Творчество экспрессионистов – Мунк, Кихнер, Хеккель, Нольде.

Целью их творчество было желание выразить в цвете и форме свой внутренний духовный опыт. Э́двард Мунк (1863- 1944) — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства. Один из первых представителей экспрессионизма. Его творчество повлияло на современное искусство. Творчество Мунка охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни. С начала 1890-х годов творчество Мунка развивается в рамках складывавшегося в эту эпоху стиля модерн (“Девушки на мосту”, 1901, Национальная галерея, Осло), но обнаруживает и ряд новых черт (жесткий вихреобразный контурный рисунок, диссонирующая цветовая гамма, динамичная композиция), которые усиливают в картинах художника трагическое звучание образов и предвосхищают возникновение экспрессионизма (“Крик”, 1893, Национальная галерея, Осло). Тема, ставшая центральной в творчестве Эдварда Мунка, – взаимоотношения мужчины и женщины. Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, колдунья, властная мать-смерть. Большинство картин Эдварда Мунка 1890-1910-х годов входит в незавершенный цикл “Фриз жизни”. Острая выразительность присуща графическим работам Мунка, блестящего мастера ксилографии, офорта и литографии (автопортрет, литография, 1895). В дальнейшем творчестве Мунк обращался к монументальной живописи, писал сцены городской жизни, мажорные по цвету пейзажи.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880- 1938) — немецкий художник, график и скульптор, представитель экспрессионизма. Эрнст Людвиг Кирхнер вошёл в историю живописи как основатель одного из наиболее заметных явлений художественной жизни начала ХХ века — экспрессионизма. Его полотна отличаются ярким колоритом, угловатыми контурами и сильнейшим драматическим напряжением[5]. По мнению немецкого искусствоведа Норберта Вольфа, «по эмоциональной напряжённости работ Кирхнер превосходит всех прочих художников ХХ века». Свой творческий путь Кирхнер начинал под влиянием Ван Гога и Матисса[6]. Он немало экспериментировал и с вангоговскими мазками, и с яркими цветовыми пятнами Матисса, учась при этом сохранять баланс между спонтанной экспрессией и сознательным контролем над изобразительными средствами[6]. Кроме того, Кирхнер проявлял интерес к искусству народов Африки и Океании, заимствуя некоторые приёмы примитивного искусства. Летом 1905 г. в творчестве Кирхнера наступил переломный момент: именно в это время он и его товарищи становятся зачинателями нового движения. Программа созданной ими группы «Мост» призывала всех прогрессивных людей искусства объединиться и воплотить в жизнь революционные художественные принципы[7]. Однако молодые экспрессионисты, бунтовавшие против всего косного и отжившего, не отвергали полностью наследие прошлого. Они высоко ценили творчество Дюрера, Лукаса Кранаха Старшего, Маттиаса Грюневальда, постимпрессионизм, фовизм и т. д. Постепенно Кирхнер вырабатывает свою собственную систему приёмов и манеру письма. Он отказывается от иллюзорного пространства и стремится к плоскостной трактовке предметов, их непременной деформации[8]. Его композиции изобилуют резкими цветовыми диссонансами; он тяготеет к стилизации и сокращению арсенала визуальных средств[6]. Картины, по его мнению, суть не просто изображения определённых предметов, а самостоятельные существа из линий и красок, которые похожи на свои прототипы ровно настолько, сколько требуется, чтобы сохранялся ключ к пониманию изображённого. Один из основных жанров творчества Кирхнера — городской пейзаж. Его пейзажи тревожны и проникнуты ощущением надвигающейся катастрофы. Широко известна картина 1914 г. «Потсдамская площадь в Берлине», написанная в холодных чёрно-зелёных тонах и изображающая берлинских проституток. Удлинённые пропорции женских силуэтов перекликаются с острыми треугольниками тротуаров и стен; на заднем плане красным пятном выделяются стены Потсдамского вокзала. Жёсткая, гротескная манера письма отражает внутреннюю сущность мегаполиса. Сцены природы в творчестве Кирхнера также далеки от идилличности: в них чувствуется некая неопределённость, тревожность, ощущения прервавшейся связи времён. С годами Кирхнер всё меньше обращался к натуре; стиль его тяготел к абстракции.

