Краткое содержание балета.
“Щелкунчик” открывается небольшой увертюрой, рисующей мир беззаботного детства. Первое действие балета происходит в доме советника Штальбаума. На рождественский праздник приглашено много детей. Они украшают елку. На празднике танцуют взрослые и дети.
Появляется крестный Маши и Фрица - детей советника - Дроссельмейер. Принесенные им заводные куклы пускаются в пляс.
Среди его подарков есть и кукла-щелкунчик. Брат Маши, Фриц, засовывает Щелкунчику в рот слишком большой орех и ломает игрушку. Маша жалеет Щелкунчика. Между тем Дроссельмейер рассказывает детям сказку о прекрасном принце, который был превращен злым Мышиным царем в безобразного Щелкунчика. Рождественский праздник заканчивается комическим танцем Гросфатер, который танцуют все взрослые.
Ночь. Маше не спится. Она спускается в зал проведать больного Щелкунчика. Часы бьют полночь. Вдруг сова на часах превращается в Дроссельмейера, а из щелей в полу появляется множество блестящих огоньков. Это мыши. Елка вдруг начинает расти и превращается в огромное сказочное дерево.
Наиболее драматичный эпизод первого действия - война мышей и кукол. Мышиный царь напал на Щелкунчика. Война идет с переменным успехом. В критический момент битвы Маша, преодолев свой страх, снимает с ноги башмачок, бросает его в Мышиного царя и убивает его. Мыши разбегаются, а Щелкунчик превращается в прекрасного Принца. Он благодарит Машу за спасение и приглашает её следовать за ним. Они подходят к елке и скрываются в ее ветвях.
Сцена превращается в зимний еловый лес. Начинает падать снег, поднимается метель. Звучит “Вальс снежных хлопьев” - самый симфоничный из всех балетных вальсов Чайковского. В музыку вальса включен хор мальчиков за сценой, поющих прекрасную мелодию без слов.
Центральным эпизодом второго акта является знаменитый дивертисмент - сюита из характерных танцев: “Чай”, “Кофе”, “Пастушки”, “Мамаша Жигонь и паяцы”, “Шоколад”, “Трепак”. Завершается сюита поэтичнейшим “Вальсом цветов” - одним из самых популярных номеров балета.
После характерной сюиты следует кульминационный номер всего балета - Адажио Маши и Принца. В конце балета звучит финальный вальс, в котором заняты все участники спектакля. Этот блестящий вальс - своеобразный апофеоз радости первой любви.
Премьера “Щелкунчика” состоялась на сцене Мариинского театра в конце декабря 1892 года и прошла с большим успехом. Балет сразу же стал восприниматься публикой как символ Рождества Христова.
Музыку “Щелкунчика” отличает легкий и прозрачный стиль оркестрового письма, яркая характеристичность образов, присущая детским сказкам, и в то же время глубокий драматизм, символика и порой авторская ирония. Именно музыка, как и во всех трех балетах композитора, поднимает действие сказки на лирико-философский уровень. Чайковский увидел в плане Петипа не феерию, а драму детской души на пороге юности, на пороге радостей и тревог сердца и огромной уверенности в счастье. Этот психологический подтекст от “автора” и стал основным содержанием балета.
Основную тему балета можно сформулировать как “тему духовного роста человека, юношеского предчувствия любви, ожидания счастья и огромного доверия и любви ко всем людям”.
Как известно, музыка живет вечно, танец в классическом варианте живет столетия, а сценическая версия конкретного балетного спектакля живет до тех пор, пока живы ее авторы. После смерти Чайковского и Петипа были многочисленные попытки иного сценического прочтения партитуры Чайковского. Особенно большим переделкам подвергся второй акт балета. Из последних редакций балета Чайковского наиболее удачной представляется постановка балета в Большом театре балетмейстером Ю. Григоровичем.
* * *
В 1893 году появляется кульминационное сочинение П.И. Чайковского - его Шестая симфония.
Мысль о грандиозной симфонии, которая была бы завершением всей его симфонической карьеры, впервые пришла к Чайковскому во время недельного путешествия через океан в Америку. Чайковский предполагал, что это будет необычная симфония. Он даже разработал для нее предварительную программу. Первая часть - порыв, уверенность, жажда деятельности; вторая часть - любовь; третья - разочарование; четвертая кончается смертью.
Непосредственно к сочинению новой симфонии Чайковский приступил лишь в декабре 1892 года, когда завершил работу по подготовке к изданию партитур “Щелкунчика” и “Иоланты”.
П.И. Чайковский говорил, что его симфония программна, но программна не в сюжетно-изобразительном смысле, а как воплощение обобщенной идеи роковой предопределенности человеческой жизни, которая приводит к смерти. Трагический исход борьбы героя симфонии со смертью предопределен уже с самого начала сочинения, с его скорбного вступления.
Финал симфонии написан Чайковским как инструментальный реквием - заупокойная служба.
Первоначально Чайковский думал назвать свою новую симфонию “Жизнь”, но после дал название “Трагическая”. По совету брата Модеста оно было заменено на “Патетическую”.
