Голландская живопись 17 в.

 

XVII в. явил миру две художественные школы - голландскую и фламандскую. Обе были наследницами художественных традиций Нидерландов - европейской страны, на территории которой к тому времени образовалась католическая Фландрия, названная так по имени самой значимой провинции (на сегодняшний день это территория Бельгии и Франции). Другие провинции, отстояв свою приверженность идеям реформации, объединились и стали именоваться Голландской республикой или просто Голландией. В XVII веке в Голландии примерно три четверти населения было городским, основным сословием считалось среднее. Реформаторская церковь отказалась от великолепия декора, не было коронованных заказчиков и родовой аристократии, а это значит, что представители буржуазии стали основными потребителями искусства. Пространство, предназначенное для живописи, ограничилось домами бюргеров и общественными зданиями.

 

Размеры картин, как правило, были не велики (по сравнению с дворцовой живописью или алтарными композициями для церквей), а сюжеты имели камерный характер, изображали сцены частной, повседневной жизни. Главное достижение голландского искусства 17 в. – в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Именно поэтому голландских мастеров XVII века (за исключением Рембрандта и Халса) назвали «малыми голландцами» (обширного круга голландских живописцев XVII в. возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде. Среди наиболее ярких представителей - Ян Вермер, братья Остаде (Адриан ван О. и Изак ван О.), Герард Терборх, Ян Стен, Габриэль Метсю).

Большинство художников находило темы для своих картин в пределах родной страны, следуя совету Рембрандта: «Учись, прежде всего, следовать богатой природе и отображать, прежде всего, то, что ты найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди - все служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас». Продуктивность художников достигала невероятных размеров, как следствие, в среде живописцев возникала конкуренция, которая в свою очередь приводила к специализации мастеров. И, возможно, из-за этого произошла многообразная дифференциация по жанрам. Появились художники, которые работали только в жанре морского пейзажа или жанре городских видов, или изображали интерьеры помещений (комнат, храмов). В истории живописи были примеры натюрмортов и пейзажей, но никогда прежде эти жанры не достигали такой массовости и самодостаточности, как в Голландии XVII века.

Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. В Голландии не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, разделения жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам 17 в.

Историю голландской живописи 17 в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Хальса (1580-1666 гг.) Его деятельность почти целиком прошла в Гарлеме. Здесь уже около 1616 года он выдвигается как передовой крупнейший портретист и сохраняет свою роль в этой области до конца жизни. С появлением Хальса строго реалистический и остро индивидуальный голландский портрет достигает зрелости. Все робкое, мелкое, натуралистическое, отличающее его предшественников, оказывается преодоленным.

Начальная фаза искусства Хальса не выяснена. Мы сразу видим мастера решающим труднейшую проблему группового портрета. Он пишет одну за другой картины, изображающие стрелков корпорации св. Адриана и св. Георгия (Гарлем, Музей Франса Хальса), где с неподражаемой легкостью переданы и оживленность многолюдного собрания и яркость типов каждого из присутствующих. Живописное мастерство и композиционная находчивость группировок идут в этих портретах рука об руку с необычайной остротой характеристик. Хальс не психолог: душевная жизнь его моделей обычно проходит для него мимо. Да и пишет он по большей части людей, вся жизнь которых протекает в условиях напряженной, активной деятельности, однако не слишком углубляющихся в вопросы психологического порядка. Зато Хальс, как никто, улавливает облик этих людей, умеет схватить самое мимолетное, но вместе с тем и самое характерное в выражении лица, в позе, в жестикуляции. Жизнерадостный по природе, он стремится запечатлеть каждый образ в миг оживления, радости, и никто с такой тонкостью и разнообразием, как он, не передает смеха. Портрет офицера (1624, Лондон, собрание Уоллес), покачивающийся на стуле «Гейтгейзен» (конец 1630-х гг., Брюссель, картинная галерея), «Цыганка» (конец 1620 гг., Лувр), или так называемая «Гарлемская ведьма», — «Малле Боббе» (Берлин) могут быть названы как характерные примеры его острого и часто задорного искусства. Мужчины, женщины, дети портретируются им с одинаковым ощущением живого образа («Портрет молодого человека с перчаткой», ок. 1650 г., Эрмитаж). Впечатлению живости способствует и сама техника Хальса, необычайно свободная и растущая с годами в своей широте. Декоративная красочность ранних работ впоследствии умеряется, колорит становится серебристым, свобода владения черными и белыми тонами говорит о мастерстве, могущем позволить себе смелейшие живописные дерзания.

