ЖИВОПИСЬ

 

Одним из ярчайших представителей стиля модерн в европейской живописи стал АЛЬФОНС МУХА (1860–1939) – выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Поворот в его судьбе наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения.

А. Муха. Сара Бернар	А. Муха. Афиша к драме «Медея»	А. Муха. Афиша к драме «Дама с камелиями»

 

В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие — «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах. Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров (и подвергаются беззастенчивому плагиату на всех уровнях). Одно из известнейших парижских графических издательств, «Шампенуа» (Le Champenois), заключает с ним эксклюзивный контракт на его прикладное творчество.

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В отличие от тревожных картин современных ему мастеров — Климта, Врубеля, Бакста — его произведения дышат спокойствием и негой.

Альфонс Муха. Панно «Времена года» («Лето», «Осень», «Зима», «Весна»)

 

Еще одним из самых ярких представителей стиля модерн был австрийский живописец ГУСТАВ КЛИМТ(1862-1918). Творчеству Густава Климта присущи все характерные признаки стиля модерн: тяготение к символике и сложным аллегорическим образам, стремление к необычным декоративным эффектам, постоянное желание экспериментировать. Им всегда руководила вера в великое предназначение искусства, которое может создать особый мир, где жизнь человека будет строиться на основе красоты. Он пишет огромное количество работ (символические композиции, портреты, пейзажи), на которые, взглянув однажды, не забудешь никогда. В них проявляется личное видение окружающего мира и человека в нём. В качестве примера рассмотрим картину «Поцелуй». На возвышении, усыпанном цветами, на фоне потемневшего золота двое влюбленных. На картине прорисованы лишь лицо девушки и голова юноши, их руки и ноги девушки. Но фигуры скрыты декоративными одеждами, украшенными спиралями, овалами, кругами и другими геометрическими фигурами. Эта же манера свойственна и для портретов реальных женщин. Очаровательные лица, прически, руки, украшения, но платья и фон, как в волшебном калейдоскопе, превращаются в неповторимую сказочную декорацию в духе византийских мозаик.

Г. Климт «Золотая Адель»	Г. Климт «Юдифь»

 

Г. Климт «Портрет баронессы Элизабет Бахофен Эхт»	Г. Климт «Девственницы»

 

В 1897 г. Густав Климт вместе с близкими ему по духу художниками и архитекторами (Альфред Роллер, Коломан Мозер, Йозеф Хофман и др.) основал Венский сецессион (от лат. – отделение, обособление), для которого был возведён выставочный павильон (венцы до сих пор его так и называют – «Сецессион»). Здание украшено большим позолоченным куполом с изображением позолоченных лавровых листьев, интерьеры и окна из цветного стекла были спроектированы Мозером. Над его главным входом – надпись со словами художественного критика Людвига Хевеши: «Эпохе — свое искусство, искусству — своя свобода», которые выражали настроение высших слоев общества Вены конца века, к тому времени четвёртому по величине европейскому городу. Это здание стало постоянным местом проведения выставок группы. К значительным заслугам художественной группы следует отнести выставку импрессионистов.

	Купол Венского Сецессиона
		Надпись на фризе

 

 

Особую известность получила 14 выставка Сецессиона 1902 г., которая была посвящена Людвигу ван Бетховену. Этот грандиозный проект должен был показать скульптуру, музыку и живопись в единении; именно синтез искусств модернисты считали своей основной идеей. Свидетельством духовной общности братства мастеров Венского Сецессиона должны были быть представленные на выставке произведения.

Скульптура Бетховена помещалась в центре просторного зала. Ее автор – Макс Клингер изобразил Бетховена в виде олимпийского божества – с обнаженным торсом и прикрытыми плащом коленями. В соответствии с античной традицией, ноги композитора обуты в сандалии. Бетховен восседает на богато декорированном троне, а у его ног находится орел - символ Юпитера. Кулаки его сжаты, а выражение лица сконцентрированное и энергичное. В своей работе художник использовал самые разные материалы – белый и цветной мрамор, гипс, бронзу и слоновую кость. «Возвышенному стилю» полихромной скульптуры Клингера соответствует и оформление трона, в котором аллегорически отражены христианские мотивы искупления.

«Бетховенский фриз» кисти Густава Климта располагался на трех стенах. Девятую, последнюю симфонию Бетховена (в интерпретации Вагнера), исполнял симфонический оркестр под управлением Г. Малера. Предвидя неоднозначную реакцию публики, устроитель выставки Й. Хофман издал каталог, объясняющий идею выставки: произведения искусства должны привести людей в идеальное царство, полное чистых наслаждений, чистого счастья и любви, а «Бетховенский фриз» Климта – выражение желания и надежды всего человечества.

Огромная площадь фриза (70 м²) поражала воображение. Изображенные фигуры (в основном, обнаженные женщины) не имели никакого отношения ни к Бетховену, ни к музыке в целом. Однако в каталоге выставки было сказано, что фриз выражает «надежды и желания всего человечества», он показывает, что искусство ведет людей «в идеальное царство чистых наслаждений, чистого счастья и чистой любви».

Фриз по манере перекликался со скульптурой Клингера – помимо краски в технический арсенал художника вошли серебро и позолота, осколки зеркал, гвозди и пуговицы. Первоначально предполагалось, что этот фриз будет временным. На протяжении десятилетий его никто не видел, но в 1986 г., отреставрированный фриз стал доступен для ценителей живописи.

Густав Климт «Бетховенский фриз» в музее «Сецессион» (Вена)
Фрагмент «Враждебные силы»	«Тоска по счастью»
Фрагмент