9 октября композитор выехал в Петербург, чтобы лично продирижировать премьерой симфонии. Впечатление, произведенное ею на публику, было совершенно неожиданным и ошеломляющим: не было привычных для композитора восторгов и оваций. Все были настолько смущены неведомой до того силой трагизма и исповедальностью этой музыки, что даже не решились на аплодисменты.
Через неделю после этой премьеры жизненный путь П.И. Чайковского оборвался. В одном из трактиров он выпил сырой воды, заразился холерой и скоропостижно скончался.
Похоронен Чайковский в Петербурге в Некрополе Александро-Невской лавры, рядом с Глинкой, Мусоргским, Римским-Корсаковым, Бородиным.
* * *
Основная масса произведений П.И. Чайковского отразила настроения, которые переживала определенная часть русского общества - раскаяние и тоску о загубленной жизни, самобичивание, плач о несбывшихся надеждах, тяжкие душевные переживания. Он жил в обществе, которое страдало и тосковало.
Чайковский, как никто из русских композиторов, сумел создать музыкальный портрет своей эпохи. Будучи человеком эмоционально чутким и впечатлительным, он сумел настолько проникнуться духом своего времени, что, по выражению некоторых музыкальных критиков, ловил интонации своих сочинений прямо “из воздуха”. Может быть, именно в этой современности его музыки и заключался один из секретов его прижизненной небывалой славы. Ведь, как известно, в России надо сперва умереть, чтобы потом прославиться.
Контрольные вопросы по теме
“Творчество П.И. Чайковского - основоположника
московской школы русских композиторов”
1. Где родился П.И. Чайковский? Как в детстве называла его гувернантка Фанни Дюрбах?
2. Кто был первым учителем музыки у Чайковского?
3. Где Чайковский получил общее образование?
4. Какую жизненную проблему решил Чайковский в возрасте 21 года?
5. Когда и кем была открыта первая русская консерватория? Кто был учителем композиции у Чайковского в консерватории?
6. Как Чайковский окончил консерваторию?
7. Как относились к Чайковскому композиторы-“кучкисты”?
8. Где служил Чайковский после окончания консерватории?
9. Кто был музыкальным издателем Чайковского?
10. Как Чайковский назвал свою первую симфонию?
11. Кто предложил Чайковскому сюжет увертюры-фантазии “Ромео и Джульетта”?
12. Почему вторую симфонию Чайковского критики назвали “малороссийской”?
13. Как назывался первый балет Чайковского? Когда состоялась его премьера?
14. Какую балетную музыку Чайковский считал образцовой для своего времени?
15. Как сам композитор назвал свои балеты?
16. Кто невольно спровоцировал встречу Зигфрида с Одеттой?
17. Чем заканчивается балет “Лебединое озеро”?
18. Для какого журнала и в каком году сочинил Чайковский фортепианный цикл “Времена года”?
19. Какую роль в жизни Чайковского сыграла Н.Ф. фон Мекк? В чем состояла особенность их отношений? Как называл Чайковский свою благодетельницу?
20. Как сам композитор определил жанр оперы “Евгений Онегин”? Почему?
21. Из каких картин состоит опера “Евгений Онегин”?
22. Как называется симфоническое вступление к III действию оперы Чайковского “Мазепа”?
23. Назовите основные темы творчества Чайковского среднего и особенно позднего периодов творчества.
24. В каком году Чайковский встал за дирижерский пульт?
25. Какая опера Чайковского изобилует мелодраматическими эффектами и имеет кровавую развязку?
26. С каким великим русским писателем познакомился Чайковский в 1888 году?
27. Кто предложил Чайковскому написать балет “Спящая красавица” и написал к нему либретто? Кто автор этой сказки?
28. Назовите имена главных действующих лиц балета.
29. Кто поставил балет Чайковского на императорской сцене?
30. Когда состоялась премьера балета “Спящая красавица”?
31. Какую оперу Чайковский сочинил за 40 дней?
32. В чем состоит отличие повести А.С. Пушкина “Пиковая дама” от оперы П.И. Чайковского?
33. Какие произведения написал композитор после “Пиковой дамы”?
34. Почему для постоянного места жительства Чайковский выбрал Клин?
35. Что послужило литературным источником балета “Щелкунчик”?
36. Как Чайковский назвал свою последнюю симфонию?
Глава 5
Выдающиеся русские композиторы XX века
Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943)
С.В. Рахманинов был равновелик в трех лицах: композитора, пианиста и дирижера. Но в то же время, безмерно одаренный, всесветно знаменитый, богатый, счастливый в семейной жизни, Рахманинов был фигурой трагической. Свидетельство тому - его музыка.
Рахманинов - один из крупнейших русских композиторов конца XIX - начала XX века. Силой своего таланта он дал музыкальное воплощение кризисного, переломного этапа в развитии русской культуры: с одной стороны - пафос грядущих перемен, с другой - ностальгия по уходящей России.