В портретах позднего периода (50-60-е г.) исчезает беззаботная удаль, энергия, напор. В эрмитажном мужском портрете при всей импозантности фигуры прослеживается усталость и грусть. Эти черты еще более усилены в блестящем по живописи портрете мужчины в широкополой шляпе (музей в Касселе). Хальс в эти годы перестает быть популярным, потому что никогда не льстит и оказывается чужд переродившимся, утратившим демократический дух вкусам богатых заказчиков. Но именно в поздний период творчества Хальс достигает вершины мастерства и создает наиболее глубокое произведение. В некоторых работах намечаются импрессионистические приемы колористических решений. Хальс пишет бесчисленные индивидуальные портреты до последних лет жизни, но снова возвращается к групповым портретам. Он пишет 2 портрета – регентов и регентш приюта для престарелых, в одном из кт сам нашел приют в конце жизни. П портрете регентов нет духа товарищества прежних композиций, модели разобщены, бессильны, у них мутные взгляды, опустошение написано на их лицах. В сумрачный колорит (черное, серое и белое) особое напряжение вносит розовато-красное пятно на колене одного из регентов. Так на 9 десятке лет больной, одинокий и нищий художник создает свои самые драматичные и самые изысканные по мастерству произведения.

Искусство Хальса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта.

Пейзажный жанр Голландии 17 в. особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, кт мы узнаем в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны. Серое небо занимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян Ван Гойен (1596-1656) и Саломон Ван Рейсдаль (1600-1670).

Рассвет пейзажной живописи в голландской школе относится к сер. 17 в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал (1628-1682), художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно исполнены глубокого драматизма, будь это лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»). Природа у Рейсдаля предстает в динамике, в вечном обновлении. Даже самые непростые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер. Рейсдалю свойственно сочетать тщательную выписанность с большой жизненной целостностью, с синтетичностью образа.

Он родился в Харлеме в 1628 или 1629 году. Самая первая его сохранившаяся работа, датированная 1646 годом, выглядит произведением зрелого мастера, - а ведь ему исполнилось тогда всего лишь 18 лет. С полной уверенностью можно сказать, что в 1648 году Рейсдал стал членом гильдии художников Харлема.

В молодости Рейсдал довольно много путешествовал в поисках натуры — не отъезжая, впрочем, от родного Харлема дальше, чем на сто миль. В середине 1650-х годов художник переехал из Харлема в Амстердам, где и прожил до конца своих дней.

Столичный Амстердам во времена Рейсдала разительно отличался от провинциального Харлема (хотя расстояние между этими городами даже тогда преодолевалось за два часа). Свои картины Рейсдал писал не по частным заказам, а для свободной продажи, Приблизительно в 1670 году он переехал в самый центр города, на площадь Дам, где снял квартиру прямо над лавкой Иеронимуса Свеертса, торговца картинами и книгами.

Мейндерт Хоббема (1638, Амстердам, - 7 декабря 1709) - самый значительный мастер голландского пейзажа после своего наставника, Якоба ван Рeйсдала.

Известно, что Хоббема и Рёйсдал вместе путешествовали и делали зарисовки с натуры. В ноябре 1668 г. Хоббема женился на поварихе амстердамского бургомистра и через неё получил пост проверяющего качество импортируемых вин. Долгое время считалось, что на этом его занятия живописью прекратились.

Возможно, ему и пришлось уделять живописи меньше времени, чем прежде, но его лучшее произведение, «Аллея в Мидделхарнисе», датировано 1689 годом, а другая лондонская картина, «Развалины замка Бредероде», — 1671 годом. Эти поздние вещи принадлежат к самым удачным свершениям голландской пейзажной живописи и, в сущности, подводят черту в её развитии.

Художник умер в нищете, но уже в XVIII веке ему много подражали, а его произведения стали предметом соперничества коллекционеров. В отличие от Рейсдала, который предпочитал запечатлять дикую природу, Хоббему привлекали тихие сельские сцены с видами залитых солнечным светом деревень, которым придают разнообразие возвышающиеся там и здесь группы деревьев. В этих сельских идиллиях всё выписано с большой тщательностью, и особенно листва.