Эрик Хеккель (1883–1970) Немецкий художник-экспрессионист. Участник группы «Мост».

Родился Эрих Хеккель 31 июля 1887 в Дёбельне (Саксония) в семье инженера-железнодорожника. Интерес к творчеству проявился у него с ранних лет, уже в школьные годы он обсуждал теорию искусства в сообществе «Вулкан» – кружке, который был организован и его стараниями. Формирование живописи Хеккеля связывают с постимпрессионизмом Сезанна, а также творчеством известных мастеров XVI века, выделяя при этом характерную особенность его манеры, не выходящей за рамки догматизма. Как и все экспрессионисты, увлекался работами Ван Гога и Гогена, но во многом, успех его живописи и графики был достигнут собственными стараниями. Контакты с представителями «Синего всадника», а также воздействие кубизма изменяют манеру его письма: рисунок становится более жестким, а цвет приобретает строгость, становится холодным. Влияние Сезанна, уроки которого Хеккель трактует по-своему, нашло свое выражение в появлении кристаллических форм – картина «Стеклянный день». Много внимания уделяется передаче солнечного освещения путем изображения пересекающихся лучей. Послевоенные годы проходил у Хеккеля, в основном, в поездках по Европе. Пейзажи этого периода наполнены спокойствием и гармонией. Равнодушие к новым течениям в живописи было заметно по тому, как варьировались его излюбленные мотивы, среди которых и аллегорическая тема клоуна – «Клоун перед зеркалом». Ушел из жизни Эрих Хеккель 27 января 1970. Смерть застала его в городе Радольфцель.

Эми́ль Но́льде (1867- 1956) — один из ведущих немецких художников-экспрессионистов, считается одним из величайших акварелистов XX века. Нольде получил известность благодаря своим выразительным цветовым решениям. После 1902 года Эмиль взял себе псевдоним в честь своей родной деревни Нольде. До 1903 года Нольде ещё писал лирические пейзажи. В 1906—1907 годах Эмиль Нольде входил в художественную группу «Мост» и там познакомился с Эдвардом Мунком. В 1909 году Нольде стал членом Берлинского сецессиона. В это время появились его первые работы на религиозные темы: «Причастие», «Троица», «Осмеяние». В 1910—1912 годах к Нольде пришёл первый успех на выставках в Гамбурге, Эссене и Хагене. Нольде также писал картины о ночной жизни Берлина, где периодически проживала его жена-актриса, театральные зарисовки, натюрморты из масок, 20 работ «Осеннее море» и «Житие Христа» в девяти частях. В 1913—1914 годах Нольде совершил поездку в Южное полушарие как член Медицинско-демографической германо-новогвинейской экспедиции при имперском колониальном ведомстве. В 1916 году Нольде переехал в Утенварф на западном побережье близ Тондера. Нольде негативно отнёсся к столкновениям и установлению германо-датской границы после Первой мировой войны, и несмотря на то, что считал себя немцем, в 1920 году он принял датское гражданство.

 

Билет № 15 Группа «Голубые всадники» - Кандинский, Марк, Маке, Клее.

Синий всадник— творческое объединение представителей экспрессионизма (в основном художников) в начале XX века в Германии. Объединение «Синий всадник» было основано в декабре 1911 года в Мюнхене Василием Кандинским и Францем Марком. Основной целью было освобождение от окаменелых традиций академической живописи. Помимо них в группе также были Август Маке, Марианна Веревкина, Алексей Явленский и Пауль Клее. В работе этой художественной группы участвовали также танцоры и композиторы. Их объединял интерес к средневековому и примитивному искусству и движениям того времени — фовизму и кубизму.

