков оркестрового музицирования.

 

БИЛЕТ № 11.

1. Исторические предпосылки появления гармоники в России. Виды гармоник.

2. Великорусский оркестр В.В.Андреева.

 

БИЛЕТ № 12.

1. Исполнительское искусство баянистов 50-60-х годов XX века: И. Паницкий, А.Сурков, А. Онегин, Ю. Казаков, И. Маланин, А. Полудницын.

2. Оркестр хроматических гармоник Н.И.Белобородова.

 

БИЛЕТ № 13.

1. Лучшие представители баянного исполнительства последней трети XX века: В. Галкин, А. Беляев, В. Бесфамильнов, А. Полетаев, Ю. Вострелов, Ф. Липс, А. Скляров.

2. Ленинградские (петербургские) оркестры.

 

БИЛЕТ № 14.

1. Экскурс в зарубежное исполнительство на аккордеоне.

2. Оркестры народных инструментов Москвы.

 

БИЛЕТ № 15.

1. Известные российские аккордеонисты: Ю.Дранга, В.Ковтун, В.Данилин.

2. Академический русский народный оркестр Новосибирской телерадиокомпании.

 

БИЛЕТ № 16.

1. Проникновение гитары в Россию (конец XVII века).

2. Оркестры при хоровых и танцевальных коллективах.

 

БИЛЕТ № 17.

1. Андрес Сеговия и его концерты в России.

2. Современные русские народные оркестры.

 

 

БИЛЕТ №18.

1. Гитарное искусство 70-90-х годов XX века: Н.Комолятов, А.Фраучи, В.Терво, А.Зимаков.

2. Баян и его репертуар. Творчество Владислава Золотарёва.

 

БИЛЕТ №19.

1. Гитара в джазе.

2. Репертуарные ступени в народно-инструментальном исполнительстве.

 

БИЛЕТ №20.

  1. Гусли, их разновидности, истоки профессионального исполнительства.

2. Основные тенденции развития современного репертуара для русских народных инструментов.

 

1-2Вера Николаевна Городовская (1919-1999) - внесла новый элемент в мировую

музыкальную культуру - сольное и дуэтное музицирование на столообразных гуслях.

Все годы работы в оркестре им.Осипова В.Н.Городовская считалась "королевой

оркестра". В этом звании - мастерство и тонкость исполнения, полнокровная жизнь

оркестровыми заботами, стремление к обновлению репертуара, забота о будущих

поколениях. Она ярко проявила себя и как музыкант, и как композитор, и как

педагог.

На творческие вечера гуслярши приходила вся музыкальная Москва; она мастерски

аккомпанировала первоклассным музыкантам (и на рояле, и на гуслях, и в дуэте

гуслей). Как композитор (член Союза композиторов РФ) В.Н.Городовская открыла

новые страницы не только родного инструмента, но и балалайки, домры, оркестра.

Не имея возможности вести педагогическую деятельность в музыкальном вузе, она

открыла студию при оркестре, и её гусельный класс окончили великолепные гуслярши

(впоследствии - заслуженные и народные артисты России), как, например, М.Воронец

и А.Догадова. В.Н.Городовская обобщила свой исполнительский опыт в "Школе игры

на клавишных и щипковых гуслях". Её преданность и любовь к гуслям в сочетании с

исключительной одарённостью и образованностью позволили поднять исполнительство

на этом инструменте на небывалую высоту, и дело чести каждого последующего

музыканта - не снижать гусельного искусства игры, постоянно помня о достигнутых

результатах замечательной артистки и человека - В.Н.Городовской [7, 2000. - №1,

16-17].

 

2-1 Гусли:XI век - длина 83 см, ширина 19 см, толщина 3,8 см (крыловидные); XIII век - длина 85 см, ширина 19 см, толщина 7 см; были гусли длиной 35 и 47 см; на некоторых крепилось 4-5 струн, на других - 6-9. Инструменты представляли из себя корытца с еловой или сосновой декой, на которой располагались щечки со стержнем для крепления струн, в верхней части (надкрылке) прорезались (выжигались) круглые отверстия для колков.

 

Гудок - инструмент конца ХII века - длина 41 см (корпус - 28, шейка - 3, головка - 10 см), наибольшая ширина 11,5 см; глубина корпуса 5,5 см; ХIV век: длина 30 см, ширина 10,5 см; гудки имели овальный долблёный корпус с выпуклым дном, накладную деку с резонаторными отверстиями в виде скоб, очень короткую шейку, треугольной или скошенной формы головку и три колка для струн; корпус, шейка и головка сделаны из одного куска елового дерева [2, 91].

 

Сопель - "одна (конец ХI века) имеет ствол длиной 22,5 см, диаметром 2,5 см, и 4 круглых игровых отверстия, вырезанных на равном друг от друга расстоянии; у второй сопели, относящейся к началу ХV века, размеры иные - длина 19 см, диаметр 2,3 см и только 3 игровых отверстия" [2, 37].

Инструменты, найденные при раскопках, послужили образцами для создания подобных. Одним из авторов реконструкций стал молодой учёный и музыкант В.И. Поветкин. " Реконструкция гудочка ХIV века закончена, и в настоящее время на нём можно играть, извлекая звуки по крайней мере близкие тем, какие он имел в средние века. Нельзя сказать, чтобы он обладал гнусавым или скрипучим голосом […].

Инструмент, хотя и невелик по размерам, но в нём заложены все без исключения конструктивные особенности больших гудков, звучавших в низких октавах" [7, 315].

"Сравнивая традиционные гусли с усовершенствованными, […] надо заметить, что природа возникновения звука у этих разновидностей гуслей не совсем одинакова […]. В усовершенствованных гуслях очень много торжественности и громкости. В традиционных гуслях много души. В усовершенствованных гуслях решающее значение имеет подставка, мгновенно передающая вибрацию струн на верхнюю деку. В традиционных гуслях такая механическая связь деки со струнами как будто специально не поддерживается, отсюда и звук этих гуслей возникает как бы с опозданием. В наши дни усовершенствованные гусли предназначены для концертных выступлений. Если вернуть к жизни традиционные гусли, они могут стать прекрасным инструментом для домашнего музицирования" [7, 300]. Не это ли явилось важной причиной широкой распространённости гуслей в Древнем Новгороде? Судя по раскопкам, гусли находили в домах, принадлежащих ремесленнику и купцу, чиновнику и крестьянину. Об устойчивом интересе к инструменту говорит тот факт, что гусли и другие инструменты располагались в слоях, относящихся к разным векам.

return false">ссылка скрыта

Помимо названных инструментов, по свидетельствам литературных и иконографических источников, скоморохи чаще всего использовали бубен, жалейку, волынку, сурну, трещотки.

 

Сурна: "Отсутствие необходимых сведений не позволяет судить о том, какова была конструкция древнеславянской сурны, но более поздний представитель был следующего вида: деревянная трубка, на обеих концах которой навинчены раструбы - верхний раструб маленький, конический, нижний - значительно больших размеров, колоколообразный; размеры - длина 27 см, диаметр верхнего раструба 3,5 см нижнего - 6,5 см; 5 игровых отверстий (соль диез, ля, си, до, ре). "Когда они (скоморохи. - В.А.) прибегают к ней, то играют почти в продолжении часа […] без всякой передышки или втягивания воздуха. Они обыкновенно наполняют воздухом щеки, а затем, как говорят, научившись одновременно втягивать воздух ноздрями, издают трубою звук без перерыва" [2, 44].

 

Волынка: (русская, образца XVI века; раннее свидетельство относится к XVI веку) - "имела одну мелодическую и одну, как исключение, две бурдонные трубки, настроенные в квинту или в унисон к мелодической […]. Игра […] производилась […] обычным способом: музыкант держал мех под мышкой левой руки и, надувая его воздухом, на малой трубке с игровыми отверстиями исполнял мелодию, а большая басовая издавала при этом непрерывный и неизменный по высоте звук - бурдон; в момент смены дыхания музыкант нажимом локтя вводил в действие мех, "выдавливая" находящийся в нём запас воздуха. В результате инструмент звучал непрерывно и с одинаковой силой [2, 47].

