Барокко в европейском искусстве
1. Барокко. Версаль
2. Барокко в архитектуре и скульптуре Италии
3. Монументальная живопись итальянского барокко
4. Барокко в живописи Фландрии
5. Барокко в музыке
1. Ведущим художественным стилем 17 в. стало барокко. Происхождение термина не установлено. В переводе с итальянского – странный, причудливый, а с португальского – жемчужина неправильной формы.
Стихией барокко стали красота, декор, большой стиль. Это были времена опер, театрализованных представлений, пышных церемоний, богатых интерьеров и роскошных туалетов. В лит-ре – аллегории, метафоры, гиперболы, витиеватый стиль. Теоретик барокко Тезауро писал: «Для того, чтобы проявить остроумие, следует обозначать понятия не просто и прямо, а иносказательно. В архитектуре – ассиметрия, вычурность, богатый декор, монументальность. В музыке – манерность, избыток украшений. В живописи – пышность форм, яркость красок, монументализм (росписи храмов), парадность.
Цель – внушить народу благоговение перед властью, поразить, ослепить великолепием.
Центр к-ры, эталон роскоши и вкуса – Версаль – ансамбль, не имеющий равных в мире, Бенуа: поэма влюблённого в природу человечества, властвующего над этой самой природой. Все плоскости, простенки заполнены резьбой, мрамором, зеркалами, бюстами, гобеленами, декоративной живописью. В парке – бесчисленные статуи, фонтаны, вазы. Во дворце – праздненства и балы. Французский язык, мода и манеры – предмет подражания. Декоративные работы (алтарные образа, плафонные росписи, эскизы для мебели) – Шарль Лебрен. Скульптурные работы (мифологические и аллегорические скульптурные группы и конные монументы Людовика 14) – Франсуа Жирардон. Парадные портретные ск-ры – Антуан Куазеаокс. Парадная мебель (инкрустация, мозаика, бронза, черепаха, слоновая кость, перламутр) – Андре Шарль Буль. Лесть, обходительность, вежливость (король снимал шляпу перед горничной), ароматная атмосфера. Мода – от фавориток. Платья мадам де Монтеспан – богатство тканей и роскошь отделки; Фонтанж – откровенность фасона; маркиза де Ментенон – скромная простота. Модницы – корсет из китового уса и железных пластинок, пышные причёски: капуста, труба, орган; элементы: 1-ое небо, 2-ое;мушки (запасные коробочки), красили губы, щёки, брови, уши, руки. Мужчины: сапоги с воронкообразными голенищами, куртка с застёжкой у ворота и кружевным воротником. Шляпы с перьями. Румянились.
При дворце – изящный стиль письма – лит-ра Ларошфуко, паскаль, Расин, Мольер, Корнель – соединение блеска ума с непревзойдённым стилем.
Эпоха Версаля – до Французской революции.
2. Стремление к созданию новых типов храма, городской площади, дворцового ансамбля. Первый образец стиля – церковь Иль-Джезу, 1575, арх. Джакомо Бароцци да Виньола (1507-1573) и Джакомо дела Порта (1537-1602): форма купольной базилики, широкий центральный неф, с 2-х сторон – капеллы (часовни). Сочетание старого и нового – мощные колонны, но многочисленные скульптурные украшения и обилие деталей. Фасад – 2 горизонтальных яруса, каждый оформлен ордером, по краям верхнего яруса – волюты (завитки).
Перестройка собора св. Петра – Карло Мадерна (1556-1629): к зданию Микеланджело с западной стороны пристроен большой притвор, собор из центрического стал базиликальным. Статуи, декор.