Прожив почти половину XX века, Рахманинов так и не поддался соблазнам модернизма. Он оставался верен себе. Музыкальные снобы упрекали Рахманинова за три “греха”: старомодность, отсталость и салонностъ. Рахманинов не был ни социальным мыслителем, ни стихийным революционером в музыке. Новые музыкальные идеи он развивал в русле традиций русской классической музыки. Наиболее глубоки и тесны его связи с творчеством П.И. Чайковского.
Рахманинов был из тех музыкантов, которые считали мелодию важнейшим элементом музыки. Он - ярчайший мелодист XX века. Красота рахманиновских мелодий сделала его музыку доступной и понятной всем социальным слоям слушательской аудитории как в России, так и за рубежом. Музыку Рахманинова любили Толстой, Чехов, Репин, Станиславский, Шаляпин, Горький. В его творческом наследии много произведений, которые прочно вошли в музыкальный быт, развивая и облагораживая музыкальные вкусы просвещенной России.
Музыкальная одаренность как бы накапливалась в роду Рахманиновых, чтобы вылиться в полную силу в Сергее Васильевиче. Нечто подобное было и с великим музыкальным родом Бахов.
Композиторский талант проявился у Рахманинова необычайно рано. Дед композитора, Аркадий, был выдающимся музыкантом-любителем, которых немало насчитывалось в России первой половины XIX века. Из этой касты вышли лучшие русские музыкальные дарования: Глинка, Даргомыжский, Римский-Корсаков, Бородин, Мусоргский.
Отец Рахманинова, Василий, настаивал, чтобы сын сделал карьеру военного и поступал в Пажеский корпус - привилегированное учебное заведение для гвардейских офицеров. Он считал, что “для достойного человека музыка никогда не может быть профессией, но лишь удовольствием”. Однако, когда сыну исполнилось 9 лет, оказалось, что большинство принадлежащих матери имений отец промотал и проиграл в карты. Пажеский корпус, очень дорогое учебное заведение, отпал сам собой. Решено было делать музыкальную карьеру и поступать в консерваторию.
К тому времени атмосфера в семье сделалась крайне напряженной, и в 1882 году родители разошлись. Мать с детьми переехала в Санкт-Петербург. Здесь девятилетний Рахманинов поступил в младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории. Учеба не задалась. Уверенный в своих незаурядных способностях, Рахманинов ленился, пропускал занятия, не выполнял задания. Кончилось это тем, что консерваторию пришлось оставить.
Помощь пришла от двоюродного брата Рахманинова Александра Зилоти, любимого ученика Ф. Листа, ставшего звездой первой величины в московских музыкальных кругах. Зилоти перевел тринадцатилетнего Рахманинова в Московскую консерваторию в класс к своему бывшему педагогу Н. Звереву и взял на себя все расходы по его дальнейшему воспитанию и образованию. Пианистическая школа Зверева считалась одной из самых строгих и в то же время самых результативных в консерватории. Для Рахманинова началась жизнь, подчиненная суровой дисциплине и серьезным занятиям. Четыре года, проведенные в классе Зверева, выработали у Рахманинова строжайшую дисциплину и высокую культуру творческого труда. Из ленивого, буйного шалопая, готового на всяческие проделки, Рахманинов превратился в сдержанного юношу, со всей серьезностью относящегося к будущей профессии.
На заключительном консерваторском экзамене по гармонии присутствовал П.И. Чайковский. Ему так понравились сочиненные С. Рахманиновым прелюдии, что он поставил ему “5”, окружив ее четырьмя плюсами.
Занятиями по композиции руководили А.С. Аренский и С.И. Танеев. В 1892 году Рахманинов окончил консерваторию с золотой медалью, представив в качестве экзаменационной работы одноактную оперу “Алеко” на сюжет поэмы А.С. Пушкина “Цыгане”. Либретто этой оперы сочинил В.И. Немирович-Данченко. Сам П.И. Чайковский очень высоко оценил оперу юного музыканта. В том же году она была поставлена в Большом театре и имела огромный успех.
В тот год в Большом театре состоялись две премьеры: первой оперы Рахманинова “Алеко” и “Иоланты” - последней оперы Чайковского. Этот факт как бы символизировал эстафету поколений.
Несмотря на видимый успех и известность, материальное положение Рахманинова продолжало оставаться неопределенным. Осенью 1894 года Сергей Васильевич поступает на службу преподавателем теории музыки в Мариинское училище, чтобы иметь хоть какой-то постоянный заработок.
Материальная помощь Зилоти позволила Рахманинову лишь в конце 1901 года оставить тяготившую его работу в Мариинском училище и всецело отдаться творчеству.
Еще будучи студентом консерватории Рахманинов много сочиняет и становится известен в музыкальных кругах Москвы как автор Первого фортепианного концерта, симфонической поэмы “Утес”, “Элегического трио”, посвященного памяти П.И. Чайковского, большого количества романсов и Первой симфонии. Именно это сочинение послужило причиной первого сильнейшего творческого кризиса Рахманинова, длившегося три года. Дело в том, что на премьере эта симфония под управлением А. Глазунова с треском провалилась. Музыкальная критика была беспощадна. От всего этого Рахманинов впал в состояние крайней апатии, перестал сочинять.