 

В тесной связи с голландским пейзажем находится анималистический жанр. Многих представителей пейзажной живописи наблюдается интерес к передаче животных. Последние очень часто оказываются равнозначащими с чисто пейзажными элементами, а иногда пейзаж служит для них не более как фоном. Умение выявить породу животного, его строение, масть, характерные движения составляет одно из ярких свойств голландцев. Сочетающаяся с этим умением тонкость передачи атмосферы и света достигает у некоторых анималистов исключительного совершенства. Об этом свидетельствуют многочисленные работы Паулуса Поттера (1625—1654) и Альберта Кейпа (1620—1691). И тот и другой наряду с картинами, изображающими животных, пасущихся или отдыхающих под открытым небом («Ферма» Поттера, Эрмитаж, 1649), писали также отдельные их экземпляры крупным планом. Поттер помимо общих планов любит изображать одно или несколько животных крупным планом на фоне пейзажа («Собака на цепи»). Излюбленный мотив Кейпа – коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»). Картина “Пейзаж со стадом, всадником и крестьянами”.
Мирная сельская сцена купается в золотом зареве заката. Теплый свет пронизывает каждую деталь композиции, создавая эффект свечения. Это разительно отличает колорит Кейпа от холодных голубых и зеленых тонов его современников, таких как Мейндерт Хоббема. Кажущаяся случайность расположения животных в действительности внимательно обдумана с тем, чтобы показать игру света и тени.

Кейпу принадлежит, кроме того, одно из первых мест среди представителей чистого пейзажа. Его картины отличаются исключительным мастерством передачи золотистого, солнечного света, крайне разнообразны в мотивах и включают немало марин (морские виды).

 

Только морским пейзажем (марина) занимался Ян Порселлис (1584-1632 гг.). Марина играла в искусстве Голландии 17 века очень крупную роль и выдвинула ряд первоклассных специалистов. Общий ход развития марины представляется равным тому, что вообще наблюдается в истории голландского пейзажа. На раннем этапе композиции отличаются простотой. Художник видит свою цель достигнутой, если передаст ширь моря, качающиеся на нем суда и самую воду с наибольшим правдоподобием. Так пишет, Ян Порселлис. В последующем поколении характер передачи морских видов меняется в сторону большей динамичности. По-прежнему, правда, создаются картины, изображающие спокойствие водной стихии, но этого теперь недостаточно; бури начинают бросать корабли на скалы, гигантские волны грозят им гибелью и гонят мореходов укрыться в гавани. И в том и в другом случае для Бакгейзена (1631—1709) нет трудностей. Его кисть с одинаковой виртуозностью передает безоблачность небес, циклоны, брызги, скалы и следы крушений.

Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюрморт – это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Класс (1597-1661), Виллем Хеда (1594-1680) чаще всего изображали т.н. завтраки: блюда с окороком или пирогом на относительно скромно сервированном столе. В умело компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей (недаром голландцы называли натюрморт «still leven» – «тихая жизнь», а не «nature morte» – «мертвая природа»). Колорит сдержан и изыскан (Хеда «Завтрак с омаром», 1658; Класс «Натюрморт со свечей», 1627)

Виллем Хеда работал в Харлеме, испытал влияние Питера Класа. Скромным натюрмортам - ”завтракам” Хеда, изображавшим, как правило, небольшой набор предметов домашней утвари и трапезы, присущи тонкое мастерство в передаче фактуры вещей, сдержанный серебристо-зеленый или серебристо-коричневый колорит (“Завтрак с ежевичным пирогом”, 1631, Картинная галерея, Дрезден; “Ветчина и серебряная посуда”, 1649, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

С изменением жизни голландского общ-ва во 2 пол. 17 в., с постепенным нарастанием стремления буржуазии к аристократизации и потерю ею былого демократизма изменяется и характер натюрмортов. «Завтраки» Хеды сменяются роскошными «десертами» Виллема Кальфа (1619-1693). На смену простой утвари приходят мраморные столы, ковровые скатерти, серебряные кубки, сосуды из перламутровых раковин, хрустальные бокалы. Кальф достигает поразительной виртуозности в передаче фактуры персиков, винограда, хрустальных поверхностей. Единый тон натюрмортов прежнего периода сменяется богатой градацией самых изысканных красочных оттенков.

