Искусство афиши конца XIX века.

В конце XIX века появление рекламных плакатов на улицах навсегда изменило жизнь горожан. Франция, Париж, Монмартр — вот откуда началось зарождение этого вида печатной графики, формирование и взлет которого происходили в эпоху модерна. Стиль ар нуво с его изгибами, плавными линиями, утонченными женскими образами и цветами в полной мере был выражен в литографированных плакатах французских художников. Работы Э.-М. Буиссе, Э.С. Грассе, Г.Г. Ибельса, Л.Метиве, Ж. Мюнье, Ж. Палеолога, Ж. Фера в свое время быстро завоевали популярность, а в наши дни стали предметами коллекционирования.

Родоначальником рекламного плаката считается Жюль Шере (1836–1932). Именно он определил основные принципы удачной рекламы и первым начал подписывать свои работы. Став авторским, рекламный плакат достиг уровня искусства. До появления художественных плакатов афиши представляли собой текст, который лишь иногда сопровождался рисунками. Так было вплоть до второй половины XIX века.

Т. А. Стейнлен. Реклама велосипедной фабрики «Комио». 1897

Взамен традиционной формы плаката с максимумом буквенной информации Жюль Шере предложил яркий, бросающийся в глаза рисунок и очень скупой текст. Большую роль стала играть линия, контур предметов. Внимание зрителя концентрировалось на одной фигуре, а за счет контрастных и ярких цветов плакаты легко воспринимались на расстоянии.

На рекламном плакате сигаретной бумаги «Джоб» обаятельная девушка кокетливо смотрит на зрителя и явно старается привлечь внимание. Ее платье соответствует моде того времени. Объемные рукава и узкая талия — характерные черты стиля модерн. Необычный ракурс фигуры, демонстрирующей себя, был бы неуместен в живописи, а в плакате, главная задача которого — привлечь и запомниться, оказывается необходимым выразительным средством.

На рекламе американского аперитива «Кэнкэн Дюбонэ» художник изображает веселую даму, сидящую в непринужденной позе. Эта женщина сама являет собой декорацию: взгляните на ее экстравагантное платье, огромную шляпу и изящные туфельки. Она слегка пьяна, раскованна, весела и задорна и в силу всего этого необычайно привлекательна.

Жюль Шере, проживший долгую жизнь, получал множество заказов. Он создал более тысячи различных плакатов. Шере рисовал афиши для карнавалов, выставок, кабаре, казино, театров. Художник оставил множество плакатов, рекламирующих парфюмерию и косметику, мыло, керосиновые лампы, фармацевтическую продукцию, автомобили и многое другое. Оригинальный стиль отличает работы известного французского художника Пьера Боннара (1867–1947). Мало кто знает, что творческий путь этого автора начался именно с плаката. В 1890 году Боннар победил в конкурсе рекламы шампанского. В плакате «Французское шампанское»Боннар, используя модные изгибы ар нуво, создал обаятельный образ женщины с бокалом вина.

На плакатах французского художника швейцарского происхождения Теофиля Стейнлена (1859–1923) не встретишь ни вымышленных персонажей, ни преувеличенной декоративности. В рекламе горячего шоколада («Chocolate de la Compagnie Francaise») он изображает свою жену, очаровательную дочку и кошку. Крупным планом, в реалистической манере нарисована семья за завтраком. С необычайной теплотой художник изображает атмосферу семейного счастья, а шоколад становится неотъемлемой частью dolce vita — сладкой жизни. Большую популярность снискал рекламный плакат «Стерилизованное молоко» для молочного магазина братьев Килло, на котором изображена дочь Стейнлена Колетт. Девочка пьет молоко, а расположившиеся у ног кошки усиливают ощущение домашнего уюта. Ярко-красное платье Колетт привлекает внимание, а сюжет вызывает умиление и симпатию. Настоящее признание пришло к чешскому художнику Альфонсу Мухе (1860–1939) именно в Париже, где он жил с 1888 года. Альфонс Муха создал новый плакатный стиль, который так и назван «le style Mucha» — «стиль Мухи». Истинным украшением каждого плаката были романтизированные женские образы, сам же товар фигурировал в рекламе весьма опосредованно.