Положение отчасти спас Савва Мамонтов, меценат, владелец собственного оперного театра. В мамонтовской частной опере были осуществлены постановки опер М. Глинки, А. Даргомыжского, А. Серова, многих сочинений композиторов “Могучей кучки”. Этот театр сыграл значительную роль в утверждении на русской оперной сцене принципов реалистичности и художественной цельности спектакля. Вот в этом-то театре Савва Мамонтов в 1899 году и предложил “безработному” Рахманинову занять место второго дирижера. В театре Рахманинов познакомился и подружился с великим русским певцом и артистом Ф.И. Шаляпиным, художниками В. Васнецовым, М. Врубелем, К. Коровиным, И. Левитаном, В. Серовым и др. В театре Рахманинов прослужил два года.
Теплые и дружеские отношения у Рахманинова устанавливаются со многими представителями аристократической, литературной и музыкальной Москвы. Среди них - с артистами Московского художественного театра, в особенности с К.С. Станиславским. Взаимной симпатией отмечены отношения С.В. Рахманинова с писателями А.П. Веховым и И.А. Буниным.
К тому же времени относятся знакомства Рахманинова с деятелями Московского художественного театра, встречи с А.П. Чеховым и И.А. Буниным. В театре Рахманинов прослужил два года.
Выйти из состояния глубокого душевного кризиса помог Рахманинову известнейший врач-гипнотизер Н. Даль, сын создателя “Толкового словаря живого русского языка”. Ему Рахманинов посвятил свой знаменитый Второй концерт для фортепиано с оркестром.
Тяжелая депрессия, длившаяся около трех лет, обернулась для него “периодом накопления творческих сил”.
В 1904 году за Второй фортепианный концерт Рахманинову была присуждена Глинкинская премия, учрежденная известным меценатом М.П. Беляевым.
После трехлетнего кризиса композитор вступает в полосу интенсивного творчества. Его итог - кантата “Весна”, две оперы “Скупой рыцарь” и “Франческо да Римини”, десять фортепианных прелюдий и 27 романсов.
В 1904 году Рахманинов становится дирижером Большого театра, завоевывая сразу же непререкаемый авторитет. Осуществленные под руководстом С. Рахманинова новые постановки “Ивана Сусанина” М.И. Глинки, “Пиковой дамы” П.И. Чайковского, “Князя Игоря” А.П. Бородина явились событиями в музыкальной жизни Москвы и в истории сценической жизни самих опер.
В течение 12 лет, вплоть до революционных событий в России, не ослабевает интенсивность рахманиновского творчества. В 1910 году Рахманинов обращается к духовной музыке. Он пишет целиком Литургию св. Иоанна Златоуста, а несколько позже - целиком “Всенощное бдение”. В основу этих монументальных сочинений для хора без сопровождения положены старинные знаменные распевы. Эти сочинения далеко выходят за пределы прикладной богослужебной музыки и представляют собой крупные произведения типа хоровой кантаты, обладающие самостоятельной эстетической ценностью. В настоящее время эти духовные сочинения чаще исполняются на концертной эстраде, чем на церковном клиросе (клирос - место в церкви, где располагается хор певчих).
В разнообразном творческом наследии Рахманинова центральное место занимают фортепианные сочинения. Композитор сам был величайшим пианистом своего времени. Свою знаменитую до-диез-минорную прелюдию (“Колокольную”) Рахманинов написал, когда ему было 18 лет, и продал ее издателю за 40 рублей.
Позже появляются два цикла прелюдий (1903 и 1910 гг.) и два цикла под названием “Этюды-картины” (1911, 1917 гг.). Эти циклы не считаются программными, но в них чувствуется стремление композитора показать живописно выразительный и конкретный образ. Нередко таким образом являлся колокольный звон, ассоциировавшийся в сознании композитора с темой вечности, родины, России, с этапами человеческой жизни. Звон колоколов - центральная звуковая идея фортепианных концертов Рахманинова, и прежде всего самого популярного - Второго (1901). С поразительной точностью и простотой этот образ воссоздается аккордовым вступлением к первой части концерта.
Подобно П.И. Чайковскому, Рахманинов много и постоянно размышляет о человеческой жизни, о судьбе, о смерти, о вечных проблемах бытия. Эта лирико-философская линия рахманиновского творчества наиболее полно воплотилась в симфонической поэме для оркестра, хора и солистов “Колокола”. Сочинена эта поэма на стихи Эдгара По в переводе Бальмонта в 1913 году. В четырехчастной композиции запечатлелось все: серебряный звон весенней поры жизни; золотой свадебный звон, тревожный гул набата и “железный скорбный звук” похоронного перезвона колоколов. Вместе со Вторым и Третьим фортепианными концертами “Колокола” - одна из вершин рахманиновского творчества.