Ученик Мадерны Франческо Борромини (1599-1667) – церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане (1634-1667): на перекрёстке 2-х улиц, поэтому небольшой (нехарактерно для барокко), по углам – 4 скульптурные группы с фонтанами, отсюда – название. Фасад – 2 яруса, оформленные ордером, изогнутая линия перекрытия, извилистый фасад. Церковь Сант – Аньезе сочетается с фонтаном 4-х рек – творение Лоренцо Бернини (1598-1680): 4 части света – Европа (Дунай), Азия (Ганг), Африка (Нил), Америка (Ла Плата) – образец пластической ск-ры. Бернини – знаменитость в 25 лет. Первая известная ск-ра – «Давид» (Микеланджело, Донателло). Бернини показал не подготовку, а сам поединок: разворот корпуса, расставленные ноги, на лице – азарт борьбы, брови сдвинуты, губы закушены. Жанр скульптурного портрета: изучал суть, делал наброски, ловил момент (п-т кардинала Шипионе Боргезе) – цельность натуры, задумчивость. Талант архитектора и скульптора – лестница в Ватиканском дворце: перспектива, поэтому фигура папы кажется величественной. Бернини также спроектировал площадь перед собором св.Петра ,выполнив колоннаду и скульптурные группы. 3 шедевра: «Аполлон и Дафна» - в основе – «Метаморфозы» Овидия, Аполлон преследует инмфу, которая хочет сохранить целомудрие, боги превращают её в лавровое дерево; «Похищение Прозерпины» - могучий Плутон (подземный мир) и изящная Прозерпина (дочь Цереры – богини плодородия), которую Плутон похитил, чтобы сделать женой. «Экстаз св. Терезы» (для алтаря семейства Корнаро в храме Санта Мария дела Витториа ,Тереза – испанский богослов) – видение Терезы: ангел пронзает её золотой стрелой. Фон – цветной мрамор, ощущение света, складки одежд.
Лучший образец совместного тв-ва Мадерны, Барромини и Бернини – палаццо Барберини: парадный двор, фасад с выступающими крыльями. Двор объединяет здание с городским ансамблем, сзади – дворцовый парк, связывающий дворец с городом.
3. Росписи на сводах храмов и дворцов,.родоначальник – Джованни Ланфранко (1582-1647). «Вознесение Богоматери» - купольная фреска римского храма Сант-Андреа дела Вале, летящие ввысь фигуры Богоматери и ангелов.
Пьетро Берреттини да Кортона (1596-1669). «Аллегория божественного провидения» (палаццо Бернини) – множество фигур, устремлённых в разные стороны – ощущение бесконечности пространства.
Джованни Батист Гаулли (пр. – Баччича, 1639-1709). Плафон храма иль-Джезу «триумф имени Иисуса» - возносящиеся праведники и низвергающиеся грешники, последние – за пределами свода. В центре – монограмма (сплетённые начальные буквы И.Х.), излучающая свет, краски переливаются.
Андреа Поццо (1642-1709). «Св. Игнатий Лойола в раю» (церковь Сант-Иньяцио)- небесное торжество святых в обрамлении архитектурных деталей, переходящих в реальную архитектуру – ощущение высоты.
Лука Джордано (1632-1705), «быстрый Лука». Смешивает стили механически, но способствовал распространению барокко за пределами Италии.
4. Фландрия – южные Нидерланды, католические Нидерланды (Филипп 2 дочери Изабелле). Церковь – очаровать, подчинить сознание, храм – театр, органная музыка, причудливая архитектура.
Питер Пауль Рубенс (1557-1640) – род. в семье антверпенского юриста, получил гуманитарное образование, в 1598 г. стал членом городской гильдии св. Луки и получил возможность продавать картины. С 1600 по 1608 гг. пребывал в Италии и Испании. В Нидерландах удачно женился на аристократке Изабелле Брандт («Автопортрет с женой»). С 1609 г. – придворный х-к. центральное место в тв-ве – античная мифология: «Похищение дочерей Левкиппа» - сопротивляющиеся девушки, рвущиеся с места кони; «Битва греков с амазонками» - скопище людей и коней, тревожное небо, мост разделяет победителей (на мосту) и побеждённых. Огромное количество заказов – богатый дворец в Антверпене: мрамор, агат, малахит; музей картин и ск-р, в саду – беседки и павильоны в итальянском стиле, мастерская. Продал Бекингему, переехал в Лондон, Карл 1 сделал его членом посольства и возвёл в рыцарство. «П-т Изабеллы Брандт» - на фоне заката, в чёрном открытом платье, высвечивает лицо и руки – трогательность. В 34 г. она умирает. Елена Фоурмен (племянница 1-ой жены): п-т – нет той трогательности, двойной п-т – чинно прогуливаются по саду он смотрит на зрителя, она поругивает пасынка; «Шубка» - самая смелая, вышла из ванной. В 1622 г. 24 картины серии «Жизнь Марии Медичи», лучшие – коронация и «Бракосочетание с королём Франции Генрихом 4». В последние годы – автопортрет: суровый взгляд, приближение старости. Впал в дряхлость. 3 тыс. картин!