Альфонс Муха выполнял заказы на рекламу алкогольных и безалкогольных напитков, сладостей, детского питания, а также сигаретной бумаги, типографий и железнодорожных компаний, новомодного изобретения — велосипедов.

В рекламных плакатах художник пропагандирует новый идеал красоты — женщину-загадку, роковую и мечтательную. Этот образ вызывает восхищение, а декоративность исполнения привлекает внимание.

Известный плакат, заказанный производителем велосипедов «Перфекта» («Perfecta»), кажется фрагментом большой композиции. Молодая женщина, грациозно опираясь на руль, смотрит на нас, а движение передают развевающиеся от ветра волосы. Зритель видел женщину, которая не хочет больше день за днем сидеть дома и воспитывать детей; она занимается спортом, ведет активный образ жизни. Так реклама способствовала изменению общественных норм и воззрений. Но чаще всего в своих работах Муха использовал далекие от земных подробностей образы. Его грациозные дамы — аллегории времен года, красоты, гармонии, мечты, упоения, свободы... Альфонс Муха был одним из тех мастеров, кто поднял афишу и плакат на уровень настоящего искусства. Он достиг этого, предъявляя столь же высокие требования к своим афишам и декоративным композициям, какие предъявлял к живописи.

Ж. Шере. Реклама сигаретной бумаги «Джоб». 1895

Благодаря изобретению цветной литографии, во второй половине XIX века для художников-графиков открылись неисчерпаемые возможности. Работы лучших мастеров совершенно индивидуальны по методу выражения. У каждого художника было свое представление о женском идеале, которое они переносили и в рекламный плакат. У Жюля Шере это были милые, веселые девушки, свободные и волнующие сердце зрителя. Теофиль Стейнлен выбрал образ женщины-матери, ибо счастье в его понимании заключается в семейных радостях. Альфонс Муха прославился созданием идеальных женских образов.

Период расцвета искусства плаката пришелся во Франции на 1880–1890-е годы. В конце XIX века возникла мода на коллекционирование афиш. Появлялись собиратели, возникали галереи, при этом в центре внимания находилась художественная значимость и редкость плакатов, ведь часть их выпускалась ограниченным тиражом.

В 1897 году впервые была организована выставка художественных афиш. А открылась она именно в Петербурге. Выставка, оказавшая большое влияние на становление визуальной рекламы в России, собрала более 700 произведений художников из 13 стран.

В наши дни реклама стала неотъемлемой частью жизни современного человека. Порой мы даже не замечаем, как борются за наше внимание многочисленные плакаты и рекламные щиты. Сегодня главной составляющей рекламного плаката является коммерческая сторона. А в конце XIX века художники стремились сделать окружающую действительность немного прекрасней, подходя к созданию работ с эстетической точки зрения. В этом и заключается художественная ценность рекламных плакатов ар нуво.

Интенсивность современной жизни требует простых и ярких образов, кратких и выразительных фраз. Быстрое движение на улицах не дает возможности городскому человеку остановиться и спокойно рассмотреть изображение. Публика не созерцает плакат, а реагирует только на то, что отвечает ее интересам. Несмотря на это, принципы создания рекламных плакатов, выработанные на рубеже XIX–XX веков, применяются и сегодня. Цвет и четкость линий по-прежнему имеют первостепенное значение для восприятия плаката «на ходу», а лаконичность и композиционная компактность остаются важнейшими элементами современной рекламы.

Кубизм

Авангардистское течение в изобразительном искусстве 1-й четв. 20 в. Развивалось во Франции (П. Пикассо, Ж. Брак, Х. Грис ), в других странах. Кубизм выдвинул на первый план формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые.

 

Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques).

 

Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали «синтетическим кубизмом».

 

Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девушки», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан и др.

 

Кубизм.

 

Появление кубизма в 1907 году во многом изменило установившиеся в европейской живописи эстетические представления. "Революционность" его связывалась главным образом с тем, что художники-кубисты порвали с "условностями оптического реализма", отбросили натуру как предмет художественного творчества, перспективу и светотень как средства художественной выразительности.