Особое место в творчестве композитора занимают романсы. Рахманинов сочинял их преимущественно на тексты русских поэтов. Из 80 романсов лишь шесть написаны на стихи Гёте, Гейне, Гюго. Во всех романсах Рахманинова вокальную мелодию сопровождает тщательно разработанное фортепианное сопровождение. Уже в юношеские годы Рахманинов создал романсы, ни в чем не уступающие лучшим образцам жанра. Особой проникновенностью и тонкостью эмоциональной нюансировки отличаются романсы “Сирень” (сл. Е. Бекетовой), “Здесь хорошо” (сл. Г. Галиной). У Рахманинова есть и романсы, проникнутые бурным жизнеутверждающим пафосом (“Весенние воды” на сл. Ф. Тютчева). Образцом мелодического дара Рахманинова справедливо считают его “Вокализ”.
Перед первой мировой войной Рахманинов много гастролирует в России и за рубежом. Приезжал Рахманинов с концертами в Курск и в Орел.
В обычной повседневной жизни Рахманинов был достаточно необщительным и даже замкнутым человеком. Будучи по духу последним русским романтическим композитором, Рахманинов в свой интимный душевный мир не допускал никого. Это была самозащита легкоранимой личности, оберегающей свой внутренний мир от постороннего вторжения. Рахманинов говорил о себе: “Во мне 85% музыканта и только 15% человека”.
Рахманинов был женат на своей двоюродной сестре Наталье Сатиной, ставшей ему верным и преданным помощником во всех жизненных трудностях. Никогда не имевший своего дома, Рахманинов покупает у своего тестя имение Ивановку и делает из неё “табакерку”, образцовое хозяйство. Он выписывает из-за границы трактор, сельскохозяйственные машины; для личного пользования - легковой автомобиль. Для ежедневных упражнений и сочинений был приобретен великолепный рояль американской фирмы “Стейнвей”. Все средства, получаемые Рахманиновым от гастрольных выступлений, вкладывались в Ивановку.
Все рухнуло в революцию. Ивановские мужики не пощадили “доброго барина”. Имение и дом были разграблены, а любимый рояль просто выкинули из окна второго этажа. Рахманинов понимает, что в “новой” России ему места нет, и принимает решение эмигрировать.
В ноябре 1917 года с разрешения Советского правительства Рахманинов с семьей выезжает за границу. Еще через год Рахманинов переезжает на постоянное место жительства в Америку. Здесь развернулась многолетняя концертная деятельность великого русского музыканта. Вскоре Рахманинов завоевывает положение первого пианиста мира.
Концертировал Рахманинов по Америке очень интенсивно. Чтобы избавиться от гостиниц и поисков хорошего рояля, упростить свое походное существование, Рахманинов приобрел пульмановский мягкий вагон, оборудовал его под жилье и поставил рояль. По мере надобности этот вагон или прицепляли к очередному экспрессу, или отводили на тупиковые пути.
В свои концерты, наряду с исполнением собственных сочинений, Рахманинов включал и музыку других композиторов: Скрябина, Метнера, Бетховена, Листа, Шопена, Грига, Брамса.
Рахманинов много записывался на пластинки. Благодаря этому, сейчас любой интересующийся пианистическим стилем Рахманинова может составить собственное мнение об игре этого величайшего пианиста.
В последние годы жизни Рахманинова постоянно терзали ностальгические воспоминания о России. Рахманинов никогда не считал себя космополитом и всегда подчеркивал, что он русский музыкант, что всеми корнями, средой, воспитанием, творчеством он неразрывно связан с родиной. Он писал: “Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя. У изгнанника, который лишился музыкальных корней, традиций и родной почвы, не остается желания творить, не остается иных утешений, кроме нерушимого безмолвия и воспоминаний”. Рахманинов был слишком русским композитором, чтобы “привиться” к дереву западного искусства, как это удалось Игорю Стравинскому.
За 25 лет заграничной жизни Рахманинов создал всего шесть произведений. Из них особо следует отметить “Рапсодию на тему Паганини” для фортепиано с оркестром (1934), “Симфонические танцы” (1940), Третью симфонию (1936). Третья симфония стала явлением в эволюции национального русского симфонизма. В этой симфонии с потрясающей силой выражена тоска по родной земле, по родине. Многие исследователи рахманиновского творчества считают, что Третья симфония - произведение автобиографическое.
“Симфонические танцы” сам Рахманинов выделял как свое лучшее сочинение. Он надеялся, что известный хореограф Михаил Фокин поставит балет на эту музыку. Композитор с балетмейстером даже обсуждали сценарный план будущего балета. Реализовать замысел не удалось из-за смерти Фокина, последовавшей в 1942 году.
Патриотизм Рахманинова особенно ярко проявился во время Второй мировой войны. Передавая сбор с одного из своих концертов в Фонд обороны СССР, он написал: “От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу”.
* * *
Глубоко упрятанная печаль никогда не покидала Рахманинова. Даже в его юношеских сочинениях чувствовалась какая-то омраченность. Рахманинов рано миновал пору беззаботного детства. Тогда же началась жизнь по чужим людям, нужда, доходившая до нищеты: богатые дальние родственники в складчину покупали ему пальто. Постоянная зависимость от всех и вся унижала гордость Рахманинова. Успех консерваторских экзаменов и смелые надежды на будущее вскоре сменились отчаянием, в которое поверг его провал Первой симфонии.