 

Свирель(двойница, двойчатка) - парная, продольная, свистковая флейта, каждая из двух трубок которой имеет вверху свистковое приспособление и заканчивается "клювом". В нижнем конце на обеих трубках просверлено по три игровых отверстия, из них два на лицевой и одно (для большого пальца) на тыльной стороне […]. В среднем у свирелей народной выделки длина первого ствола равна 30-35 см, второго 45-47 см, диаметр обеих стволов 1-1,5 см […]. Во время игры исполнитель берёт "клювы" в рот, опускает слегка вниз трубки, раздвигает их под острым углом и кладёт на игровые отверстия соответствующие пальцы правой и левой руки […]. Левый и правый стволы свирели находятся между собой в квартовом соотношении и объём их простирается до 2 октав (h1-ais3).

Ударные инструменты всегда были в чести у скоморохов, поскольку они создавали чёткий ритмический фон музыкальному и вокальному действию. В прошлом все ударные инструменты назывались одним словом - бубны (двухсторонний барабан, тулумбас, набат…).

"Бубен - обычного типа - в виде неширокой круглой деревянной обечайки, с натянутой на одной стороне кожаной мембраной. Внутри обечайки подвешивались бубенчики и колокольцы, а в прорези стенок вставлялись бряцающие металлические пластинки. Удар по мембране производился пальцами. Бубном широко пользовались скоморохи и медвежьи поводчики" [2, 99].

Барабандвухсторонний представлен широкой деревянной обечайкой, "на которую с обеих сторон натянуты кожаные мембраны. Последние прикреплялись к деревянным обручам, взаимно стягивающимся при помощи верёвок […]. К барабану прикреплён ремень или верёвка для подвешивания инструмента через плечо. В древности удары по барабану производились вощагой, впоследствии она была заменена обыкновенной деревянной колотушкой" [2, 100].

Из других ударных инструментов скоморохами могли быть использованы "подручные" материалы из хозяйственной утвари: ложки, сковородки, заслонки, косы, которые часто звучат в современных народно-инструментальных ансамблях. В древнерусских источниках о названных инструментах нет каких-либо сведений, но интересно, например, мнение известного фольклориста К.В. Квитки о трещотках:

"Вероятно, некогда назначение их, впоследствии забытое, было служить отгнанию злых духов - раньше значительная часть свадебных обрядов была направлена на то, чтобы уберечь от действия злых духов" . Вспомним в недалёком прошлом ночных сторожей в деревнях и сёлах с колотушкой или трещоткой в руках…

 

3-1

  Василий Васильевич Андреев родился 14/27 января 1861 г. в г.Бежецке Тверской губернии. Отец - купец первой гильдии. Мать - из дворянского рода, в совершенстве владела несколькими иностранными языками, обладала красивым голосом, играла, на фортепиано. Отец умер, когда Васе было два года. В пять лет он самоучкой недурно играл на гармонике. Любил бывать среди дворни. Видя его музыкальную любознательность, мать пригласила учителя музыки. Зубрёжка гамм и различных экзерсисов на фортепиано не привлекала мальчика. Вскоре мать с семьёй переезжает в небольшое село Марьино. К 14 годам Василий умел играть на многих народных инструментах, знал все народные песни, звучавшие в округе, лихо отплясывал "русскую". Чтобы дать сыну законченное образование, мать, Софья Михайловна, переезжает в Петербург. Андреев, обучаясь в гимназии, одновременно берет уроки скрипки у Н.В. Галкина (впоследствии - профессора Петербургской консерватории и дирижера Мариинской оперы). Занятия у Н .В .Галкина имели большое значение для формирования профессионального отношения Андреева к музыке, педагогике; кроме того, крепкая пальцевая техника, знакомство с музыкальными шедеврами весьма пригодились видному реформатору народного инструментария в его будущей практике. После окончания гимназии (1882) В.В. Андреев совершил путешествие по Европе. В Италии большой интерес у Андреева вызвал неаполитанский оркестр. Здесь и появились первые мысли о профессионализации русских народных инструментов.

Лето 1883 года: знакомство с игрой марьинского крестьянина Антипа, исполнявшего на примитивной балалайке "Вдоль по Питерской". Звучание балалайки необыкновенно взволновало Андреева: "Я помню, что тогда же как калёным железом выжглась в мозгу мысль: играть самому и довести игру на балалайке до совершенства. Не знаю, что сильнее руководило мной - инстинкт или национальное чувство. Я думаю, что было и то и другое, а соединение их дало мне ту силу, которая не знает на своем пути преград и не останавливается ни перед какими жертвами в своем стремлении довести дело до конца" [1, 75-76].

Через несколько дней Андреев играл лучше Антипа. Затем состоялось знакомство в г.Бежецке c помещиком Александром Степановичем Пасхиным (Паскиным), в своё время бравшим уроки игры на балалайке у Н.В. Лаврова. У А.С. Пасхина В.В. Андреев перенял новые исполнительские приемы, от него же получил адрес бежецкого столяра, которому заказал улучшенную балалайку. На этом инструменте В.В. Андреев совершенствовался два года. Затем переехал в Петербург, где стал выступать в благотворительных концертах. Об одном выступлении В.В. Андреева (23.12.1886) имеется свидетельство в "Петербургской газете" от 24.12.1886 года. К этому времени относится заказ Андреевым у петербургского мастера Владимира Васильевича Иванова нового инструмента (кузов из горного клёна, гриф черного дерева, врезные металлические порожки, акустически улучшенный голосник; даты заказа и изготовления балалайки в разных источниках указываются разные: К. Вертков - 1887, Е. Максимов - 1885). Искусство игры на балалайке у В.В. Андреева растёт, появляется все увеличивающееся количество подражателей. В.В. Андреева называют не иначе как "отец балалайки".

В 1887 году наряду с В.В.Ивановым несколько инструментов изготовил "придворный мастер Его Величества принца Ольденбургского" Ф.С.Пасербский, который впоследствии стал соавтором хроматической, сперва 12-ладовой, а затем с еще большим количеством ладов, балалайки (именно Ф.С.Пасербский выполнил весной 1887 года для В.В. Андреева хроматическую балалайку). В этом же году Андреев совместно с П.К.Селиверстовым издал первую школу игры на 5-ладовой балалайке: "Составил П.К.Селивестров при участии известного артиста на балалайке В.В.Андреева с приложением песен, исполненных им в концертах"; Андреев написал к школе вступительную статью.

Исполнительское искусство В.В.Андреева можно проследить по рецензии из "Русских ведомостей" (1883, № 119, от 2 мая): "Не знаем, как играет каждый из членов "Кружка", но сам г. Андреев играл один на своей балалайке марш собственного сочинения. Как музыка, марш интереса не представляет, но лучше его ничто не может доказать, что только виртуоз может извлекать из этого всё-таки скромного инструмента такие сильные звуки, такие сложные и трудные аккорды, так заставить петь балалайку!". В этом убеждают и более поздние сочинения В.В. Андреева - вальсы, марши, полонезы, мазурки: насыщенная аккордовая фактура, сложная кантилена, виртуозные вариации и пассажи - всё говорит об исключительных возможностях музыканта. К сожалению, сохранившаяся граммофонная запись игры Андреева-балалаечника (1910) доносит до нас слабое представление об его искусстве игры.

Большое значение в жизнедеятельности В.В.Андреева в частности и народных инструментов в целом имело появление такого самородка, как Семён Иванович Налимов, известного российского мастера, изготовившего не одну сотню самых различных русских народных щипковых инструментов высокого качества.