Голландский живописец. В 1640-1645 годах работал во Франции, с 1653 - в Амстердаме. В дальнейшем Виллем Кальф жил и работал главным образом в Амстердаме. Глубокими, насыщенными цветами своих картин этот живописец натюрмортов мог быть обязан влиянию творчества его современника Яна Вермеера. Один из крупнейших мастеров нидерландской школы натюрморта, Калф писал как скромные по мотивам картины с изображением бедных кухонь и задворок (“Двор крестьянского дома”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), так и эффектные композиции с драгоценной утварью и экзотическими южными фруктами (“Завтрак”, Государственный музей, Амстердам; “Натюрморт”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Виртуозность Калфа-натюрмортиста проявилась в классической отточенности пространственных построений, тонком ощущении своеобразия и самоценности каждой вещи, изысканности и богатстве светотеневых и красочных отношений, эффектности контрастного сопоставления различных фактур и материалов.

“Натюрморт с омаром, рогом для вина и бокалами”. Собрание экзотических и роскошных предметов, разложенных на столе, написано с блестящим мастерством и глубоким чувством цвета. Омар, рог для вина со сверкающей оправой из серебра филигранной работы, прозрачные бокалы, лимон и турецкий ковер переданы с такой изумительной тщательностью, что возникает иллюзия, будто они настоящие и их можно коснуться рукой. Место для размещения каждого предмета выбрано с таким тщанием, что группа в целом образует гармонию цвета, формы и фактуры. Теплый свет, обволакивающий предметы, придает им достоинство драгоценных ювелирных изделий, и их редкостность, великолепие и причудливость отражают утонченные вкусы голландских коллекционеров 17 века - того времени, когда натюрморты были необычайно популярны.

Голландский натюрморт – одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства – темы частной жизни обыкновенного чел-ка. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20-30-х гг. 17 в. голландцы создали особый тип небольшой мелокофигурной картины. 40-60-е гг. – расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование. Еще в кругу Хальса, где сложился и Адриан Браувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый интерес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610—1685) – явился наиболее крупным по своим живописным достоинствам в изображении крестьянского быта. Он изображает обычно теневые его стороны («Драка») Как и другие ее представители, он обычно подходит к своим темам всецело в духе идеологии господствующего класса и либо идеализирует действительность, либо видит в крестьянах лишь забавные существа, нравы которых дают повод для смеха и шуток. («В деревенском кабачке» 1660).

Его искусство приобретает в более поздний период черты лиризма, и прежние сюжеты сменяются изображениями мирного отдыха на пороге хижины или во дворике деревенского трактира, а также интерьерами со сценами тихого семейного уюта («Деревенский концерт», 1655, Эрмитаж). Кроме подобных мелкофигурных картин Остаде часто писал в более крупном плане строго реалистические полуфигуры представителей различных ремесел. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в кт художник прославляет человеческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к патетике.

Но главной темой «малых голландцев» явл-ся все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. В картинах этого жанра будто ничего не происходит. Женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют. Или же они только что познакомились и м/у ними рождается первое чувство, но это лишь намечено, зрителю предоставлено право самому строить догадки. Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626-1679). Для Стена, в отличие от большинства его современников, сюжетная сторона небезразлична. Он отводит в своих картинах повествовательному началу значительную роль и любит изображать те или иные занимательные сцены из повседневной жизни мелкой буржуазии. В них мастер обнаруживает острую наблюдательность, метко характеризует типы и рассказывает выбранные им эпизоды с тонким жизнерадостным юмором. Показательна для него картина «Больная и врач» (ок. 1660 г., Эрмитаж). В позднем периоде деятельности Стена указанные черты утрачивают свою остроту, и, следуя общему течению, он вступает на путь искусства, более нарядного и посвященного проблемам чисто зрительного восприятия реального мира.

Большого мастерства достиг Герард Терборх (1617-1681). Он начал с самых демократических сюжетов («Точильщики»). Отличался предельным мастерством в изображении шелков и атласов, прозрачности стеклянных бокалов, поверхности любой вещи. Фигуры очень часто характеризуются у Терборха известным аристократизмом облика, что объясняется выбором им моделей из среды дворянства. Утонченность искусства Терборха во многом обусловлена и его колоритом, в котором преобладают изысканные серебристые тона. В числе лучших картин художника можно привести «Бокал лимонада» (Эрмитаж) и «Концерт» (Берлин, Далем).

Особую поэтичность у малых голландцев приобретает интерьер. Жизнь голландцев протекала в основном именно в доме. Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689). Иллюзорность передачи вещей отступает у этого мастера на второй план, и интерес сосредоточивается на разработке пространственных отношений, в частности на изображении интерьеров, а также двориков и открывающихся за ними улиц («Хозяйка со служанкой», Эрмитаж, ок. 1660 г.). его комнаты с полуоткрытым окном с брошенным ненароком туфлями или оставленной метлой, как правило, изображены без человеческой фигуры, но чел-к здесь незримо присутствует, м/у интерьером и людьми всегда есть связь. Когда же он изображает людей, то намеренно подчеркивает застывший ритм, изображает жизнь как бы замершую, столь же неподвижную, как и сами вещи («Дворик»).