Васи́лий Васи́льевич Канди́нский (1866- 1944) — выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем Баухауса. Кандинский принадлежит к числу наиболее ярких личностей в мире живописи. Он — один из основоположников абстракционизма, создатель огромного количества картин, автор нескольких книг об искусстве и неутомимый исследователь-этнограф. Кто-то называл его сумасшедшим, кто-то — шаманом, но кто мог усомниться в его гениальности? Кандинский «взорвал» представление о живописи подобно тому, как в свое время изменил отношение к скульптуре Микеланджело. «Синий всадник», написанный им в 1903 году, отражает пограничное состояние художника. Картина представляет собой переход от реализма к новому направлению в живописи и, можно сказать, открывает цикл абстрактных работ Кандинского. Художник не рисовал, а «думал» на холсте: его полотна — отражение мыслей. Ярких, как это бывает у всех неординарных личностей, и кажущихся хаотичными, как это свойственно работам гениям. Долгие годы, проведенные вдали от родины, не погасили любви Кандинского к русскому народу. Стремление отразить в картинах внутренний мир людей побуждает его совершить несколько этнографических экспедиций, в которых он изучает русский быт, историю религии и традиции, уходящие корнями во времена язычества.

Франц Марк (1880- 1916)— немецкий живописец еврейского происхождения, яркий представитель немецкого экспрессионизма. Наряду с Августом Маке, Василием Кандинским и др. являлся участником и главным организатором художественного объединения «Синий всадник». Зрелая живопись Марка зачастую изображает животных в естественной обстановке (олени, лошади, лисы и т. д.), которые, по сравнению с человеком, казавшимся художнику безобразным, представлялись как высшие, чистые существа. Поздние работы Марка характеризуются яркой палитрой в сочетании с кубистическими образами, резкими и жёсткими цветовыми переходами, подчас создающими тревожное и апокалиптическое настроение. К таким работам относится и картина «Судьба животных», получившая наибольшую известность и ныне демонстрирующаяся в художественном музее Базеля, Швейцария.

Август Маке (1887- 1914) — немецкий художник-экспрессионист, участник объединения «Синий всадник». Творчество Маке формировалось под влиянием различных художественных направлений того времени, через увлечение которыми он последовательно проходил. Индивидуальный стиль, который он, наконец, обрёл, и сегодня рассматривающийся как типичный стиль Маке, отличается игрой световых эффектов и тщательно подобранными, согласованными сочетаниями цветов. Картины производят впечатление радости и лёгкости. «Его образы удовлетворяют жажду позитивных образов цельного мира, гармонию человека с его окружением». Маке пишет много прекрасных пейзажей на берегу озера Тун. В одном из них сад, дома, деревья, клумбы превращены в цветовые плоскости, пронизанные светом. «Найти образующую пространство энергию цвета вместо того, чтобы довольст­воваться мертвой светотенью, — вот наша прекрасная цель»,— писал тогда Август Маке в письме к другу. За несколько месяцев до начала войны Маке написал кар­тину «Канатный плясун», по сюжету близкую композициям на темы танца и цирка Жоржа Сёра. Но Маке стремился со­здать радостный образ мира, в то время как у Сёра, Делоне часто претворение живых впечатлений сопровождалось хо­лодной рационалистичностью и логикой, чуждой всякой эмо­циональности. В картине «Канатный плясун», написанной теплыми, горящими красками с использованием сложного ли­нейного построения, передано ощущение праздника. Челове­ческие фигуры и формы в картине обобщены, в ней нет по- вествёвательности. Канаты, столбы, полог шатра цирка шапи­то своими правильными геометрическими линиями состав­ляют как бы сетку для основных цветовых пятен. В верти­кальный прямоугольный формат картины вписывается слож­ная октогональная фигура. Мужчина в кепке, изображенный крупным планом справа, представляет собой как бы точку от­счета разворачивающегося в глубину пространства. Следую­щие фигуры даны уже в меньшем масштабе, рисунком своим повторяя абрис фигуры первого плана, но в зеркальном отра­жении. Линия каната, на котором балансирует акробат, и за­метная среди других зрителей фигура женщины в светло-го- лубой юбке обозначают средний план картины. Наконец, светлые стены кубических домов на фоне картины показы­вают самую дальнюю плоскость изображенного пространства. И цветовое решение, и пространственная композиция кар­тины очень напряженны, что придает этому небольшому по­лотну значение художественной формулы, емко выражающей специфику живописного языка эпохи. В отличие от своего друга Марка, писавшего природу и жи­вотных, Маке интересуется изображением человека, город­ской жизни, он пишет улицы, сады, городскую архитектуру. Но эпоха, к которой он так напряженно прислушивался, была чревата трагедией войны. И Маке, в первые же дни призван­ный в армию, стал одной из многих ее жертв.

