Коллекция

В настоящее время в собрание Русского музея входят следующие отделы: русская и советская живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладного и народного искусства (мебель, фарфор, стекло, резьба, лаки, изделия из металла, ткани, вышивка, кружево и др.). На 1 января 2005 года коллекция музея насчитывала 394 158 единиц хранения.

В древнерусском отделе широко представлены иконы XII—XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII — начала XX века.

Наиболее полной является коллекция искусств XVIII — первой половины XIX веков, включающая произведения Андрея Матвеева, Ивана Никитина, Карло Растрелли, Фёдора Рокотова, Владимира Боровиковского и др.

Вторая половина XIX века представлена работами художников: Фёдора Васильева, Ростислава Фелицына, Андрея Гороновича, Евграфа Сорокина и др. а также — передвижников: Григория Мясоедова, Василия Перова, Алексея Боголюбова, Константина Маковского, Николая Ге, Ивана Шишкина, Ивана Крамского и др.

Конец XIX века — начало XX века: Павел Трубецкой, Михаил Врубель, Валентин Серов, а также работы мастеров «Мира искусства»: Александр Бенуа, Константин Сомов, Константин Коровин, Борис Кустодиев, Николай Рерих и др.

Советское искусство — произведения Кузьмы Петрова-Водкина, Веры Мухиной, Сергея Конёнкова, Александра Дейнеки («Оборона Севастополя») и др.

Проводятся также экскурсии, лекции, стационарные и передвижные выставки, кружки. Ведётся научная работа.

9) Произведения живописи как памятники историко-культурного наследия в контексте краеведческого анализа. Виды, жанры и направления живописи.

Живопись – вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую поверхность.

Существует также узкая трактовка термина живопись как работ, выполненных масляными красками на холсте, картоне, оргалите и других подобных материалах.

Оценивать произведение можно:

- по сюжету;

- по композхиции;

- по цветовым решениям.

Истинное наслаждение для ценителей живописи представляет созерцание чуда превращения мазков в живые формы, плоти красок в плоть вещей. Мастера эпохи Возрождения, «малые голландцы», в 17 в. стремились создать ощущение «нерукотворности» изображённых предметов; они писали тончайшими кистями, накладывая мелкие, незаметные мазочки. В кон. 19 в. художники стремятся «обнажить» творческий процесс, выявить красоту не только изображённого предмета, но и фактурности самой живописной кладки (сгустки краски, её потёки и наплывы, «мозаика» мазков и т. д.). Мастера 20 в. используют всё многообразие техник и приёмов живописи.

Виды живописи:

Живопись подразделяют на монументальную, декоративную, театрально-декорационную, миниатюрную и станковую.

Монументальная живопись – это особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений. Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает, содействуя воспитанию людей в духе патриотизма, прогресса и гуманности.

Декоративная живопись применяется для украшения зданий, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию прорыва стены, зрительного увеличения размеров помещения или, напротив, нарочито уплощенными формами утверждают плоскостность стены и замкнутость пространства.

Театрально-декорационная живопись (декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника) помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.

Миниатюрная живопись получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально проработанными иллюстрациями-миниатюрами. Живописной техникой миниатюры русские художники первой половины XIX века искусно пользовались при создании небольших (главным образом акварельных) портретов.

Станковая живопись, выполняемая на станке – мольберте, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина, являясь самостоятельным произведением, может изображать решительно все: фактическое и вымышленное художником, неодушевленные предметы и людей, современность и историю – словом, жизнь во всех ее проявлениях. В отличие от графики станковая живопись обладает богатством цвета, который помогает эмоционально, психологически многогранно и тонко передать красоту окружающего мира.

Жанры живописи:

1. Портрет (А. Матвеев «Автопортрет с женой»);

2. Пейзаж (И. Шишкин «Корабельная роща»);

3. Марина (И. Айвазовский «Девятый вал»);

4. Историческая живопись (Ф. Бронников «Пифагорейцы празднуют восход солнца»);

5. Батальная живопись (Ю. Брандт «Битва под турецким флагом»);

6. Натюрморт (Дж. Констебл «Цветы в стеклянной вазе»);

7. Жанровая живопись (Б. Строцци «Кухарка»);

8. Архитектурная живопись (Луи Дагер «Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду»);

9. Культовая живопись (мифологическая, библейская);

10. Анималистическая живопись (Дж. Стаббс «Спящий леопард»);

11. Декоративная живопись.

Техники живописи:масло, темпера, эмаль, гуашь, пастель, тушь, живопись по штукатурке – фреска и а секко, граттаж, гризайль, карнация, лессировка, пуантилизм, сграффито, сфумато, клеевая живопись, восковая живопись, живопись керамическими красками, живопись силикатными красками, акварельная живопись, сухая кисть, акрил, смешанная техника.