Замедленный ритм жизни, выверенность распорядка дня, некоторое однообразие существования прекрасно передает Габриэль Метсю (1629-1667; «Завтрак»). Общим характером своих жанровых изображений он близок к Терборху, но более ярок по краскам.

Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с т.н. дельфтской школой, с именем таких художников как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер(1632-1675), известный в истории искусства как Вермер Дельфтский (прозванный по месту его деятельности). Искусство Вермера Дельфтского принадлежит поздней поре развития Голландии. Поколение героических, но грубоватых борцов за независимость и трезвых дельцов - организаторов капиталистического хозяйства - принадлежало уже прошлому. На историческую арену выступили их внуки, которые могли спокойно пользоваться приобретенными благами. В этих условиях складывается живое, радостное искусство последнего этапа расцвета голландской республики.

К этому именно периоду относится зрелое, проникновенное и вместе с тем ясное и простое, несмотря на всю изощренность техники, искусство Вермера Дельфтского. Подлинных произведений Вермера мало, только немногие музеи обладают небольшими и всегда драгоценными картинами Дельфтского мастера. Тематика Вермеера более или менее традиционна; молодые женщины за чтением письма, вышиванием, в обществе кавалера, живописец перед мольбертом, просто мечтающая у окна девушка («Девушка с письмом», Дрезден; «Кавалер и дама у спинет» и т.д.) - словом, все то, что уже не раз изображалось голландскими живописцами. В отношении тематики, в узком смысле слова, у Вермеера нет ничего оригинального. Лишь в редких случаях он обращается к занимательным сюжетам и вносит в композицию элемент действия («У сводни», 1656, Дрезден). Тем не менее, все его образы имеют вполне индивидуальный характер. Какая-то легкая и светлая поэтичность есть во всех изображаемых им персонажах, и наряду с этой поэтичностью и мягкостью особое чувство суровой простоты, что-то подлинно классическое лежит печатью на всех его произведениях.

Вермер, несомненно, один из крупнейших колористов в истории западноевропейского искусства. Не только его тонкий вкус в выборе цветов, но и умение находить их отношения друг к другу делают Вермера одним из самых изысканных мастеров цвета. С предельным чувством меры и такта соединяет он лимонно-желтые, голубые, фиолетовые самых разнообразных оттенков, алые и бледно-зеленые краски в одну звучную тональную гамму. Именно в творчестве Вермера Дельфтского традиционная для голландского искусства проблема света получила свое наиболее совершенное решение. Переливающийся перламутровый свет является одной из характернейших особенностей картин дельфтского мастера. Несомненно, также, что Вермер Дельфтский был одним из наиболее совершенных техников своего времени. Его немногочисленные картины написаны в богатой и разнообразной фактуре. Его способ наложения краски, предопределив позднейшую технику импрессионистов, дал возможность самому Вермеру изображать окутывающий предметы свет во всей его живописной конкретности. Свет в картинах Вермера не просто прозрачная среда, а воздух, богатый тончайшими переходами серебристых тонов.

Вермер делал то, чего никто не делал в 17 в.: он писал пейзажи с натуры («Улочка», «Вид Дельфта»). Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи. Зрелое, классическое в своей простоте искусство Вермера имело огромное значение для будущих эпох.

Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры 17 в. явл-ся творчество Рембрандта. Но значение Р., как всякого гениального художника, выходит за пределы только голландского искусства и голландской школы. Занимая в голландской школе эпохи ее высшего расцвета центральное место, Рембрандт стоит все же особняком среди многочисленных художников своей родины. Им остались чужды и широта диапазона художественных интересов Рембрандта и глубокий психологизм его творчества.

Харменс ван Рейн Рембрандт родился в 1606 году в Лейдене и был сыном зажиточного владельца мукомольной мельницы. Он рано обнаружил влечение к живописи и после недолгого пребывания в Лейденском университете всецело отдался искусству. По окончании обычного трехгодичного срока обучения у малозначительного местного художника Якова Сванненбурха Рембрандт отправился для усовершенствования в Амстердам, где стал учеником Ластмана. Ластман, искусный мастер, обучавшийся в Италии, познакомил Рембрандта с эффектом светотени, применяющейся для передачи объемности и раскрытия драматизма действия. Этот прием станет главным в творчестве художника. Последующие годы Рембрандт работает в Лейдене, снискав репутацию мастера библейских и мифологических сцен. Поэтому 1625-1632 годы обычно наз. лейденским периодом его творчества.