 

Возникновение кубизма неотделимо от творческих экспериментов Пабло Пикассо и Жоржа Брака на рубеже 1907—1908 годов. Исходным моментом кубистического периода творчества Пикассо послужила примитивистская африканская скульптура, заинтересовавшая его в эти годы. Правда, и до этого уже было заметно стремление Пикассо к абстрактной обобщенности образа, и геометризация формы в неродном африканском творчестве не могла не импонировать ему. Первым произведением кубистического цикла в творчестве Пикассо явились его "Авиньонские девицы" (1907).

 

Пространство передается геометрически жестко, чувственно-эмоциональное восприятие натуры почти утрачено. Розовые, не теряющие еще определенности контуров фигуры женщин прижаты к плоскости картины, раздробленной на более мелкие геометрические планы голубого, синего и коричневого цветов.

 

Осенью 1907 года французский критик и поэт Гийом Аполлинер приглашает в мастерскую Пикассо молодого Жоржа Брака, интересовавшегося в тот период живописью фовистов. Оба художника объединяют свои усилия и вплоть до первой мировой войны идут в своих поисках рука об руку. Очень скоро к ним присоединились другие молодые живописцы и поэты, обосновавшиеся на Монмартре, и группа, известная как "Бато-Лавуар", заявила о рождении нового течения в искусстве, которое вскоре с легкой руки критика Луи Векселя было окрещено кубизмом.

 

Новым направлением творчества увлекаются в это время живописцы Мари Лорансен, Хуан Грис; поэты, литераторы и художественные критики: Гийом Аполлинер, Морис Рейналь, Андре Сальмон, Макс Жакоб. а также Канвейлер—торговец картинами, собиратель полотен и устроитель выставок. Аполлинер пригласил принять участие в этой группировке Фернана Леже. В ближайшие два-три года к кубизму пришли также Робер Делоне, Альбер Глез, Анри Ле Фоконье, Жан Метценже, Франсис Пикабиа и другие.

 

Что характерно для этого направления? Прежде всего следует отметить, что кубисты существенно сузили задачу воспроизведения чувственно воспринимаемого мира. Их творчество основывается на разложении изображения предмета на плоскости и комбинировании этими плоскостями. Они отказались от передачи действительности посредством линейной перспективы и цветовоздушной среды и пытались показать пространство путем чередования плоскостей. Кубисты считали, что так называемый аналитический путь постижения реальности позволит глубже и полнее раскрыть суть явлений. Художники нередко прибегали к одновременному воспроизведению предмета с нескольких точек зрения.

 

В отличие от импрессионистов и постимпрессионистов родоначальники кубизма стремились осуществить свои творческие цели посредством тональной проработки объемов или плоскостей, на которые дробится предмет, существенно ограничив возможности цвета. Цвет сознательно преодолевался и изгонялся из живописи, поражавшей аскетизмом палитры. Цветовой строй в ряде картин в основном сводился к тональной градации охры, серых, черных и коричневых тонов.

 

Полотна кубистов представляли собой сопоставление различных геометризированных поверхностей и плоскостей при весьма отдаленном сходстве с реальным прообразом. Они полагали, что художественная форма не должна опираться на жизненную аналогию, на реальные элементы явлений. Она была вытеснена рассудочным сопоставлением самоценных линий и форм. Образы в произведениях кубистов становятся все более абстрактными, утрачивающими связь с реальными прототипами. Предметы и явления дробятся до такой степени, что постепенно они почти полностью утрачивают связь с визуальным прототипами, превращаясь в абстрактные символы, восприятие которых оказывается доступно лишь одному автору.

 

Абстрактный почерк кубизма подтверждает, например, теоретик абстракционизма Мишель Сейфор. "Художники-кубисты, — пишет он, — начиная с 1909 года разрушили предмет и заново реконструировали его, свободно импровизируя средствами живописи независимо от объективной реальности. Они тем самым открыли ненужность предмета и фактически стали первыми представителями абстрактной живописи".