Пауль Клее (1879- 1940) — немецкий и швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда. Гражданин Германии, Клее родился, провёл значительную часть жизни и умер в Швейцарии. Пауля Клее с полным правом можно назвать пионером модернизма. Свое кредо он сформулировал в начатом в 1918 году сочинении "Творческое вероисповедание": на первом плане должно стоять не максимально точное отображение реальности, а ее индивидуальное восприятие. "Новое искусство формирует не предметы, а ощущения по отношения к предметам. Художник воспроизводит не саму природу, а скорее закон природы",- записал Клее в своем дневнике в июне 1905 года. Таким образом, он описывал существенный принцип своего творчества. Клее сам придумывал невидимые, но органически возможные формы. Созданные им картины с чисто визуальной точки зрения поддаются совершенно различным толкованиям. Долгое время господствовало мнение, что абстрактные художники отвернулись от природы, не придают ей большого значения. Этому утверждению никто так не противоречит, как Пауль Клее, отличавшийся глубочайшей привязанностью к природе. В основу всех его работ заложены наблюдения природы, будь то ландшафт, ботаника, космос... Одному приятелю, художнику и педагогу, он советовал: "Изучайте естественные пути Создателя, возникновение, функции и формы. Это - наилучшая школа. Исходя из природы, вы, быть может, придете к собственным формам". Пауль Клее интересовался естественными науками, изучал сложные математические взаимосвязи. Исходя из убеждения, что между природой и искусством существует тесная связь, Пауль Клее создавал свою графику и рисунки. Маслом он стал писать лишь в поздние годы. Пауль Клее являлся одним из лидеров экспрессионизма, был близок к сюрреализму. В его произведениях есть ощущение гармонии, почти музыкальных созвучий. Особенно это чувствуется в его натюрмортах и в такой работе, как написанная в 1920 году "Оттепель в Арктике". Из типичных своих форм и красок создал Клее в 1919 году "Композицию", которая находится теперь в Штутгартской картинной галерее. Пауль Клее призывал делать невидимое видимым, стремился воспринять больше, чем в состоянии воспринять высокочувствительная камера, он поставил себе задачу "предельно дифференцированно исследовать" мир. Пожалуй, ни у одного другого художника теоретические выкладки и творческое действие не дополняют друг друга с такой полнотой, как у Пауля Клее. Сложенная им строфа - она стала его надгробной надписью - гласит: "Посюсторонне меня не постичь. Ибо как раз пребываю средь мертвых и среди нерожденных. Несколько ближе к Вселенной, чем водится. И все же недостаточно близко..." В поздний период творчества Пауль Клее пытался создать "спиритическое цветосветовое пространство" и обратился к пуантилизму (от франц. pointiller - "писать точками"). Эта живописная система предполагает письмо мелкими мазками правильной, точечной формы. При этом Клее предпочитал темперу на бумаге. Одна из наиболее известных его работ этого времени - "Кресты и колонны" (1931). В 1937 году художник написал картину "Революция виадуков", одну из важнейших в своем творчестве возможно, словно бы очеловеченные арки мостов символизируют здесь марширующие нацистские дивизии. Впрочем, некоторые искусствоведы истолковывают эту картину как критику художником статичного зодчества его времени. Пауль Клее всегда стремился противопоставить статике динамику.