В 1632 году он переезжает в Амстердам, где сразу приобретает известность, написав «Урок анатомии доктора Тульпа». 30-е годы – время наивысшей славы, путь к кт открыла для живописца эта картина, кт считается групповым портретом и носит еще одно название «Урок анатомии». На этом полотне люди объединены м/у собой действием, все представлены в естественных позах, их внимание обращено на главное действующее лицо – доктора Тульпа, демонстрирующего у трупа строение мышц. Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленборха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера. В 1634 году Рембрандт удачно женился на племяннице Хендрика Саскии, а к 1639 году вместе с женой приобрел в столице великолепный дом. До начала 1640-х гг. он пользуется большим успехом у заказчиков, это время его личного благополучия. В знаменитом шедевре этого периода - «Автопортрете с Саскией на коленях» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден) Рембрандт изобразил себя с молодой женой за праздничным столом. Нежные переливы золотистых тонов, потоки света, пронизывающие картину, передают радостное настроение молодого и преуспевающего художника и его жены, полных надежд и мечтаний.

Весь этот период овеян романтикой. Живописец как бы специально стремится в своем творчестве уйти от тусклой бюргерской повседневности. Он пишет себя и Саскию в роскошных нарядах, в фантастических нарядах и головных уборах, создавая эффектные композиции, во всем, в позах, в движениях превалирует общее – радость бытия. (Саския в образе Флоры). Язык барокко наиболее близок выражению этого приподнятого настроения. Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.

В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины «Жертвоприношение Авраама» (1635). В картине прослеживается душевное состояние Авраама, не успевшего при внезапном появлении ангела почувствовать ни радости избавления от страшной жертвы, ни благодарности, а испытывающий пока лишь усталость и недоумение.

Рембрандт всегда уделял большое внимание офорту (гравюра) и рисунку, и вскоре стал крупнейшим мастером графической техники в Европе. Исполненные им в технике офорта портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены отличались новизной художественных приемов, глубоким психологизмом образов, богатством светотени, выразительностью и лаконизмом линий. До нас дошло около двух тысяч рисунков Рембрандта. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, зарисовки сцен повседневной жизни и рождающихся в его воображении замыслов.

На рубеже раннего периода творчества предстает одно из самых знаменитых его картин «Ночной дозор» - групповой портрет стрелковой гильдии. Но групповой портер – это формальное название произведения, вытекающее из желания заказчиков. В "Ночном дозоре" Рембрандт по-новому решает традиционный для голландского искусства жанр группового портрета. Картина (1642, Рейкс Мюзеум, Амстердам) представляет собой групповой портрет членов стрелковой гильдии капитана Баннинга Кока и решена художником как реальная сцена на улице. Рембрандт отказался от принятого в то время статичного расположения всех участников, создав сцену, полную движения. Контрасты света и тени, эмоциональность живописи передают взволнованность события. Картина приобретает исторический характер, повествуя о мужественных людях, готовых с оружием в руках отстоять свободу и национальную независимость своей родины. Заказчики не поняли замысла художника, и, начиная с этой картины конфликт с господствующей средой будет усиливаться, но он не уменьшит энергии мастера, и Рембрандт по-прежнему будет создавать реалистические полотна, замечательные по силе эмоционального воздействия. Эффектная, несомненно, несколько театральная, свободная композиция, как уже говорилось, не ставила своей целью представить каждого из заказчиков. Многие лица просто плохо «прочитываются» в резкой светотени, в контрастах густых теней и яркого солнечного света, на кт выходит отряд (в 19 в. картина так потемнела, что ее считали изображением ночной сцены, отсюда и неправильное название. Тень, ложащаяся от фигуры капитана на светлую одежду лейтенанта, доказывает, что это не ночь, а день). Непонятным и нелепым казалось зрителю появление в этой сцене посторонних, особенно маленькой девочки в золотисто-желтом платье. Все здесь вызывало недоумение и раздражение публики и можно сказать, что с этой картиной начинается конфликт художника и общества. Со смертью Саскии в этом же году происходит естественный разрыв Рембрандта с чуждыми ему бюргерскими кругами.