Искусствовед прошлого А.В.Оссовский писал, что за десять лет с 1888 года известность балалайки чрезвычайно расширилась: только в Петербурге в 1898 году уже около 20 тысяч лиц играли на этом инструменте. Вспомним, что ещё в декабре 1887 года В.В. Андреев организовал в Соляном городке балалаечный класс из 14 учеников. С 1891 по 1897 годы Андреев и его помощники бесплатно преподавали игру на балалайке в шести полках Петербургского гарнизона. Благодаря только этому ежегодно обучались до 600 человек. В 1906 году в России было продано свыше 200 тысяч балалаек и домр. Начиная с 1887 года, вышли из печати 23 школы и самоучителя, из которых подготовлено непосредственно Андреевым или при его участии - 9. Для еще большей популяризации балалайки В.В. Андреев публикует статьи во многих изданиях, переписывается с ведущими музыкантами, педагогами, деятелями искусства, открывая путь к профессиональному признанию русских народных инструментов. Для этого же он использовал успех русских инструментов за рубежом. Свидетельства этого успеха: в Парижской консерватории открылся класс балалайки; немецкий кронпринц учился играть на балалайке.

Вся деятельность В.В.Андреева была направлена на то, чтобы народные инструменты были доступны широким слоям населения, чтобы усовершенствованные домры и балалайки стали вновь родными по духу русскому человеку, но с учётом, что каждое искусство живёт и поддерживается образцом: яркий пример необходим для подражания [1, 108].

Исполнительское искусство Андреева-балалаечника и его Великорусского оркестра стало блестящим образцом для появления многих известных музыкантов, ансамблей и оркестров. К числу страстных популяризаторов балалайки относятся Зарубин, Доброхотов, Успенский и др.

 

4-1 Борис Сергеевич Трояновскийродился 3 апреля 1883 года в селе Ругодево Новоржевского уезда Псковской губернии. "В деревенской глуши, в 75 верстах от железной дороги, я впервые услышал у крестьян игру на балалайке, очень увлёкся ею, стал учиться, играть, перенимать у деревенских учителей их манеру игры, приёмы, штрихи и песни" [6,172-173].

В начале своей исполнительской деятельности Б.C.Tpoяновский играл на самодельной 5-ладовой балалайке. Затем в г.Пскове под руководством местного балалаечника, полковника Г.А. Адамовича освоил хроматическую балалайку. 11-летним мальчиком дал в Старой Руссе свой первый концерт. После окончания Псковского реального училища переехал в Петербург, где познакомился с В.В.Андреевым. Начиная с 23 декабря 1904 года он солист Великорусского оркестра, с которым несколько лет гастролировал по России и за рубежом (Англия, Франция, Германия, Америка).

"Среди сенсаций настоящего берлинского музыкального сезона концерты великорусского оркестра балалаечников под управлением В.В.Андреева занимают одно из первых мест [...]. Любимцем местной, преимущественно немецкой концертной публики сделался солист оркестра г. Трояновский" (Раннее утро. - 1908. - 15 нояб.). Мировая известность Трояновского еще более упрочилась во время следующих гастролей, но уже самостоятельных, без оркестра (начиная с 1912 года). Зарубежная печать называла исполнителя не иначе как "балалаечный Паганини". Знаменательной вехой в жизни артиста стали встречи с Л.Н. Толстым, которому балалаечник неоднократно играл русские народные песни в своей обработке.

В репертуаре Трояновского - обработки и переложения русской и зарубежной классики, русских народных песен; обработки последних он делал с исключительной любовью и всю жизнь. "В лице Б.С.Трояновского мы имеем одного из непревзойденных мастеров искусства игры на балалайке [...]. Переложения таких вещей, как "Пляска смерти" Сен-Санса, Фантазия на темы оперы "Кармен" и, в особенности, "Испанское каприччио" Римского-Корсакова, сделаны с мастерством" (заслуженный деятель искусств РСФСР, профессор М.Штейнберг). "Борис Сергеевич Трояновский страстно любил свой инструмент, был настоящим виртуозом, каждая его вещь была так ювелирно технически отделана, с таким теплом и блеском сыграна, что все прежние представления о якобы ничтожных возможностях балалайки рушились, как карточный домик" (народная артистка СССР Н. Сац).

После Великого Октября Б.С.Трояновский усиленно концертировал, активно участвовал в пропаганде музыкального искусства среди детей. В 1939 году Трояновский стал одним из организаторов и членов жюри Всесоюзного смотра исполнителей на народных инструментах. Во время Великой Отечественной войны, несмотря на преклонный возраст и подорванное здоровье, остался в блокадном Ленинграде и снова много концертировал. После войны Б.С. Трояновский кропотливо работал над записью своих обработок и переложений. Скончался он в 1951 году в Ленинграде и похоронен на Литературных мостках.

Б.С.Трояновский стал основоположником современной игры на балалайке: его новые приёмы и штрихи (некоторые виды вибрато, двойное пиццикато в быстрых пассажах, бряцанье по одной струне и т.д.) значительно расширили технические и художественные возможности инструмента. Его обработки русских народных песен и наигрышей считаются уникальными по своему мастерству проникновения в содержание песни, чисто народному колориту исполнительских приёмов звукоизвлечения. Это своеобразная классика, которую каждый балалаечник обязан изучить и воплотить в своей игре. Обработки послужили образцами при создании подобных сочинений другими балалаечниками (В.Нагорным, Н.Вязьминым, Б. Феоктистовым).

Б.С.Трояновский известен в музыкальной жизни как ансамблист (в дуэте с А.С. Илюхиным) и как организатор и дирижёр (он - создатель и руководитель одного из лучших русских народных оркестров, впоследствии - оркестра имени Н.П.Осипова). Творческая деятельность Б.С.Трояновского - качественная ступень в профессиональном балалаечном исполнительстве, оказавшая значительное влияние на дальнейшее развитие народно-инструментального искусства в нашей стране.

Исполнительское искусство игры на балалайке в 20-40-е годы характеризуется появлением ряда интересных музыкантов, которые наряду с Б.С.Трояновским и Н.П.Осиповым создали предпосылки для возникновения будущей школы балалаечного мастерства. Среди этих музыкантов заметно выделились К.Л.Плансон, А.С.Илюхин, В.В.Нагорный, Н.Г.Хаврошин и многие другие.

5-1 Другие крупным балалаечным регионом стал Урал, где главное место принадлежит Евгению Григорьевичу Блинову. Он родился в 1925 году в г.Свердловске в семье бухгалтера ВИЗа Григория Николаевича Блинова. Балалайкой увлекся рано: уже в 8 лет дебютировал на областной олимпиаде. Вскоре семья переехала в Кушву (север Свердловской области), где в школе № 5 Е.Г.Блинов организовал струнный кружок. В 1940 году он поступает в музыкальное училище сперва в класс В.В.Знаменского (домра), а чуть позднее - в класс Н.Ф.Рожина (балалайка).

В начале войны в Свердловск эвакуируется Киевская консерватория, в училище стал работать М.М.Гелис. У него и продолжил учёбу Е.Г.Блинов. После II курса, как лучший учащийся, Е.Г.Блинов переведён в Уральскую консерваторию. В 1943 году призван в армию, после демобилизации (1946) возвращается в класс М.М.Гелиса в Киевскую консерваторию, которую и закончил с отличием в 1951 году.

Участие в 1953 году в международном конкурсе (Всемирный фестиваль молодежи и студентов - Бухарест) принесло Е.Г.Блинову золотую медаль и звание лауреата. Программа конкурсанта: Куликов "Концертные вариации", Рубинштейн "Мелодия", Андреев "Каприз", Будашкин "Концертные вариации на русскую тему", де Фалья "Испанский танец" и - на бис! - Трояновский "Плясовая". Е.Г.Блинов стал первым исполнителем на Украине представившим балалайку сольным концертом в двух отделениях (1952).