 

Субъективистское начало особенно заметно в портретной живописи. Здесь образ не только лишен индивидуализации, но утрачивает даже сходство с портретируемым (портреты, подобньге "Портрету Воллара" Пикассо, скорее исключение, чем правило для ккубизма) . Нередко портрет предстает как безжизненный конгломерат геометрически усложненных плоскостей. Художник стремится сконструировать новую, ирреальную модель натуры, принципиально противоположную ее реальному содержанию.

 

Пикассо и Брак нередко помещали в своих полотнах отдельные буквы или слова, набранные типографским шрифтом, например "Тореро", '"Ария Баха", "Моя красотка". Таковы картины "Хвала И. С. Баху" Брака (1912) и "Моя красотка" Пикассо (1913). Надпись как элемент художественной выразительности, зачастую не соответствовала содержанию, но помогала публике приблизительно ориентироваться в замысле художника.

Зрители встречали выставки кубистов насмешками, иронией и нелестными эпитетами. В прессе появилось немало публикаций, по своему характеру приближающихся к общественному скандалу. Тем не менее кубизм находил поддержку у меценатов и критиков.

 

"Классический" период кубизма, связанный с деятельностью указанной группы художников, завершился с началом первой мировой войны, которая разобщила и разбросала их. Брак был мобилизован в армию и надолго оставил творческую деятельность, а после ранения многие месяцы провел в госпиталях. Позже, после войны, вновь обратившись к живописи, он отказывается от чрезмерной кубистической стилизации реальных форм.

 

Что касается Пикассо, то в течение многих лет он поочередно прибегал к взаимоисключающим способам выражения своей индивидуальности. Его творчество развивалось иногда в сторону кубистической живописи, граничащей с абстракционизмом, иногда в сторону реализма. В своих кубистических поисках, где образ человека рассекается, расчленяется и полностью приносится в жертву воображению, чрезмерному рационализму мышления художника, он настолько далеко уходил от традиций классического изобразительного искусства, что. казалось, никогда не сможет вернуться на путь реалистического творчества. Между, тем 6 годы первой мировой войны Пикассо, не отказываясь от кубизма, создал великолепные реалистические портреты и натюрморты, выполненные в неповторимо индивидуальной манере. Использование традиционных художественных средств здесь служило решению современных творческих задач.

 

Некоторое воздействие кубизма было заметно в искусстве последнего периода и в Европе, и в Америке. Кубизм оказал прямое или опосредствованное влияние на многих американских художников. Под его воздействием развивалось творчество Лионеля Фейнингера. работавшего до 1933 года в Германии, а также Джона Марина, Стэнтона Макдональда-Райта, Моргана Русселя, Макса Вебера, Чарльза Шилера и других. Но это было явлением, носившим характер чего-то пройденного в модернистской эволюции искусства

 

42 Сюрреализм -1920-е годы- фантастика абсурда,алогизм,парадоксальные сочетания форм,зрительная неустойчивость,изменчивость образов.

Модернистиское направление провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями. С 1930-х гг. (художники С. Дали, П. Блум, И. Танги ) главной чертой сюрреализма стала парадоксальная алогичность сочетания предметов и явлений, которым виртуозно придается видимая предметно-пластическая достоверность. Сюрреализм в живописи развивался по двум направлениям.

Одни художники вводили бессознательное начало в процесс создания живописных полотен, в которых преобладали свободно текущие образы, произвольные формы, переходящие в абстракцию (Макс Эрнст, А. Масон, Миро, Арп). Другое направление, которое возглавлял Сальвадор Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности. Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира, продолжить бунтарство против выхолощенных духовных ценностей буржуазной цивилизации. Отдельные интересные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда. В это же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. Изощренная техника соединения несоединимого.