return false">ссылка скрытаАнтонис Ван Дейк (1599-1641) – уч-к Рубенса, модный портретист. С 1615 г. у ван Дейка уже имелась собственная мастерская, где он создал серию «Головы апостолов». К ранним его работам относится Автопортрет (ок. 1615, Вена, Музей истории искусств), отличающийся изяществом и элегантностью. В 1618–1620 создает цикл из 13 досок, изображающих Христа и апостолов: Св. Симон (ок. 1618, Лондон, частное собрание), Св. Матфей (ок. 1618, Лондон, частное собрание). С 1618 по 1620 г. он работал в мастерской Рубенса. Он создает произведения на религиозные темы, часто в нескольких вариантах: «Коронование терновым венцом» (1621, 1-й берлинский вариант — не сохранился; 2-й — Мадрид, Прадо); «Поцелуй Иуды» (ок. 1618—1620, 1-й вариант — Мадрид,Прадо
; 2-й — Минеаполис, Институт искусств); «Несение креста» (ок. 1617—1618,Антверпен, Синт-Паулускерк); «Св. Мартин и нищие» (1620–1621, 1-й вариант —Виндзорский замок, Королевское собрание; 2-й вариант — Завентем, церковь Сан Мартен), «Мученичество св. Себастьяна» (1624–1625, Мюнхен, Старая Пинакотека). С 1621 г. – придворный х-к при дворе английского короля Якова 1. путешествовал по Италии, писал п-ты аристократов: кардинал Гвидо Бентивольо – восторг: краски – плоть и кровь, свет и прозрачность. Лирический п-т маркизы Бальби – нежное лицо, холёные руки, аристократический наряд. В 1632 г. король Карл 1 возвёл во дворянство – пишет 2 п-та, оба пронизаны закатным светом, изумительный пейзаж, гордая осанка. В 1641 г. – в Париж (декоративные работы в Лувре, отказ от оплаты), вернувшись в Англию, умер.Якоб Йорданс — фламандский художник. С 1607 г. учился у Адама ван Ноорта. В 1616 г. женился на его дочери. Всю свою жизнь прожил во Фландрии, только в 1641 г. работал недолго в Англии. Его картины можно найти в любой церкви Антверпена. Даже после его обращения к кальвинизму в 1645 г. католическая церковь продолжала заказывать ему работы. Йорданс считается, особенно после смерти Рубенса, оказавшего на него большое влияние, одним из выдающихся представителей фламандского барокко. . Интерес к повседневной жизни, но верил в чудеса – смесь реальности с мистикой: «Сатир в гостях у крестьянина», «Бобовый король», «Праздник Бобового короля». Лучшая картина – «Диоген»: рынок, на переднем плане – овощи и живность, среди них – лица торговцев. В центре – фигура изнеможденного старика, который идет на зрителя с фонарем в поисках того, кто достоин имени ч-ка.
5. К музыке термин "барокко" применяется в 1746 году французским критиком и писателем Н.А. Плюшем. Позже этот термин фигурирует в "Музыкальном словаре" (1768 год) Ж.-Ж. Руссо. Каждый из них под словом "барокко" подразумевает "странную", "необычную", "причудливую" музыку доклассической эпохи. В "Музыкальном словаре" Х.Коха (1802 год) слову barock сопутствуют такие качества музыки как "спутанность", "высокопарность", "варварская готика". Гораздо позже Б. Кроче в "Истории итальянского барокко" (1929 год) утверждает, что "историк не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное явление... это выражение дурного вкуса. Однако со временем отношение к культуре барокко вообще и музыке в частности заметно улучшилось.