Его гастроли за рубежом привели в восхищение многих иностранных слушателей. "Виртуоз Франц Лист просиял бы, услышав свою знаменитую "Вторую рапсодию" в таком захватывающим дыхание исполнении" ("Берлинер Цейтунг", 2 сентября 1952 г.). Е.Г. Блинов много и плодотворно сотрудничал с украинскими и уральскими композиторами - Е. Кичановым, Н.Шульманом, Н. Пузеем, К. Мясковым, К. Кацман и др.

С 1963 живёт и работает в Екатеринбурге. Ни на минуту не оставлял педагогической работы. Среди учеников: заслуженные артисты РСФСР В. Аверин, Ш. Амиров, Ю. Гаврилов, В. Шеболкин, народный артист УССР В. Илляшевич... И в настоящее время народный артист РСФСР, профессор Е.Г. Блинов плодотворно трудится на педагогической и исполнительской работе.

С 70-х годов XX века в России начинает формироваться ещё один балалаечный регион - ленинградский (петербургский), во главе с заслуженным деятелем искусств РФ, профессором А. Б. Шаловым.

6-1 "Павел Нечепоренко... Это имя для многочисленных любителей балалайки и профессионалов у нас в стране и за её пределами звучит свято, овеяно славой, стало легендой. Нечепоренко - это символ подвижнического служения искусству, русским народным инструментам, это первая, заявившая о себе профессиональная школа игры на балалайке, безграничная вера в непреходящую значимость избранного дела, это широта творческих интересов, талант, помноженный на работоспособность, бесконечное стремление к совершенству, активная жизненная и творческая позиция" [8, 5].

 

"Я родился 31 августа 1916 года на Украине, в город Чигирин. Моё детство проходило в те годы, когда ещё не было ни радио, ни телевидения, ни магнитофонов, ни дискотек. Граммофон и тот был редкостью, но музыка звучала со всех сторон. Голоса гармошек, балалаек, гитар, мандолин переплетались по вечерам со звуками цикад и песнями украинскими и русскими... У нас в семье все пели, все любили музыку" (8, 10). На балалайке он начал играть с 7 лет (не без помощи отца), впервые выступив в 15 лет. Любовь к балалайке привела П.И. Нечепоренко в класс В.И. Домбровского (Ленинградское музыкальное училище). Ценные советы молодому музыканту дал Б.С.Трояновский. В 1939 году на Всесоюзном смотре исполнителей на народных инструментах П.И. Нечепоренко поделил первое место с Н.П.Осиповым (на третьем туре балалаечник исполнил "Полёт шмеля" Римского-Корсакова, Концерт Василенко II часть, Венское каприччио Крейслера, но особенно поразил слушателей интерпретацией Концертной фантазии на темы из оперы Бизе "Кармен" Сарасате). В годы войны П.И. Нечепоренко работал в Балтийском флотском ансамбле балалаечником, а затем и его художественным руководителем. После войны поступил в Ленинградскую консерваторию и в 1949 году окончил ее по двум специальностям: дирижёр хора и дирижёр оркестра народных инструментов. После окончания ЛОЛГК он назначается главным дирижёром оркестра им. Андреева. В 1951 году переезжает в Москву, работает недолго дирижёром и зам. художественного руководителя Государственного оркестра им. Осипова. По словам П.И. Нечепоренко исполнительская натура взяла верх и поэтому последующие десятилетия он - солист Госконцерта. В 1952 году за концертные программы нескольких сезонов ему присуждается Сталинская (Государственная) премия. Исполнитель существенно обогатил балалаечную практику новыми приемами (например, "гитарный приём") и оригинальными сочинениями ("Вариации на тему каприса Паганини" - своеобразная энциклопедия балалаечных приёмов и штрихов). Необходимо отметить, что разработка гитарного приема позволила исполнителю включить в свой репертуар не звучавшие ранее у балалаечников произведения Рамо, Куперена, Скарлатти, Люлли, Гайдна, Мендельсона, Паганини и т.д. С 1959 года П.И. Нечепоренко работает в ГМПИ имени Гнесиных, внося в педагогическую практику академические черты исполнительской школы В.В. Андреева - Б.С. Трояновского - Н.П.Осипова. Среди его учеников, а их уже свыше 50, лауреаты различных конкурсов: В.Болдырев, В.Зажигин, С.Гитлин, О.Давыдов, А. Горбачёв и многие другие. Регулярные контакты с советскими композиторами (Ю. Шишаковым, Ф. Смехновым, В.Екимовским...) позволили существенно расширить балалаечный репертуар новыми произведениями. Постоянные консультации и беседы, записи на радио и по телевидению, наигрывание грампластинок, концертные гастроли, участие в различных конкурсах, педагогическая работа - всё это и есть сегодняшняя творческая деятельность П. И. Нечепоренко - профессора, народного артиста СССР.

 

7-1Григорий Павлович Любимов (наст. Модест Николаевич Караулов) родился 26 января в Петербурге. Его отец - Николай Андреевич, учитель, из мелкопоместных дворян, - был одним из активных членов общества "Народная воля". Умер в тюрьме. В 1889 году семья переехала в Псков, где семилетний Модест слушал балалаечный оркестр В.В.Андреева. Под впечатлением от концерта Караулов создал в гимназии из своих сверстников балалаечный ансамбль. После гимназии - Москва, музыкально-драматическое училище, учёба в классах контрабаса у С.А.Кусевицкого и теории музыки у Г.Э.Конюса.

 

Денежные трудности заставляли подрабатывать слесарем, столяром, типографским рабочим. В 1904 году активно участвовал в революционной работе, а за события 1905 года был арестован и отправлен в ссылку в Сибирь, откуда сбежал вместе с женой Н.В.Асеевой (пианисткой, ученицей А. Скрябина). После побега жил под псевдонимом Любимов в Москве, где устроился дирижёром оркестра к меценату А.И.Гучкову. Здесь и состоялось знакомство с С.Ф.Буровым.

 

1908 год - первая попытка создания четырёхструнной домры. И уже в 1909 году в Москве появилось Общество любителей игры на народных инструментах, в том числе на четырёхструнной домре. Вскоре Любимов и Буров разрабатывают домры альт, тенор и бас. По типу струнного смычкового квартета Г. П. Любимов организовал квартет четырёхструнных домр (1915 год).

 

Г.П.Любимов считал, что "андреевские" инструменты ограничены в своих возможностях диапазоном и репертуаром, а квинтовая домра позволяет осваивать богатейший пласт классической музыки для скрипки и смычкового квартета. С другой стороны, народная песня занимала главное место в репертуаре домрового квартета (первый состав: Г. Любимов, С. Тэш, С, Таль, Н, Кудрявцев). С квартетом пели известные вокалисты: О. Ковалёва, А. Доливо - Соботницкий, И. Яунзем, Т. Ханум. Путь любимовской домры в мир искусства был нелёгким .

 

"В 20-30-е годы развернулась острая полемика вокруг существования квинтовой домры и трёхструнной домры (вспомним подобное в гитарном исполнительстве - шестиструнка или семиструнка, полемику между баянистами и аккордеонистами. - В.А.).

 

Своеобразная "война домристов" выглядит по меньшей мере странной и бесполезной: та и другая домры являются искусственными, а какой строй был у подлинной русской домры, никому не известно. Следовательно, обе домры - андреевская и любимовская - имеют совершенно одинаковое право на существование, и ни одна из них не может быть признана истинно русской домрой, как это утверждают приверженцы инструмента системы Андреева. Поэтому давно пора положить конец бесплодным спорам и употреблять эти два инструмента на "паритетных" началах, как в равной степени русских, ибо и тот и другой созданы в России и благодаря всеобщей распространённости приобрели право признания их народными инструментами" [4, 175].