С годами углубляется реалистическое мастерство Рембрандта. Он отказывается от лишних подробностей и декоративных эффектов в пользу большей глубине и эмоциональной напряженности художественного образа. Очень большое место в творчестве художника начинает занимать камерный портрет. Рембрандт раскрывает духовную жизнь человека, словно длящуюся во времени и прстранстве. Это своего рода портреты-биографии. Таковы, например, «Портрет старушки», «Хендрикье у окна», «Читающий Титус», портреты друзей художника Н.Брейнинга, Я.Сикса, многочисленные автопортреты (более сотни маслом и углем).

40-50-е гг. – это пора творческой зрелости. Это время сложения его творческой системы, из кт многое уйдет в прошлое и кт будут обретены новые, неоценимые качества. Он часто в этот период обращается к прежним произведениям, чтобы их переделать по-новому. Так было с «Данаей», кт он написал еще в 1636 г. Обращаясь к картине в 40-е г., художник усилил эмоциональное состояние. Он переписал заново центральную часть с героиней и служанкой. Придав Данае новый жест поднятой руки, он сообщил ей большую взволнованность, выражение радости, надежды, призыва. Огромную роль играет свет: световой поток как бы окутывает фигуру Данаи, она вся светится любовью и счастьем, этот свет воспринимается как выражение человеческого чувства.

В начале 50-х годов художник создает один шедевр за другим. Он уже вышел из моды, но богатые заказчики не переводились.

В эти годы он выбирает для трактовки наиболее лирические, поэтичные стороны человеческого бытия, то человеческое, кт извечно и всечеловечно: материнскую любовь, сострадание. Наибольший материал ему дает Священное писание, а из него – сцены жизни святого семейства. Религиозная по характеру тематики, но чисто жанровая по трактовке сюжета, эрмитажная картина «Святое семейство» (1645) чрезвычайно характерна для этого времени.

Наряду с библейски-жанровыми композициями этот период изобилует новым для Рембрандта видом изображения действительности — пейзажами. Отдавая в отдельных случаях дань своим романтическим влечениям, он создает наряду с этим захватывающие строгим реализмом подхода картины неприкрашенной голландской деревни. Маленький «Зимний вид» (1646, Кассель), изображающий в свете ясного морозного дня крестьянский двор и несколько фигур на глади замерзшего канала, по тонкости чувства и правдивости зрительного восприятия служит одним из совершеннейших образцов реалистического пейзажа голландцев.

Несмотря на обширность и художественную ценность созданного за этот период, финансовое положение Рембрандта к середине 1650-х годов оказалось чрезвычайно трудным. Из-за падения числа заказов, трудного сбыта картин и в особенности небрежности мастера в ведении своих дел Рембрандт испытывал большие материальные затруднения. Долг, связанный с приобретением еще при жизни Саскии дорого стоившего дома, грозил полным разорением. Попытки выпутаться из задолженности могли только отстрочить катастрофу, но она все же разразилась. Летом 1656 года Рембрандт был объявлен несостоятельным и все его имущество было продано с аукциона. Лишенный привычного крова, он вынужден был перебраться с семьей в бедный еврейский квартал торговой столицы, и здесь в остро ощущаемом недостатке протекали его последние дни.

Эти невзгоды, как и постигшие Рембрандта затем несчастия — смерть Гендрике, смерть единственного сына Титуса, — были бессильны остановить дальнейший рост его гения.

Конец 1650-х и 1660-е годы — наиболее трагичные годы жизни Р., но они полны грандиозной по силе творческой активности Рембрандта. Она представляет как бы синтез всех его предшествующих психологических и живописных исканий. В этих картинах все очищено от преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, тщательно продуманы и осмыслены жесты, позы, наклон головы. Фигуры укрупнены, приближены к передней плоскости холста. Даже небольшие по размеру произведения этих лет создают впечатление необыкновенного величия и истинной монументальности. Главными выразительными средствами явл-ся свет и линии. Было бы вернее сказать про позднего Р., что его цвет «светозарен», потому что в его полотнах свет и цвет едины, его краски как будто излучают свет. Это сложное взаимодействие цвета и света не самоцель, им создается определенная эмоциональная среда и психологическая характеристика образа.

В портретах Рембрандт оказывается теперь свободнее при выборе моделей и пишет по преимуществу лица с ярко выраженной индивидуальностью. Это главным образом пожилые женщины и старики-евреи. Но с той же остротой он оказывается в состоянии передавать очарование молодого женского лица или обаяние юношеского облика. Все мелочное уступает в этих портретах обобщенной, но вместе с тем необычайно острой подаче образа. Этому в значительной мере способствует возрастающая широта манеры технического выполнения.