17 столетие было временем расцвета клавирной музыки. Клавир – общее название клавишных инструментов того времени: клавесина, клавикорда, чембало, вердженала и отчасти органа. В эпоху барокко сложилось несколько школ игры на клавире.
Итальянскую органно-клавирную школу возглавлял выдающийся органист Джироламо Фрескобальди (1583-1643) .его считают основоположником итальянской органной школы. Среди его пр-ний для органа – фантации, токкаты ,канцоны. Для клавесина Фрескобальди писал прелюдии и фуги. Слава его как композитора и исполнителя гремела по всей Европе. Из разных стран к нему приезжали ученики. Слушать игру Фрескобальди в собор св.Петра в Риме собирались, согласно свидетельству современников, 30-тысячные толпы народа. Виртуозность этого органиста настолько поражала слушателей, что о нем распространялись легенды, будто тот мог играть свои сочинения руками, перевернутыми ладонями вверх.
Современником Фрескобальди был итальянский композитор, виолист и певец Клаудио Джованни Антонио Монтеверди (1567-1643). Отец композитора был врачом. Сам Клаудио, в 1590 г. окончил обучение у Марк Антонио Индженьери - регента кремонского собора и стал ходатайствовать о получении места скрипача в придворном оркестре герцога Винченцо Гонзаги в Мантуе. В первые годы службы Клаудио посетил Венгрию, а в 1599 г. - Фландрию), познакомился с новой европейской музыкой, перенимая лучшие ее достижения (так, опыт Флорентийской камераты - "драмы для музыки", как первоначально называли оперу - он перенёс в Мантую). За это время Моневерди выпустил Третий (1592 г.) а затем Четвертый (1603 г.) и Пятый (1605 г.) сборники пятиголосых мадригалов, многие из которых стали известны еще до печати. В 1607 г. появилась первая опера Монтеверди «Орфей», в 1608 г. - опера «Ариадна».
В 1601 г. Монтеверди получил должность придворного капельмейстера при дворе Гонзаги, однако композитора сильно угнетало бесправное положение придворного музыканта и деспотизм меценатов. «Я предпочел бы просить милостыню, чем подвергаться снова такому унижению», — писал он впоследствии.
В 1612 г. Монтеверди добился увольнения, а уже через год - в 1613 г. стал руководить капеллой собора Сан-Марко в Венеции. Как следствие, в его творчестве этого периода стали преобладать церковные жанры В 1630-1640-х гг. Монтеверди активно писал для недавно открывшихся оперных театров Венеции. Из опер того времени до нас дошли: "Возвращение Улисса в отечество" (1640 г.) и "Коронация Попеи" (1642 г.).
Выдающимся представителем придворных композиторов Людовика 14 был Жан Батиста Люлли (1632-1687). Звание «придворного композитора инструментальной музыки» он получил в 21 год. Его творчество было связано с театром, для которого он писал балеты (известно, что сам Людовик 14 в них танцевал, да и сам Люлли любил это делать вместе с королем). Нередко он писал свои произведения на тексты Мольера. Но все-таки главной заслугой композитора было создание лирической оперы, и истинную славу ему принесло именно оперное творчество.
Если расцвет творчества Джироламо Фрескобальди и Клаудио Джованни Антонио Монтеверди связан с началом 17 века, то музыка Доменико Скарлатти получила признание в конце столетия. Сын знаменитого оперного композитора, Доменико родился в Неаполе в 1685 году, через 40 лет после смерти Фрескобальди. Уже в юности Скарлатти пользовался известностью как клавесинист. Его игра, по свидетельству одного английского органиста, производила ошеломляющее впечатление, как будто за инструментом сидела «тысяча чертей». Важнейшая часть композиторского наследия Скарлатти – клавирные сонаты. Он писал их на протяжении всей жизни. Первый их сборник снабжен предисловием: «Читатель, кто бы ты ни был – дилетант или профессионал, не жди в этих композициях глубокого замысла; это лишь затейливая музыкальная шутка, цель которой - воспитать в тебе уверенность в игре на клавичембало.