Эрнст Макс привнес в сюрреализм мистический, дух,,, его работы настолько проникнуты этим волшебным духом, что многие готовы были видеть в нем пророка» Мое творчество подобно характеру моего поведения… Мятежное, неровное, противоречивое, оно не воспринимается специалистами в области искусства»

Масон Андре -Особенно понравился художнику метод автоматического письма, когда образы на полотне начинают рождаться как бы самопроизвольно, формируясь из хаотичных вначале линий. Сюрреалисты считали, что метод автоматического письма позволяет регистрировать работу подсознания. Такими и предстают наиболее ранние картины Масона, выполненные в полном соответствии с принципами сюрреализма, где краски собираются в трепещущие и извивающиеся тени, образуют некие биоморфные субстанции, которые ритмично раскачиваются или патетически вздымаются вверх: «Гроза» «Битва рыб»

41 Дадаизм можно смело называть предвестником сюрреализма. Суть самовыражения — провокация, как единственный возможный способ существования. Дадаизм – это авангардистское литературно-художественное направление, которое зародилось в период Первой мировой войны. Стиль просуществовал с 1916 по 1922 года. Сутью дадаизма – это насмешка над буржуазным творчеством и обесславливание мещанских нравов. Главной была анархическая инициатива отдельного человека, который ничем не связан в повседневной жизни и в искусстве. Художники-дадаисты, которые остались без родины и потеряли жизненный ориентир, стали проповедовать антиискусство, в котором нет ни логики, ни традиций, ни морали.Суть самовыражения — провокация, как единственный возможный способ существования. «Дадаист наиболее свободный человек на земном шаре».«Те, кто живут для сегодняшнего дня – вечно живут».«Я против любой системы. Самая подходящая система – не иметь никакой системы».Это основные лозунги дадаистов. Сам термин дадаизм придумал и предложил поэт Тристан Тцара, который приметил в словаре слово «дада». Его значение на языке негритянского племени Кру – хвост священной коровы; в Италии, в некоторых областях, так называли мать; это также может обозначать детскую деревянную лошадку; удвоенное утверждение в русском и румынском языке. Также это слово обозначает и бессвязный лепет младенца, что и стало самым лучшим выражением сути всего направления. В живописи наиболее распространенная форма искусства дадаистов – коллаж – технический приём формирования произведения из скомпонованных и приклеенных на плоскую основу (картон, холст, бумагу) кусочков различных материалов. В дадаизме можно определить три ветви развития коллажа: Манифестационный коллаж (Берлин), Поэтический коллаж (Кельн и Ганновер) и Случайный коллаж (Цюрих). Дадаисты в Цюрихе сделали упор на произвольность комбинирования элементов и случайность коллажа. К примеру, Ханс Арп, создавая свои коллажи, в случайном порядке высыпал на лист картона четырехугольники из цветной бумаги и приклеивал их так, как они ложились. Коллаж берлинских дадаистов имеет множественный состав, визуально насыщенный и чаще всего носит ярко выраженный протестный, политический заряд. Коллаж дает шанс выразить в зрительной форме то, что могло быть запрещено цензурой, если бы оно сказано словами. Берлинский коллаж активно использует фрагменты фотографий. Художники называют себя «фотомонтажниками», проводя тем самым параллель с рабочими на промышленных предприятиях. Третье течение наделяло коллаж свойствами поэтического произведения. Реализовалось в кёльнских произведениях М. Эрнста, а также в мерц-картинах К. Швиттерса, который работал в Ганновере. Хотя стиль художников непохож, их объединяет то, что они оба видят коллаж как явление, которое близко поэзии, как объединение двух или более чужеродных действительностей в откровенно неподходящей для них среде с возникновением творческой искры от их объединения.Стиль дадаизма быстро попал в тупик и сохранился в истории как социальный символ своего периода.В 1920 году немецкий дадаизм смешался с экспрессионизмом, а во Франции — с сюрреализмом. художники-Марсель Дюшан (Франция), Ганс Арп (Германия), Макс Эрнст (Германия) Все они были выброшены за границы своей родины войной и все они в одинаковой мере были пропитаны бешеной ненавистью к правительствам своих стран.

40 «Школа мусорных вёдер»объединение художников реалистического направления - учеников Р. Генри, которые в поисках сюжетов обратились к жизни большого города.