 

Многолетняя концертная практика квартета Г. Любимова, а позднее - оркестра четырёхструнных домр оказала своё влияние на Украине, Урале, в Сибири.

 

На Украине четырёхструнная домра прочно закрепилась в системе музыкального образования, что положительно сказалось на профессиональном становлении инструмента. На Всесоюзном смотре исполнителей на народных инструментах (1939) исполнители на четырёхструнной домре завоевали все призовые места среди домристов. Это были ученики М. М. Гелиса: С. А. Якушкин и Г. Н. Казаков - вторая премия, Н. Т. Лысенко, М. А. Марецкий и А. П. Троицкий - третья премия. Вот лишь часть программ, прозвучавших на конкурсе у четырёхструнников: Троицкий - Сен-Санс "Интродукция и рондо-каприччиозо", Крейслер "Прелюдия и аллегро в стиле Пуньяни"; Якушкин - Мендельсон "Концерт для скрипки" (со студенческим симфоническим оркестром, дирижёр - В. С. Тольба); Казаков - Крейслер "Сицилиана и ригодон", Дакен "Кукушка" (программы вспомнил Г. Н. Казаков). Из трёхструнников похвальный отзыв за участие в смотре получил ученик Н. П. Осипова - А. Н. Лачинов (на конкурсе выступили всего три трёхструнника).

 

8-1Александр Андреевич Цыганков - родился 1 ноября 1948 года. В 9 лет взял в руки мандолину. После окончания Омской музыкальной школы №2 по классу В. И. Сухова и Г. А. Ланина поступил в класс домры В. Г. Патрашовой (Омское музыкальное училище).

 

Первые шаги в училище оказались для Саши трудными, так как школа "перехвалила" способного ученика. Но педагогическая настойчивость В.Г.Патрашовой, новаторство её методики привели учащегося к ежедневным многочасовым занятиям. Путь к мастерству - через работу! Определённым стимулом для А.Цыганкова явилась совместная учёба с баянистом Ю.Востреловым. Уже во время учёбы А.Цыганков стал лауреатом Всероссийского фестиваля музыкальных училищ (г. Свердловск). В 1967 году он поступил в ГМПИ им. Гнесиных в класс Р. Белова. Через год завоевал первое место на конкурсе студентов-народников музыкальных вузов России (г.Новосибирск), а чуть раньше стал лауреатом Международного конкурса в рамках Всемирного фестиваля молодёжи и студентов в Софии. Большого успеха молодой музыкант добился на Первом Всероссийском конкурсе исполнителей на народных инструментах в 1972 году (г. Москва), где он разделил первое место с Т. И. Вольской.

 

Наряду с учёбой в вузе стал работать в оркестре им. Осипова и играл там до 1982 года. "В оркестре играешь не всегда то, что хочешь, а то, что предложат. Когда сложилась своя сольная программа, решил показать её как можно большему числу людей" ("Омская правда", май 1982). С 1982 года - солист и ансамблист Москонцерта. Известен как автор популярного цикла телепередач "Звучат народные инструменты".

 

Является автором большого количества концертных сочинений для домры соло и в сопровождении (в годы учёбы в ГМПИ им. Гнесиных он брал уроки композиции в классе Ю. Н. Шишакова). Среди сочинений - "Перевоз Дуня держала", "Частушки", "Поэма", каприсы и др. В оригинальных сочинениях для домры Цыганков создал и ввёл в исполнительскую практику ряд интересных приёмов игры, значительно обогативших возможности этого инструмента" [8, 81].

 

Свои концертные программы А. А. Цыганков предпочитает строить на основе ярких, динамичных и виртуозных произведений. Например, 5 февраля 1985 года в концертном зале ГМПИ им. Гнесиных он исполнил в сольном отделении: Корелли - Крейслер "Фолия", Венявский фантазия на темы оперы Гуно "Фауст", Вьетан "Грёзы", Паганини "Венецианский карнавал" и два собственных сочинения - "Озорные наигрыши" и "Перевоз Дуня держала". В рецензии на выступление А. Цыганкова "Музыкальная жизнь" отметила безупречную фразировку и "удивительное легато", темпераментность и разнообразие красок и приёмов звукоизвлечения, сочетание виртуозности с тонкой музыкальностью, юмор и озорство музыканта.

 

Его по праву считают одним из самых выдающихся музыкантов, открывшим широкие возможности трёхструнной домры.

 

В настоящее время А. А. Цыганков - народный артист России, автор множества статей и новых сочинений для домры, балалайки, ансамблей. Ежегодно даёт десятки сольных концертов, в т.ч. с участием ведущих оркестров страны. Постоянный председатель жюри всероссийских и международных конкурсов. Ведёт мастер-классы в России и за рубежом.

9-1Тамара Ильинична Вольская - родилась 31 декабря 1945 года в Киеве, где окончила ДМШ №5 (педагог А.Пазов), музучилище (педагог М.Шелест). Ещё на втором курсе училища сыграла первый в своей жизни сольный концерт. Среди училищных произведений выделяются "Фолия" Корелли, скрипичный концерт Мендельсона, "Вечное движение" и "Шесть каприсов" Паганини. В 1963 году Т. Вольская поступила в Киевскую консерваторию в класс домры М.М.Гелиса, а после учёбы приехала на Урал, где вела класс домры в консерватории до отъезда в Америку (90-е годы XX века). С 1970 по 1972 годы занималась в ассистентуре-стажировке у профессора Е. Г. Блинова, завершив тем самым весь цикл музыкального образования.

 

Особой удачей следует считать, что образование велось по одной школе - школе М.М. Гелиса, так как педагогами Т. И. Вольской в ДМШ, училище и ассистентуре-стажировке были ученики М.М. Гелиса.

 

В 1970 году на IV Всесоюзном конкурсе артистов эстрады Т. И.Вольская завоевала вторую премию, а через два года на первом Всероссийском конкурсе исполнителей на народных инструментах - первую, поделив её с А. Цыганковым. С 1982 года - доцент, с 1984 - заслуженная артистка РСФСР, с 1991 - профессор. Под влиянием её исполнительского мастерства уральские композиторы написали ряд домровых произведений: Б. Гибалин Концерт для домры и оркестра, Н. Пузей Соната для домры и фортепиано, Л. Никольская Концерт и др. Она нередко включает в свои программы сложнейшие скрипичные сочинения - "Концерт" Чайковского, "Бурлеску" Шостаковича, "Рондо-каприччиозо" Сен-Санса, пьесы Сарасате, Крейслера... Вольская известна как ансамблист (с гитарой - В. Дерун, с альтом - А. Казаков, с баяном - А.Трофимов).

 

Свои незаурядные педагогические данные она продемонстрировала через своих учеников, ставших лауреатами Всероссийских конкурсов: М.Уляшкина, И.Емельянчикову, С. Трифонова, Ю. Верихову, В.Зелёного и др. Активно гастролировала по стране по системе Росконцерта. Признанием ее высоких профессиональных качеств может служить успешная конкуренция со скрипачами в концертировании с симфоническим оркестром. Профессор Уральской консерватории, заслуженный артист РСФСР, скрипач Л. Мирчин: "Я много раз слышал скрипичную музыку в исполнении Т. Вольской. Вот и сегодня она играла технически безупречно, с хорошим чувством стиля. Скрипичная партия была сыграна именно так, как сыграл бы её скрипач, - в ней не было сделано совершенно никаких изменений" ("На смену" - Свердловск,19 декабря 1973 года).