Арканджело Корелли (1653–1717), итальянский композитор, скрипач, основоположник классической школы игры на скрипке. Происходил из старинного и влиятельного рода, который дал Италии известных юристов, ученых, поэтов. Уже в детстве Корелли проявил блестящие музыкальные способности, и в возрасте 13 лет его отправили в Болонью обучаться скрипичной игре. Он занимался у Дж.Бенвенути, а также у венецианца Л.Бруньоли. Стал членом известной Болонской филармонической академии (1670г.). О периоде с 1670 по 1675 гг. в жизни музыканта ничего не известно. В 1675 г..Корелли появляется в Риме, и именно здесь разворачивается его деятельность, уже в самом начале отмеченная блестящими успехами. Он стал частым гостем во дворце шведской королевы Кристины; ей посвящены сочинения Корелли, опубликованные в 1681, в ее доме состоялись первые исполнения кореллиевских concerti grossi (опубликованы посмертно). В 1687 г.Корелли поступил капельмейстером к кардиналу Панфили; через два года мы находим его в той же должности при кардинале П.Оттобони: кардинал был настолько очарован искусством Корелли, что поселил его в своем дворце и обращался с ним как с другом. В 1706 г. Корелли был избран членом Аркадской академии – самого изысканного ученого общества во всей Италии; одновременно с ним в эту академию вошли Б.Пасквини и А.Скарлатти. Корелли вел очень скромную жизнь и любил уединяться в своем непритязательном жилище среди книг и картин.
В отличие от большинства итальянских композиторов той эпохи, писавших много и во всех жанрах, Корелли опубликовал при жизни лишь отдельные инструментальные сочинения, а именно: 4 сборника трио-сонат для двух скрипок и basso continuo (op. 1, 1681; op. 2, 1685; op. 3, 1689; op. 4, 1694); сборник сонат для скрипки и basso continuo (op. 5, 1700).
Дитрих Букстехуде (ок. 1637 — 9 мая 1707) — датско-немецкий органист и один из наиболее известных композиторов эпохи барокко. Его произведения для органа составляют существенную часть традиционного органного репертуара. Большинство органных сочинений Букстехуде написаны в «фантастическом стиле» (stylus phantasticus)[1], характерном для раннего барокко и в особенности для так называемой северогерманской органной школы. Этому стилю присущ дух импровизации, любовь к неожиданным поворотам; типичны быстрые смены ритмов, чередование строгих фугированных эпизодов и импровизационных интермедий, одноголосной и полифонической фактур. Органный стиль Букстехуде оказал значительное влияние на творчество И. С. Баха.
Антонио Вивальди (1678-1741) – итальянский композитор. Скрипач-виртуоз, дирижёр, создатель сольного инструментального концерта, основоположник программного симфонизма. Первым учителем Вивальди был его отец, скрипач собора св. Марка. В 1703 Вивальди принял сан священника, с 1704 по 1740 был директором музыки в Оспедале делла Пьета в Венеции – доме призрения сирот, который славился как лучшая в городе музыкальная школа для девочек. В Венеции главной его обязанностью было сочинение музыки, и он сочинял с редкой легкостью и быстротой. В барочном стиле – 23 симфонии, 75 сонат, 400 концертов для скрипки с оркестром, включая цикл из 4 концертов «Времена года» (1725 г.), более 40 опер, церковная музыка. В 1740г. Вивальди уехал из Венеции в Вену, где скончался 28 июля 1741. Бах – транскрипции его пр-ний. До 1930 г. забыты.
Одним из выдающихся представителей клавесинной школы Франции является Жан–Филипп Рамо (1683-1764) Яркий оперный и клавесинный композитор, скрипач, органист, музыкант-теоретик. учился в иезуитской школе. В 18 лет был отправлен отцом в Италию совершенствовать музыкальное образование. С 1722г. обосновался в Париже. Писал для парижских театров, сочинял духовную и светскую музыку, с 1745г. стал придворным композитором. Рамо оставил нам богатое музыкальное наследие, которое состоит из нескольких десятков книг и ряда статей по вопросам музыки и теории акустики; четырех томов клавирных пьес; нескольких сольных кантат; 29 сценических сочинений – опер, опер-балетов и пасторалей.
К барокко можно также отнести творчество раннего Баха (танцы в сюитах) и Генделя («Музыка на воде»).