«Школа мусорных вёдер» «Ашканская школа» художественное направление, возникшее в живописи США в начале XX века.Большая часть работ представителей школы посвящена реалистичному изображению повседневной жизни бедных и рабочих кварталов Нью-Йорка. Городские газеты того времени стремились передавать новости как можно более натуралистично. Фотоаппараты ещё не могли использоваться для оперативной съёмки происшествий. Поэтому газеты нанимали художников, которые зарисовывали иллюстрации для заметок. По большей части они изображали неприглядные стороны городской жизни. Это дало толчок к появлению и развитию американского реализма. Среди таких художников были Глакенс, Лакс, Слоан и Шинн. Основными объектами зарисовок студийцев были улицы Бауэри с их типичными тогдашними представителями: беспризорниками, проститутками, уличными атлетами, боксёрами и иммигрантами. Школа мусорных вёдер пробыла в зените славы совсем недолго. В 1913 году состоялась Арсенальная выставка (одним из организаторов которой был Генри). Она совершила революцию в изобразительном искусстве США, выведя на первый план модернизм. Термин же «школа мусорных вёдер» появился лишь три года спустя. Термин быстро утратил негативную коннотацию и к 1930-м годам стал повсеместно применяться для обозначения этого художественного направления.

39 ФутуризмАвтор слова и основоположник направления — итальянский поэт Филиппо Маринетти Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим.

Футуризм – общее название художественных авангардистских движений начала 20 века в поэзии и живописи, главным образом в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма. Они придумывали новые слова, использовали вульгарную лексику, профессиональный жаргон, язык документа, плаката и афиш. Основную задачу нового искусства футуристы видели в отказе от всех традиций, в разрыве с идеологией и этическими взглядами, выраженными в творчестве всех предшественников. В отличие от представителей других авангардистских течений, испытывавших ужас перед надвигающейся индустриальной эрой, футуристы принимали будущее с оптимизмом, абсолютизировали внешние признаки технической цивилизации в качестве новых ценностей, знаменующих модель грядущего мироустройства. Автомобилю, поезду, электричеству, вокзалу футуристы посвящают свои поэмы и картины. В социально-политическом плане очищение мира от старой рухляди они видели в войнах и революциях. Война – единственная гигиена мира. Они с восторгом встретили Первую мировую войну, многие из них ушли воевать добровольцами и погибли. В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы. Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение. Знакомство с достижениями физики и психологии приводит футуристов к стремлению изображать не сами предметы, а образующие их энергетические, магнитные, психические поля. Зритель, помещенный в центр такой картины, по мнению футуристов, именно ее силовыми линиями вовлекается в активное участие в изображенном событии. Еще одной важной особенностью эстетики футуризма стало стремление ввести в изобразительное искусство звук чисто визуальными средствами. мы видим звук и хотим передать это видение зрителям – говорили они. Поэтому даже названия картин стали содержать такие слова как скорость, гудок, сигнал клаксон и так далее. Первая выставка итальянских футуристов прошла в Париже в 1912 и затем проехала по всем художественным центрам Европы. Везде она имела скандальный успех, но практически нигде футуристы не нашли серьезных последователей, кроме России, куда выставка не доехала. Русские художники сами в тот период часто бывали в Европе, и идеи и манифесты футуристов оказались во многом созвучны их собственным исканиям. В России футуризм отчётливее всего выразился в литературе, например творчество Маяковского и некоторых других поэтов. В изобразительном искусстве русский футуризм не вылился в целостную художественную систему. Собственно сам футуризм как некое целостное художественно-эстетическое движение завершился с началом Первой мировой войны. Уцелевшие после войны футуристы двигались в искусстве каждый в своем направлении. Но в основном, как художественное течение футуризм скоро исчерпал свои идеи и формальные возможности. Тем не менее, футуризм оказал определенное воздействие на многие виды искусства 20 века, в частности, на театр, кино, видео-арт.

Джакомо Балла "Скорость мотоцикла.1913"

Джино Северини "Абстрактная скорость и шум. 1913-1914 года"

В России первыми футуристами стали художники братья Бурлюки Давид Бурлюк "Головы"

Умберто Боччони — глава и теоретик футуризма в итальянском изобразительном искусстве. В своих исполненных крайнего субъективизма произведениях Умберто Боччони пытался воплотить абстрактное ощущение динамизма индустриальной эпохи, изображая вихреобразное движение взаимопересекающихся форм и плоскостей.