Признание приходило не сразу. Аплодисменты доставались пианисту и дирижеру, но не композитору. С потерей Родины в 1917 году для широкой публики останется лишь Рахманинов-виртуоз. Все это вместе взятое, несмотря на весь внешний блеск и шум, позволило Б. Асафьеву говорить о Рахманинове как о человеке с “навек раненным сердцем”.
Скончался Рахманинов после продолжительной болезни (рак позвоночника) в Беверли Хилз 28 марта 1943 года, не дожив неколько дней до 70 летия.
“Никогда не было более чистой, святой души, чем Рахманинов”, - писал о нем пианист И. Гофман.
Контрольные вопросы по теме
“Жизнь и творчество С. Рахманинова”
1. В чем упрекали С. Рахманинова музыкальные снобы?
2. В каком возрасте Рахманинов начал свое музыкальное образование?
3. Был ли Рахманинов прилежным учеником?
4. Какое сочинение было дипломной работой Рахманинова к окончанию Московской консерватории?
5. Что послужило причиной глубокого творческого кризиса молодого Рахманинова?
6. Кто такой Савва Мамонтов?
7. Кому посвятил Рахманинов свой Второй концерт для фортепиано с оркестром?
8. Как называется самая знаменитая фортепианная прелюдия Рахманинова? Когда она сочинена?
9. Какая вокально-симфоническая поэма Рахманинова написана на стихи Эдгара По?
10. Сколько романсов сочинил Рахманинов?
11. Где провел Рахманинов последние 25 лет жизни?
12. Сколько произведений создал Рахманинов за границей?
13. Кто собирался ставить “Симфонические танцы” на балетной сцене?
14. Как называл Рахманинова Б.В. Асафьев?
15. С кем из русских композиторов второй половины XIX века наиболее тесно связано творчество С.Р. Рахманинова?
Александр Николаевич Скрябин (1872-1915)
А.Н. Скрябин родился в Москве в 1872 году в семье военнослужащего. Скрябин принадлежал к дворянскому сословию.
С 13 лет Скрябин начал серьезно заниматься фортепиано и теорией музыки под руководством одного из лучших московских педагогов, Н. Зверева. У этого педагога одновременно со Скрябиным учился и С. Рахманинов.
В 15 лет Скрябин - студент Московской консерватории, которую он окончил через пять лет с золотой медалью. Скрябин много сочиняет фортепианной музыки, много выступает как в России, так и за границей. Травма правой руки не позволила ему стать концертирующим пианистом. К концу 90-х годов Скрябин почти целиком сосредоточился на сочинении музыки, а на концертной эстраде исполнял лишь собственные произведения.
Значительную роль в жизни Скрябина сыграл М.П. Беляев, лесопромышленник-миллионщик, страстный любитель и пропагандист русской музыки. Вокруг этого человека в конце XIX века организовался творческий союз композиторов, подобный распавшейся к тому времени “Могучей кучке”. В Беляевский кружок входили композиторы А. Глазунов, А. Лядов, Н. Черепнин, А. Бородин, В. Стасов. Возглавлял Беляевский кружок Н.А. Римский-Корсаков. Сюда же входил и молодой Н. Скрябин. М. Беляев владел собственным музыкальным издательством. Он увидел в Скрябине незаурядный музыкальный талант и взял над молодым композитором опеку в качестве импресарио и издателя. Благодаря его усилиям в 1896 году с произведениями Скрябина познакомилась Европа. Композитору в это время было 24 года.
К этому же времени относится серьезное увлечение Скрябина философией. Под влиянием зарубежных философов-идеалистов Скрябин начал сильно преувеличивать созидательные возможности искусства, считая его средством преобразования мира. Молодой композитор полагал, что создать произведение - значит внушить людям некую важную истину, ведущую в конечном итоге к благотворным переменам. Музыка и философия в сознании Скрябина стали подобны двум сообщающимся сосудам.
Скрябин - философствующий лирик, избравший предметом своего художественного творчества духовный мир человека и всеобщие законы развития мира в их идиалистическом понимании. Из взаимодействия обобщенно-философической образности и лирики и родилась скрябинская поэмность.
Выдающийся русский музыковед Б.Ф. Асафьев дал образное определение жанру симфонической поэмы как “проекции личности в мир”.
Многим своим сочинениям Скрябин предпосылал литературные программы. Они абстрактно-философские и не раскрывают всей сущности его музыки. Вот несколько образцов такого рода программных обозначений: “душа бросается в пучину страдания и скорби”, “благоухания гармонии просвечивает ущербленная и беспокойная душа”, “любовь, грусть, смутные желания, невыразимые мысли”, “победное пение звучит торжествующе”.
В силу необычности содержания и формы сочинений Скрябин многие из них называл поэмами. Это относится как к фортепианным, так и к симфоническим сочинениям. Среди последних наиболее значительной является Третья симфония (1904), которую автор назвал “Божественной поэмой”. В поэме три части. Они называются “Борьба”, “Наслаждение”, “Божественная игра”.
После премьеры “Божественной поэмы” Скрябин в течение пяти лет жил за границей: московская жизнь не устраивала композитора; московская публика его не понимала. Смерть М. Беляева (1904) ухудшила и без того трудное материальное положение композитора. Он лишился своего преданного друга, советчика и мецената.