 

Домре Вольской доступно всё, что она старается передать своим ученикам: "Область моих поисков: 1-е - достижение максимального удобства в игре, рациональная организация исполнительского процесса для достижения яркости звучания, гибкости и выразительности игры с минимальными затратами мышечной энергии, 2-е - развитие самостоятельности, грамотность в работе с музыкальным произведением, бережное отношение к исполняемому, 3-е - эстетика исполнения на домре, концертность, яркость, выдумка, поиски интересных решений, самостоятельность и изобретательность. Этих же принципов я придерживаюсь и в своей исполнительской работе" (из письма Т. И. Вольской к студенту III курса КГИИ Ю. Мишарину от 11.01.1989). В 90-х годах XX века Т.И.Вольская переехала в Канаду, а затем в США, где живёт и работает по настоящее время.

 

10-1Профессиональное развитие трёхструнной домры началось со знаменитого концерта Н.П.Будашкина. Своим появлением (1945) популярное сочинение обязано исполнительскому мастерству солиста оркестра им. Осипова А.С.Симоненкову . О первом исполнении концерта вспоминает О.П.Никитина (гусли): "… мы даже не могли себе представить, что он так играл […]. Когда мы вместе сыграли, то буквально были потрясены, как можно сыграть так на домре […]. Это был сюрприз" [6, 134]. Именно поэтому на титульном листе партитуры концерта появилась авторская надпись: "Алексею Симоненкову". Первое публичное исполнение концерта состоялось в июле 1945 года во время гастролей оркестра в Киеве. Впоследствии концерт неоднократно исполнялся А.Александровым, В.Шманевым, Н.Титовым и др.

 

Анатолий Яковлевич Александров (1916-1980) родился в Уфе. В 1935 году окончил Московский областной музыкально-педагогический техникум им. Октябрьской революции. Заочно учился в ГМПИ им. Гнесиных (с отличием окончил в 1953)**, принимал участие во Всесоюзном смотре-конкурсе 1939 года. С 1942 по 1953 годы - солист и концертмейстер русского народного оркестра. С 1958 года до конца жизни работал в училище им. Гнесиных и Московском государственном институте культуры (1971-1977 - зав. кафедрой народных инструментов, доцент). Среди учеников - В.Калинский, Н.Никитушкин, В. Соболева.

 

Автор "Азбуки домриста"(1964), "Школы игры на трёхструнной домре" (1972, переиздана в 1975, 1979, 1983 годах). Опубликовал более 70 сборников педагогического и концертного репертуара для домры. В 1969 году получил звание "Заслуженный работник культуры РСФСР" [8, 41-42].

 

Послевоенный период в истории исполнительства на домре характерен как этап профессионального обучения игре на инструменте в учебных заведениях и особенно в вузах по всей России. Классы домры открылись в ГМПИ им. Гнесиных, Саратовской, Ленинградской, Горьковской, Уральской консерваториях. Учебный процесс (учебный план, учебные программы) заставил более пристально посмотреть на репертуар домристов. Увеличилось количество и качество переложений и обработок для инструмента.

 

Успех "Концерта" Н.П.Будашкина предопределил интерес к домре других композиторов. Уже в 1948 году Ю.Н.Шишаков пишет ряд пьес для домры, среди которых выделяются 12 этюдов для домры соло и фантазия на русские и украинские темы для домры с фортепиано. В 1951 году вышел в свет его же одночастный концерт для домры с оркестром народных инструментов ре-минор, получивший популярность в учебной и концертной практике. Впервые концерт прозвучал в исполнении А.Александрова и оркестра народных инструментов Всесоюзного радио (дирижёр - Н.Аносов). Дальнейшее творческое содружество А.Александрова и Ю.Шишакова привело к созданию "Русской рапсодии" (первый исполнитель - Р.Белов и оркестр Всесоюзного радио и телевидения, дирижёр - В.Федосеев) и второго концерта (А.Цыганков и оркестр Всесоюзного радио и телевидения, дирижёр - Н.Калинин).

Рудольф Васильевич Белов - родился в 1938 году в г.Егорьевске Московской области. Окончил соответственно госмузучилище им. Гнесиных (1960) и ГМПИ им. Гнесиных (1965), обучаясь в классах В. И. Мироманова, В.С.Чунина, А. Я. Александрова, П. И. Нечепоренко. В 1962 году на II Всероссийском конкурсе артистов эстрады занял второе место (в программе - П. Куликов "Экспромт", Н. Паганини "Венецианский карнавал" и др.). Как солист Москонцерта объездил многие города СССР, выступал в Финляндии, Чехословакии, Югославии, ФРГ, Дании и других странах. Записал грампластинки (в т.ч. "Концерт" Н.Будашкина).

 

С 1961 года начал педагогическую деятельность (Московский государственный институт культуры, затем - ГМПИ им. Гнесиных). Среди учеников: народные артисты РФ В. Калинский, Ю. Евтушенко, А. Цыганков, лауреаты конкурсов И. Ерохина. Л. Леонова, Е. Сивкова, Г. Чугунова и др. Опубликовал пособие "Гаммы, арпеджио и упражнения для трёхструнной домры" (М., 1996). Заслуженный артист РФ, профессор.

 

К плеяде известных домристов старшего поколения следует отнести заслуженного артиста России, лауреата всесоюзного и международного конкурсов В.А.Никулина, одного из лучших украинских домристов Б.А.Михеева и заслуженного артиста России В.А.Яковлева.

 

Владимир Александрович Никулин - родился в 1935 году в Нижнем Новгороде, где с отличием окончил музучилище. В ГМПИ им. Гнесиных учился у А.Алексеева (домра) и С.Сахарова (дирижирование). Педагогическая и концертная деятельность проходила в Москве, Владимире, Нижнем Новгороде. Организатор и руководитель инструментальных коллективов ("Левша" - Владимир, "Волжские напевы" - Н.Новгород). Заслуженый артист России (1988). Вместе с мастером А.И.Ивлечевым изготовил четырёхструнную квартосекстовую домру с диапазоном от "соль" малой октавы до "фа" четвёртой (в нерабочем положении четвёртая струна - "басок", - протянутая вдоль грифа, крепится на пластмассовом штырьке, который вмонтирован около колка и на шурупе около пятки грифа.

 

Борис Александрович Михеев - родился в 1937 году в Саранске МАССР. В 1957 году окончил Харьковское музучилище (класс четырёхструнной домры, педагог В.Цуканов), в 1961 году - Харьковскую консерваторию (класс профессора Н.Сысенко).

 

1961 - 1975 годы - преподаватель, старший преподаватель, декан Харьковского института искусств, 1978-1985 - ректор Донецкого музыкально-педагогического института; работал в Воронежском институте искусств, в Запорожской филармонии. Яркий, виртуозный исполнитель. Выступал с симфоническими оркестрами Украинского радио и телевидения, Харьковской, Днепропетровской, Донецкой филармоний, камерными оркестрами Литвы, Львова. Записал ряд грампластинок. Играл в дуэте домр с В. Ивко. Автор ряда пьес для домры ("Русская тетрадь").

 

Среди учеников - Н. Лелюк, В. Нестеренко и др. [8, 72-73].

 

Владимир Андрианович Яковлев - родился в 1930 году в Москве. Окончил ремесленное училище №5. Играл в Объединённом оркестре русских народных инструментов (трудовых резервов) как оркестрант и солист. С оркестром участвовал во Всемирных фестивалях и как солист получал звания лауреатов 1-х премий (Прага, 1947; Будапешт, 1949). Работал в Русском народном оркестре Всесоюзного радио и телевидения, а также в Москонцерте. Стал лауреатом на VI Всемирном фестивале молодёжи и студентов в Москве - 1957 год (II-я премия). Гастролировал по многим странам мира (в т.ч. в дуэте с гитаристом Б. Окуневым).

 

В 1969 г. окончил дирижёрско-оркестровое отделение Московского государственного института культуры. Записал несколько грампластинок. Заслуженный артист России.

 

Сконструировал четырёхструнную квартовую домру (си-ми-ля-ре).