Завершающим в истории группового портрета было изображение Рембрандтом старейшины суконного цеха – т.н. «Синдики» (1662, Амстердам). заслуженно считается одной из вершин творчества Рембрандта). Острая психологическая характеристика, простота построения, скрадывающая непогрешимость ритма линий и масс, равно как и скупой по количеству цветов, но интенсивный колорит суммируют в себе весь предшествующий путь Рембрандта-портретиста.

В годы зрелости (50-е г.) Рембрандт создал свои лучшие офорты. Отличающие Рембрандта глубина психологического анализа, выразительный реализм образов и совершенство владения художественной техникой сказались в длинном ряде замечательных листов, тематически еще более разнообразных, чем живопись мастера. К числу особенно знаменитых принадлежат «Христос, исцеляющий больных» (так называемый «Лист в сто флоринов», ок. 1649 г.), «Три креста» (1653), портреты Лутмы (1656), Харинга (1655), Сикса (1647), а также пейзажи, известные под названием «Три дерева (1643) и «Поместье весовщика золота» (1651).

Не менее значительное место в графическом наследии Рембрандта занимают рисунки. Острота и своеобразие рембрандтовского восприятия окружающего мира сказались в этих многочисленных и разнообразных листах с особой силой. Манера рисовать, как и живописная манера Рембрандта, заметно эволюционирует на всем протяжении творческого развития мастера. Если ранние рисунки Рембрандта проработаны в деталях и довольно сложны по композиции, то в более зрелый период он выполнял их широкой живописной манерой, необычайно лаконично и просто. Рембрандт обычно рисовал гусиным или тростниковым пером и умел достигать при помощи самых простых приемов исключительной силы выразительности. Р. оставил после себя 2000 рисунков. Его рисунки, даже тогда, когда они являются минутными зарисовками какого-нибудь обыденного мотива, представляют собой законченное целое, вполне передающее все многообразие натуры.

Эпилогом творчества Р. можно считать его грандиозное полотно «Возвращение блудного сына» (около 1668-1669, Эрмитаж), в кт с наибольшей полнотой проявилась эстетическая высота и живописное мастерство художника. Евангельскую притчу о юноше, который ушел из дома, растратил состояние и жалким, оборванным, униженным вернулся к отцу, художник наполняет глубоко человеческим содержанием. Благородная идея любви к страдающему человеку раскрыта здесь в поразительных по жизненной убедительности образах. Лицо старого полуслепого отца и жест его рук выражают бесконечную доброту, а фигура сына в грязном рубище, прильнувшая к отцу, - искреннее и глубокое раскаяние. Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не вызывает столько глубоких и сострадательных чувств. Рембрандт учил своих зрителей любви и прощению. В дальнейшем, в последние годы и месяцы, жизнь Рембрандта протекает внешне спокойно. Пережив Хендрикье и Титуса он умер 4 октября 1669 года.

Р. имел огромное влияние на искусство. Не было в Голландии его поры живописца, кт бы не испытал на себе воздействие великого художника, из которых наибольшую известность приобрели Фердинанд Боль (1616—1680), Гербранд ван ден Экгоут (1621—1674) и Арт де Гельдер (1645—1727). Усвоив тематику, композиционные приемы и типы учителя, они не пошли все же в своей фигурной живописи дальше внешнего подражания рембрандтовским приемам. Живое влияние мастера, напротив того, определенно сказалось у многочисленных примыкающих к нему пейзажистов — Филипса Конинка (1619—1688), Доомера (1622—1700) и других. Но большинство изменило ему, перейдя на позиции академизма и подражания модным тогда фламандцам, а затем, французам.

Как это часто бывает в истории искусства, не смотря на свой гениальный талант, Рембрандт умер в бедности и одиночестве, забытым, никому не нужным мастером. Но чем дальше бежит время, тем ценнее в глазах человечества наследие художника. Можно без преувеличения сказать, что Рембрандт - один из самых величайших художников в истории мирового искусства. Многие назвали бы его непревзойденным. Могила Рембрандта затерялась, но работы его будут жить в веках.

В последней четверти 17 в. начинается упадок голландской живописи, потеря ее национальной самобытности, а с нач. 18 в. наступает конец великой эпохи голландского реализма.