Направления живописи: Ренессанс, Маньеризм, Барокко, Рококо, Классицизм, Романтизм, Импрессионизм, Модернизм, Сюрреализм. Художники-передвижники.

10) Произведения живописи как памятники историко-культурного наследия в контексте краеведческого анализа. Особенности Петербургской школы живописи (XVIII – XX вв).

СЖАТЫЙ ОТВЕТ ВОПРОСА № 9 + СЛЕДУЮЩАЯ ИНФОРМАЦИЯ:

Художественная жизнь Петербурга с момента его основания занимает важнейшее место в развитие русского искусства. Ведущее место в живопись занимал портрет. В Академии Художеств, закрепившей за Петербургом роль центра художественной жизни России, важнейшим жанром искусства считалась историческая живопись. Гражданственно-героические темы из античной истории и мифологии, сюжеты из национальной истории разрабатывались в духе классицизма А. П. Лосенко, И. А. Акимовым, Г. И. Угрюмовым. Становление пейзажной живописи во многом было связано с научно-познавательной традицией петровской эпохи, обогащавшейся эмоциональным восприятием мотива. Одновременно, большую конкретность приобретали пейзажи-панно, часто изображавшие дворцово-парковые ансамбли Петербурга и его пригородов.

Художественная жизнь Петербурга в 1860-70 гг. тесно связана с общедемократическим движением, направленным против крепостничества и самодержавия. Беспощадный показ уродливых сторон российской действительности, бесправия и нищеты народа становился гражданской программой передовых художников. Последовательное выражение новые художественные тенденции получили в творчестве передвижников, наиболее демократически настроенных художников Петербурга и Москвы. Провозгласивших основой своего искусства критический реализм и создавших тип реалистической станковой картины, правдиво отображавшей социальную действительность и утвердившей красоту и значительность народных характеров. Их деятельность активно поддерживал художественный критик В. В. Стасов, а идейным вождём стал Крамской.

С Петербургом связано творчество И. Е. Репина, в произведениях которого идеи передвижничества получили наиболее многогранное воплощение.

В историческую живопись, где долгое время господствовал насаждавшийся петербургской академией художеств академизм, внёс интерес к реально-бытовому содержанию событий отечественной истории В. Г. Шварц. Для пейзажной живописи этого периода характерны обращения к простым, обыденным мотивам (И. И. Шишкин, Ф. А. Васильев, М. К. Клодт), а также звучные эффекты освещения (А. И. Куинджи). Важным событием в художественной жизни Петербурга этого периода было открытие в нём двух крупнейших музеев изобразительного искусства - в 1852 Нового Эрмитажа и в 1898 Русского музея императора Александра III (ныне Русский музей).

К концу девятнадцатого века вторым полноправным центром отечественного искусства становилась Москва; е? творческое соперничество с Петербургом превращалось в реальный фактор развития русской художественной культуры 1900 годов. В противовес этому в 1890 году было создано Петербургское общество художников, пропагандировавшее в основном позднеакадемическую салонную живопись. Черты академизма заметны и в деятельности Общества русских акварелистов.

Свершившиеся в начале 20-го века революции и Гражданская война с последующей реструктуризацией общества подвергли коренной перестройке всю систему культурной жизни. В сфере изобразительного искусства начался упадок. В 1918 году декретом Совнаркома была упразднена Академия художеств.

Петербургская школа живописи сформировалась во 2-ой пол. 18 века и претерпела следующие направления:

1. Ренессанс;

2. Маньеризм;

3. Барокко;

4. Рококо;

5. Классицизм; + ХУДОЖНИКИ-ПЕРЕДВИЖНИКИ

6. Романтизм; (последняя треть XIX века)

7. Импрессионизм;

8. Модернизм (кубизм, дадаизм);

9. Сюрреализм.

11) Произведения живописи как памятники историко-культурного наследия в контексте краеведческого анализа. Дать характеристику одного из понравившихся художественных произведений из коллекций Государственного музея Эрмитаж и Государственного Русского музея. (Карточка объекта).

«Даная» (1636—1647) – картина нидерландского художника Рембрандта из коллекции Эрмитажа, написанная по мотивам древнегреческого мифа о Данае, матери Персея.

Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Бог Зевс, однако, проник к Данае в виде золотого дождя, после чего она родила сына Персея. Эта тема воплощалась художниками Ренессанса и голландскими маньеристами (Тициан, Тинторетто, Корреджо, Госсарт, Климт) в двух различных иконографических вариантах; Рембрандт продолжает в этой работе линию так называемого «типа куртизанки». Но что сделал Рембрандт в этой картине? Во-первых, художник опустил здесь изображение золотых монет, этого мотива продажной любви. Лишь чудесный блеск света освещает переливающееся тонами слоновой кости тело. Мотив становится таким образом интимнее, он лишается гласности и приобретает скрытую и доверчивую человечность.