В 1907 году Скрябин завершает работу над “Поэмой экстаза”. Эта поэма вбирает в себя черты многих его произведений последних лет. Симфонические сочинения Скрябина строятся не на непрерывном развитии основных контрастных тем, как это было у композиторов-классиков, а на сцеплении разнохарактерных музыкальных тем-символов, определяющих этапы сквозного действия. “Тема мечты” сцепляется с “Темой полета”. Следующие “Тема протеста” и “Тема воли” подготавливают основную тему поэмы - “Тему самоутверждения”, которая, пройдя многочисленные фазы развития, превращается в “Тему экстаза”. В оркестре эту тему исполняет сольная труба. Общая звучность оркестра в конце достигает такой ослепительной силы, что ее часто сравнивают с солнечным светом.
Основной драматургический стержень этого скрябинского сочинения можно сформулировать так: “От высшей утонченности к высшей грандиозности”.
Вслед за “Поэмой экстаза” Скрябин создает свое последнее завершенное произведение для оркестра - “Поэму огня”, которую он назвал “Прометей” (1909). Скрябин посвятил свою поэму герою, совершившему дерзновенный подвиг - похищение огня ради счастья людей. Вполне можно предположить, что автор музыки ассоциировал себя с героем древнегреческого мифа.
Мощь оркестрового звучания в этой поэме усилена еще солирующим фортепиано, органом и хором, поющим без слов. Кроме того, Скрябин решил еще воздействовать на публику и светом, специально обозначив в партитуре моменты вступления, изменения интенсивности освещения зала различными цветами. Это был первый опыт создания цветомузыки. В начале века цветомузыка была открытием. (Известно, что у Скрябина, как и у Римского-Корсакова, был “цветной” слух: они каждую тональность слышали в определенной цветовой гамме). Первое исполнение этой “цветомузыкальной” поэмы состоялось в Нью-Йорке в “Карнеги Холле” в 1915 году.
В последний период творчества (1910-1915) сочинение музыки Скрябиным все более приобретало характер мистического священнодействия.
Творчество его завершилось набросками “Мистерии” - произведения, рассчитанного на грандиозный исполнительский состав и адресованного десяткам тысяч слушателей. Оно призвано было изменить ход истории и сделать жизнь всего человечества счастливой. Скрябин полагал, что у “Мистерии” не будет публики: будут участники и “посвященные”, которые под воздействием скрябинской музыки должны будут пережить космогоническую историю “божественного” и “земного”, достигнув в конце желанной цели - великого чуда объединения мира и духа. Скрябин полагал, что своей “Мистерией” он поможет человечеству приблизиться к Богу.
В качестве подготовительного варианта “Мистерии” Скрябин задумал театрализованную композицию под названием “Предварительное действие”. Были сочинены поэтические и музыкальные эскизы, но дальнейшую работу по реализации грандиозного замысла прервала скоропостижная смерть композитора. Его жизненный путь оборвался довольно нелепо: он умер в неполных 44 года от фурункула на губе, приведшего к общему заражению крови.
Скрябину не дано было убедиться в утопичности своих идей. Проживи он еще два года, он был бы свидетелем Октября 1917 года и тех событий, которые последовали за этим.
Современник Скрябина, социалист Г.В. Плеханов говорил о нем: “Музыка его - грандиозного размаха. Эта музыка представляет собой отражение нашей революционной эпохи в темпераменте и миросозерцании идеалиста-мистика”.
* * *
Творчество Скрябина - пример исключительного новаторства в области музыки. Скрябин, как и Рахманинов, начинал свой творческий путь подражая Шопену. Но буквально через несколько лет каждый из них проявил себя как яркий композитор-новатор. Если музыкальный язык Рахманинова более традиционен и опирается на русскую крестьянскую песенность, то музыкальный язык Скрябина, не имеющий такой национальной почвы, более субъективен, сложен для восприятия неподготовленной публики.
С живым народным творчеством, так же как и с народным бытом, Скрябин соприкасался очень мало. Особенности домашней обстановки, в которой он рос, рано оставшись без матери, усилили в нем черты отъединенности от окружающего мира. С ранних лет творчество составляло главный смысл его жизни. У Скрябина рано проявилась склонность к “умному” творчеству, к переводу непосредственных эмоциональных впечатлений в рациональные концепции.
Скрябин никогда не ощущал себя частью народа. По своему мировоззрению он - субъективный идеалист. Скрябин ненавидел прозу жизни, устремляясь мечтой в недосягаемые туманные дали. Он жил в мире своих идей, своих образов, по-своему воспринимал действительность, мало заботясь о том, соответствуют его представления действительности или нет.
Творчество Скрябина - яркий пример музыкального символизма, аналогичный поэтическому символизму К. Бальмонта, Д. Мережковского, З. Гиппиус, Н. Бердяева. Вместе с тем в своих философских исканиях Скрябин, как и столетием раньше Бетховен, также отдавший дань социальным утопиям, оставался прежде всего тонко и глубоко чувствующим художником с присущим ему стихийным ощущением целостности человеческого бытия. При всей утопичности скрябинских идей о переустройстве мира, его музыка излучает энергию исключительной силы, прославляя могущество человеческого духа, зовущего к героическому подвигу.