11-2Истоки оркестрового исполнительства на русских народных инструментах были заложены во времена скоморошьего искусства, когда ансамбли могли насчитывать не один десяток музыкантов. Знаменитые роговые оркестры включали в себя до ста исполнителей. И всё же разговор о русских народных инструментах следует начать с двух творческих коллективов - Великорусского оркестра, под руководством В.В.Андреева и оркестра гармоник Н.И.Белобородова, прежде всего из-за той выдающейся роли, которую сыграли оба коллектива в истории русской народно-инструментальной музыки.

 

Как известно, после успешного дебюта В.В.Андреева как солиста-балалаечника в октябре 1887 года был создан "Кружок любителей игры на балалайках". Игра производилась без разделения на мелодическую и аккомпанирующую партии, пьесы разучивались по слуху, нотная запись не применялась. Все играли на балалайках примах (как их впоследствии стали называть). Однообразие звучания привело к мысли о создании разных балалаек, что и осуществил Ф.Пасербский. Им были созданы при активном участии В.В.Андреева четыре вида балалаек: пикколо, прима, альт, виолончель (бас), а первыми исполнителями на этих инструментах стали: В.В.Андреев, А.А.Волков, Н.П.Штибер, Д.Д.Фёдоров, А.Ф.Соловьёв - балалайки-примы; Ф.Е.Ренике - балалайка-пикколо; В.А.Панченко - балалайка-альт; А.В.Паригорин - балалайка-виолончель (бас).

 

20 марта 1888 года в зале городского кредитного общества состоялся первый концерт "Кружка". Концерт шёл в пользу лечебницы для хронически больных детей. Документальные свидетельства: "Вчера Андреев, во многих домах петербургского света известный как талантливый и оригинальный артист и остроумный и весёлый собеседник, появился в зале кредитного общества со своим кружком учеников" ("Гражданин", № 82, 22 марта 1988); "Первый концерт Кружка любителей игры на балалайке ... был целым рядом самых восторженных оваций. Все, что игралось на балалайках по программе, было только третью того, что было исполнено на бис. После каждого нумера, исполненного кружком, подымался невероятный рев, который был выражением восторга" ("Новости и Биржевая газета", 23 марта 1888); "Кто не слышал художественной игры на балалайке В.В.Андреева и его товарищей, тому не придёт в голову, до какой степени совершенства эта игра у них доведена! Правда, что балалайки, на которых играют члены кружка г. Андреева, значительно усовершенствованы и по своей звучности настолько отличаются от балалаек, продающихся в наших табачных лавочках, как хорошая скрипка от грошевой-игрушечной" (М. Петухов.- "Баян", - 1888, "11). Программа концерта: русские народные песни "Во пиру была", "Во саду ли, в огороде", "Я вечор в лужках гуляла", "Научить ли тя, Ванюша", "Барыня", "Выйду ль я на реченьку", "По улице мостовой", "Камаринская". Как солист В.В.Андреев впервые показал свое сочинение - "Сводно-гвардейский марш". Концерт принес чистого дохода - 600 рублей. 10 апреля 1888 года в этом же зале состоялся второй концерт "Кружка", и снова - огромный успех.

 

 

В.В.Андреев организует за свой счет гастроли по России (Москва, Тула, Курск...), но везде - мало народа на концертах и большой успех у присутствующей публики. В 1889 году состоялась первая зарубежная поездка ансамбля в Париж, где выступал в Русском павильоне Всемирной выставки. Коллектив был встречен сочувственно, но не так, как хотелось Андрееву. 1890-1891 годы - новые гастроли по России, чрезвычайно полезные для пропаганды балалайки.

 

На одной из беляевских пятниц произошла знаменательная встреча "Кружка" с русскими композиторами - П.Чайковским, Н.Римским-Корсаковым, А.Лядовым, А.Глазуновым (1890). Во время гастроли в Тифлисе - встреча с А.Г.Рубинштейном: "Я не думал, чтобы можно было когда-либо достичь подобных результатов на таком несложном инструменте. Вы внесли новый элемент в музыку; вам честь и хвала".

 

1892 год. Новая гастроль во Францию. Успех был бесспорным. Министерство изящных искусств Франции наградило В.В.Андреева знаком Palmes Academiques. Гастроли не обошлись без курьезов, когда дельцы под влиянием успеха Андреева и его ансамбля стали выпускать различную продукцию под названиями "Эй, ухнем", "Балалайка", "Андреев" и т. п.

 

 

Постепенно "Кружок" преобразуется в Великорусский оркестр (введены домры, духовые и ударные инструменты). С приходом в народно-инструментальную область Н.П.Фомина развитие русского народного инструментального искусства пошло по более качественному руслу: все участники оркестра стали изучать нотную грамоту, был введен квартовый строй в инструментарии, инструментовки стали выполняться более сложно, с элементами симфонизма, а репертуар - очищаться от всего наносного. 1898 год - официальная дата рождения Великорусского оркестра.

 

Десятилетие деятельности В.В.Андреева праздновалось 22 марта 1898 года в зале Дворянского собрания. Успех был ошеломляющим. "Великорусский оркестр г. Андреева играл превосходно и кроме чудных русских песен в прекрасном переложении г. Фомина, укажем на рапсодию, ловко и чрезвычайно музыкально составленную тем же г.Фоминым из мелодий и разных музыкальных эпизодов второй симфонии, фортепианного концерта и "Евгения Онегина" Чайковского" [Биржевые ведомости. - № 81. - 1898, 24 марта). В.В.Андрееву "высочайше" пожалован орден Святого Станислава III-й степени.

 

Под влиянием деятельности В.В.Андреева и его оркестра создаются сотни подобных оркестров в России, Германии, Франции, Канаде, США, Англии. Один из них, носящий имя Трояновского, существует и в наше время; русские инструменты появились в Норвегии, Швеции, Иране, Японии... Пример необыкновенного трудолюбия и дерзости В.В.Андреева: в 1912 году он организовал турне оркестра Рига - Псков - Двинск - Лодзь - Гродно - Вильно - Минск - Смоленск - Могилёв - Калуга - Тула - Орёл - Елец - Тамбов - Курск - Сумы - Харьков - Екатеринослав - Полтава - Кременчуг - Елизаветград - Кишинёв - Одесса - Киев - Витебск. В.В.Андреев умело находил таланты, среди которых - Б.С.Трояновский и Н.П.Осипов.

 

 

2 апреля 1913 года - итог 25-летия деятельности В.В.Андреева. В Мариинском театре двойной состав оркестра исполнил народные песни, сочинения юбиляра, "Колыбельную" А.Танеева, "Менуэт" Падеревского, "Весенние голоса" Штрауса, "Анданте кантабиле" Чайковского, "Русскую фантазию" Глазунова. Андреев получил чин надворного советника, а оркестр - название "Императорского Великорусского оркестра". Слова Шаляпина: "Ты пригрел у своего доброго тёплого сердца сиротиночку-балалайку. От твоей заботы и любви она выросла в чудесную русскую красавицу, покорившую своей красотой весь мир". Телеграммы прислали: Горький, Куприн, Немирович-Данченко, Леонковалло, Тосканини, Сен-Санс, А.Никиш, С. Бернар, Ершов, Савина и многие другие знаменитости того времени. Заключительные слова Андреева: "Можно смело сказать, что корабль оснащён надёжно. Кормчии на местах, […] готовый к плаванию корабль двинется с попутным ветром к заветной цели - народным берегам!"

 

Октябрь В.В.Андреев встретил с открытым сердцем. С помощью А.В.Луначарского Великорусский оркестр (Первый народный оркестр) получил невиданную аудиторию: он выступил в самой гуще народа и, прежде всего, перед фронтовиками. Так, например, коллектив совершил длительные поездки по Северному и Восточному фронтам. Известны сочувственные отзывы В.И.Чапаева о концертах оркестра. А.В.Луначарскому были направлены альбомы с отзывами командиров и бойцов. Во время одной из таких поездок В.В.Андреев простудился, был перевезён в Петроград, где в ночь с 25 на 26 декабря скончался. Похоронен в некрополе Александро - Невской лавры.