“Иду сказать людям. Что они сильны и могучи”, - говорил он. Эти слова - не просто декларация. Композитор создал незабываемые образы героической борьбы за счастье, которые в накаленной атмосфере предреволюционных лет прозвучали как эстетические призывы к невыразимо прекрасным мирам “в пространстве тонущих светил”.
Диапазон эмоциональных состояний в его музыке необычайно широк. На одном его полюсе - хрупкость, застенчивость, трепетная лирика. На другом - волевые призывы, неистовый темперамент, жесткий натиск.
Скрябин одним из первых нашел способ музыкой передать космический полет, космическую безграничность.
Контрольные вопросы по теме
“Жизнь и творчество А.Н. Скрябина”
1. Где Скрябин получил музыкальное образование?
2. Какую роль в жизни Скрябина сыграл М.П. Беляев?
3. Какой философией увлекался Скрябин?
4. Как называется Третья симфония Скрябина?
5. Какое знаменитое сочинение Скрябина появляется в 1907 году?
6. В чем заключается необычность скрябинской поэмы “Прометей”?
7. Каким сочинением Скрябин намеревался изменить ход истории и сделать все человечество счастливым?
8. С кем из поэтов-символистов близко соприкасается Скрябин?
Серегей Сергеевич Прокофьев (1891-1953)
С.С. Прокофьева называют классиком XX века. Он - смелый композитор-новатор, открывший новые средства музыкальной выразительности в области мелодики, ритма, гармонии, инструментовки.
Творчество Прокофьева необычайно многогранно. Он писал и сложнейшие произведения для взрослых слушателей, и музыку, предназначенную для самых маленьких. Он создал оперы, балеты, симфонии, концерты, сонаты и сюиты, кантаты, музыку для театра и кино.
* * *
Прокофьев родился 23 апреля 1891 года в селе Солнцевка в интеллигентной русской семье. Отец его был ученым-агрономом, управлявшим большим поместьем. Здесь под руководством матери, хорошей пианистки, и начались занятия музыкой будущего композитора.
В “Автобиографии” Прокофьев упоминает, что к девяти годам он был уже автором двух “опер”: “Великан” и “На пустынных островах”. Разумеется, это были по-детски наивные сочинения, но сам факт их появления свидетельствовал о незаурядном даровании и настойчивости их автора в достижении поставленной цели.
Видя незаурядные успехи сына, мать решает показать его С.И. Танееву, профессору Московской консерватории. Признав у мальчика несомненное дарование, Танеев посоветовал ему начать серьезные занятия гармонией и изучение музыкальной литературы с кем-нибудь из выпускников консерватории. С этой целью в Солнцевку приехал Р.М. Глиэр - будущий композитор, а в то время выпускник консерватории с золотой медалью.
В течение летних месяцев 1902-1903 годов продолжались эти занятия. Их результатом стало поступление тринадцатилетнего мальчика в петербургскую консерваторию. А.К. Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков, входившие в приемную комиссию, были восхищены абсолютным слухом, умением читать с листа и “солидным” творческим багажом абитуриента.
В консерватории учителями Прокофьева были знаменитые русские композиторы А. Лядов и Н. Римский-Корсаков.
Через пять лет Прокофьев заканчивает консерваторию как композитор, позже - как пианист. На выпускном конкурсе пианистов он завоевывает золотую медаль и премию имени А. Рубинштейна - великолепный рояль. На этом конкурсе Прокофьев выступил с исполнением своего Первого концерта для фортепиано, оценить по достоинству который сумели далеко не все члены жюри. Консерваторы называли музыку этого концерта “варварской” и предлагали надеть на ее автора “смирительную рубашку”.
С этого конкурса начинается громкая слава Прокофьева как композитора. Его концертные выступления были почти всегда сенсационными. Равнодушных к творчеству молодого Прокофьева не было. Этот период в жизни композитора порой называют “вулканически-пламенным”, периодом “бури и натиска”. Композитор стремительно завоевал одно из ведущих мест в музыкальном мире России. С. Прокофьев в полной мере осознавал, что открывает новые горизонты в музыке и был уверен в правильности избранного пути.
За успешнее окончание консерватории Прокофьев получает от матери обещанный подарок - поездку за границу. Он едет в Лондон, после - в Рим и Неаполь. В этой поездке он знакомится с известным антрепренером русской балетной труппы за границей, Сергеем Дягилевым. Дягилев посоветовал молодому автору не слишком увлекаться новомодным западным футуризмом, а писать “по-русски”. У Прокофьева возникает замысел балета на русскую тему. Заимствуя сюжетные линии из сборника русских народных сказок, Прокофьев пишет музыку балета “Сказка про шута, семерых шутов перешутившего”. Балет получился живой, изобилующий остроумными и ироничными эпизодами, напоминавшими скоморошьи игры. Постановка “Шута” дягилевской труппой принесла Прокофьеву сенсационный успех в Париже.