 

Значение деятельности В.В.Андреева велико не только в области игры на балалайке, домре, великорусского оркестра: он оказал большое влияние на развитие многонациональной культуры страны (во многих республиках возникли свои народные оркестры).

 

12-2 Наряду с Великорусским оркестром, состоящим из разнотипных инструментов, в музыкальной российской истории выделился оркестр гармоник.

 

Организатором такого оркестра был талантливый русский самородок, музыкант-самоучка, создатель хроматической гармоники Николай Иванович Белобородов. После создания первой хроматической гармоники по его заказу были выполнены ещё две копии и появилось трио в составе: Н.И.Белобородов и его дочери - Софья и Мария.

 

Удачный опыт совместной игры убедил Н.И.Белобородова в возможности создания оркестра. Друзья поддержали гармониста. Мастера Тулы изготовили оркестровые гармоники, которые были названы вначале: прима, секунда, флейта-пикколо, альт, виолончель, бас, контрабас. После ряда выступлений на неофициальных вечерах власти города разрешили репетиции в помещении Дворянской гимназии. Точная дата организации оркестра неизвестна (разные исследователи приводят разные цифры: Рогаль-Левицкий - 1885, Алексеев - 1886, Благодатов - 1897).

 

Деятельность оркестра потребовала значительных средств. Белобородову даже пришлось заложить собственный дом. В репертуаре оркестра кроме популярных народных песен включались попурри на темы из опер М.И.Глинки "Иван Сусанин", увертюра Ф.Герольда "Цампа", фрагменты из оперетт Ф.Зуппе, вальс из оперы Гуно "Фауст", "Полонез" Огинского. Популярность оркестра росла, но для увеличения средств требовались гастроли, которые и начались после отхода от управления Н.И.Белобородова (по болезни) и передачи руководства его ученику Владимиру Петровичу Хегстрему.

 

В.П.Хегстрем существенно реорганизовал оркестр: заменил гармоники системы Белобородова новыми инструментами, имеющими трёхрядную клавиатуры и большие возможности аккомпанемента. Увеличил число гастролей (Петербург, Воронеж, Калуга, Пенза, Сумы, Курск и т.д.). Зимой 1907 года (10 декабря) состоялся концерт оркестра в Москве. Успех был полный. И как результат признания - крупная фирма граммофонных пластинок "Бр. Патэ" пригласила оркестр на запись. В 1908 году было выпущено несколько пластинок.

 

В 1912 году умер Н.И.Белобородов, а через два года из-за начала мировой войны оркестр прекратил своё существование. Лишь после Октября В.П.Хегстрем вновь собрал оркестр, который в 1919 году находился на государственном обеспечении. После смерти в 1920 году В.П.Хенгстрема руководителем оркестра стал его сын - Михаил. Оркестр просуществовал до Великой Отечественной войны под названием Тульский оркестр оружейного завода.

13-2В 80-е годы XX века в Петербурге появились ещё два штатных оркестра - Государственный концертный русский оркестр под управлением заслуженного деятеля искусств России В.П.Попова и оркестр русских народных инструментов "Метелица" под управлением Игоря Тонина.

Оркестр "Метелица" - камерного состава. Создан в 1989 году из выпускников и педагогов Петербургской консерватории в составе 21 человека (семеро из них - дипломанты и лауреаты различных конкурсов). Особенность инструментального состава коллектива - участие в нём скрипки и электронного синтезатора. С 1990 года "Метелица" активно гастролирует за рубежом (Япония, Норвегия, Германия, Швейцария, США). В июле 1992 года оркестр стал государственным. С большим успехом коллектив выступил на II Всероссийском фестивале профессиональных оркестров народных инструментов в Туле и во время первой творческой лаборатории дирижёров студенческих и профессиональных оркестров русских народных инструментов в Москве (1995-1996 годы).

 

Несколько раньше организовался концертный оркестр, руководимый Владимиром Павловичем Поповым. Петербург - многомиллионный город, и иметь в нём только один штатный оркестр, "привязанный" к тому же к микрофону, каковым является оркестр им. В.Андреева, крайне мало.

 

В.П.Попов сплотил вокруг себя на первом этаже камерный состав, увеличив его в дальнейшем до 40-50 человек. "Концертность" оркестра заключается в его гибкости, мобильности и высочайшем профессиональном мастерстве. Коллектив взял на себя обязанности полноценного раскрытия традиционной и современной народно-инструментальной музыки, чем выгодно отличается от оркестра им. В.Андреева. Концертный оркестр вскоре получил статус государственного. В настоящее время большую часть концертов музыканты дают гостям города, активно участвуют в крупных мероприятиях - фестивалях, ассамблеях.

 

Широкой известностью в России и за рубежом пользуется Санкт-Петербургский оркестр баянистов им. П.И.Смирнова. Оркестр возник в 1943 году на базе ремесленного училища № 12 и превратился в Ленинградский оркестр баянистов учащихся профтехобразования. Павел Иванович Смирнов (заслуженный артист РФ) неоднократно представлял свой коллектив на различных конкурсах и фестивалях. Так, в 1949 году оркестр занял второе место в творческом конкурсе, международного фестиваля в Будапеште; в 1957 на таком же конкурсе в рамках международного фестиваля в Москве он поделил вторую премию с оркестром тембровых гармоник музыкального училища им. Октябрьской революции. В последующие годы коллектив дал сотни концертов в родном городе и за его пределами, воспитал много профессиональных музыкантов (например, В.Федосеева и А.Беляева). В инструментальном составе оркестра - баяны, аккордеоны, ударные инструменты. В настоящее время им руководит заслуженный деятель искусств РФ, профессор Ю.П.Смирнов.

14-1История пиано-аккордеона в США началась с 1909 года, когда молодой итальянец Пьетро Дейро привез в Америку аккордеон с фортепианной клавиатурой. В 1920 году Дейро пишет первое руководство для игры на пиано-аккордеоне. Одним из первых произведений, написанных для аккордеона, стало сочинение Поля Крестона "Прелюдия и танец". Затем к аккордеону обратили свои взоры композиторы Галла-Рини, Юджин Этторе, Пьетро Дейро. Аккордеон как полноправный участник появился в составе Детройтского, Денверского, Филадельфийского симфонических оркестров. В 1939 году по инициативе 10 известных американских аккордеонистов была создана Ассоциация американских аккордеонистов. В наше время в США существует Союз преподавателей-аккордеонистов. По последним данным, в Америке увлекаются игрой на аккордеоне около 15 миллионов человек.

 

В Италии в 1946 году произошло необычайное событие: папа Пий XII издал декрет, разрешающий использовать аккордеон наравне с органом во время церковной службы, а, значит, стало возможным официально исполнять на аккордеоне музыку Баха, Палестрины... В 50-е годы большинство итальянских аккордеонистов отдавало предпочтение этой музыке.

 

В Великобритании в 1936 году возник Британский колледж аккордеонистов, который основал О.Г.Майер, а затем руководство продолжил Айвор Бейнон. Здесь же существует и Национальная организация аккордеонистов Великобритании, устраивающая конкурсы, издающая свой журнал, имеющая свой исполнительный комитет. Среди английских аккордеонистов наиболее известны Чарльз Камирелли и Горалф Голлефсен.

 

В Дании аккордеонная промышленность не развита, но зато здесь немало хороших исполнителей-аккордеонистов и среди них - Могенс Эллегард (кнопочный аккордеон).

 

В Германии ведущими центрами производства аккордеонов являются Клингенталь со знаменитым "Вельтмайстером" и Тросинген с фабрикой "Хонер" (с производством около 100 тысяч инструментов в год).