Краткое содержание оперы.
Ночь. Лепорелло жалуется на жизнь. Похождения господина доставляют верному слуге сплошные беспокойства. Сейчас Лепорелло ждет Дон-Жуана у дома донны Анны. Донна Анна поднимает шум, удерживая пытающегося бежать соблазнителя.
Отец донны Анны - старый командор - вызывает Дон-Жуана на поединок и падает, сраженный его шпагой. Но Дон-Жуан скоро забывает о кровавой ночи, ища новые приключения. Он следует за прекрасной незнакомкой, но с разочарованием узнает в ней давно покинутую донну Эльвиру, страдания которой вызывают у него лишь досаду.
Проходит свадебная процессия. Крестьяне Мазетто и Церлина празднуют свою свадьбу. Молоденькая невеста приглянулась Дон-Жуану. Внезапное появление донны Эльвиры, затем Анны с женихом - доном Оттавио расстраивает планы коварного соблазнителя. С ужасом узнает донна Анна убийцу своего отца и призывает жениха к мести.
Праздник в замке Дон-Жуана. Танцуя с Церлиной, Дон-Жуан незаметно увлекает ее из зала. Внезапно раздаются мольбы девушки о помощи. Дон-Жуан и Лепорелло вынуждены бежать.
Дон-Жуан переодевается в платье Лепорелло. Обманом он хочет встретиться с Церлиной. Он поет серенаду под балконом Эльвиры. Когда же доверчивая донна Эльвира выходит, она падает в объятия Лепорелло, переодетого Дон-Жуаном. Неузнанный Дон-Жуан встречает Мазетто, который вместе с крестьянами ищет оскорбителя Церлины. Ловкий обманщик направляет преследователей по ложному пути и, избив Мазетто, скрывается.
Господин и слуга встречаются ночью на кладбище. Дон-Жуан с беспечным смехом рассказывает о своих похождениях. Внезапно слышится грозный голос статуи убитого командора. Дон-Жуан приглашает статую к себе на ужин.
Зал в замке Дон-Жуана. Эльвира умоляет его оставить порочные увеселения. Внезапно раздаются тяжелые шаги статуи командора. “Нет!” - гордо отвечает Дон-Жуан на требование покаяться. Слышаться удары грома, сверкает молния. Дан-Жуан проваливается в преисподнюю.
После прослушивания “Дон Жуана” Гайдн сказал Моцарту: “Вольфганг, вы столько знаете о человеческих чувствах, что кажется, будто сначала вы их придумали, а потом уже люди усвоили их и ввели в свой обиход”.
К. Глюк - главный капельмейстер австрийского императора - скончался в тот самый день, когда Моцарты вернулись в Вену после пражской премьеры “Дон Жуана”. С ним случился инсульт, или, как тогда говорили, “аппаплексический удар”.
В 1787 году, через три дня после похорон Глюка, состоялся императорский указ, по которому Моцарт назначался придворным камермузыкантом и сочинителем танцев с годовым жалованием 800 гульденов. То, к чему всю жизнь стремился папа, наконец-то осуществилось. Радости от этого события поубавилось, когда Моцарт узнал, что Глюк получал 2000 гульденов, а его место занял Сальери. Про эти 800 гульденов Моцарт писал: “Слишком много за то, что я делаю, и слишком мало за то, что я мог бы сделать”.
Танцевальные пьесы Моцарта издатель продавал но 1 гульдену и 3 крейцера за штуку. Гульден полагался издателю, 3 крейцера - автору.
* * *
Будучи представителем венской классической школы, Моцарт, как и Гайдн, большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии - Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая (“Юпитер”), - созданные в 1788 году (Моцарту шел тогда тридцать третий год). В этих симфониях окончательно закрепились четырехчастный цикл и правила сочинения сонатной формы.
Симфония № 40 соль минор - самая популярная из симфоний Моцарта. По задушевности и лирической взволнованности она представляет собой уникальное явление в симфонической музыке.
“Маленькую ночную серенаду” Моцарт написал к пятой годовщине свадьбы с Констанцией. Впервые она была исполнена на приеме, устроенном Моцартом по этому случаю на деньги, занятые под залог папиного наследства.
Фортепианное наследие композитора включает 19 сонат, а также фантазии, сочинения, основанные на импровизации и свободные по форме. Наиболее известны Соната Ля мажор с Турецким маршем в финале и Фантазия Ре минор.
* * *
Моцарт часто посещал музыкальный салон барона ван Свитена, занимавшего пост придворного цензора. Это было единственное место в Вене, где аристократы-меломаны и музыканты встречались как равные. Это было дворянское общество любителей классической музыки. (Имя этого мецената вошло в историю еще и потому, что благодаря его скупости Моцарт был похоронен по третьему разряду в могиле для бедняков).
В библиотеке барона Моцарт познакомился с сочинениями И.С. Баха и был ими восхищен. Для него творчество Баха-отца было открытием, ибо ни одно произведение лютеранского кантора в католической Вене не исполнялось.
В Вене у Моцарта состоялись два поистине исторических знакомства. Первое знакомство было с молодым двенадцатилетним Бетховеном, приехавшим в Вену в надежде стать учеником Моцарта. Оплачивать эти уроки было некому, и, послушав импровизацию Бетховена за фортепиано, Моцарт лишь пророчески предрек: “Обратите внимание на него! Он всех заставит говорить о себе!” Творческое общение двух великих музыкантов не состоялось еще и потому, что в это время умирает мать Бетховена, и он вынужден был возвратиться в Бонн и взять на себя все заботы по содержанию семьи.
С Гайдном Моцарт познакомился в 1785 году, когда прославленному капельмейстеру было 52 года. Познакомил их все тот же ван Свитен.
Моцарт называл Гайдна “папа Иосиф” и говорил ему “ты”. Этих двух людей связывала большая взаимная симпатия и творческая дружба. Позже Моцарт говорил: “Никто не в состоянии делать все: балагурить и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать и все одинаково хорошо, как это умеет Гайдн”.
Гайдн был одним из немногих, кто понял и оценил всю глубину таланта Моцарта. “Я считаю вашего сына величайшим композитором из тех, о ком я когда-либо слышал”, - говорил он отцу Моцарта.
* * *
Последняя опера Моцарта “Волшебная флейта” - одно из величайших его созданий. Опера эта представляет собой музыкальную философскую сказку. В музыке противопоставляются образы света (жрец Зарастро) и тьмы (царица Ночи), психологически тонко обозначены чувства любящих друг друга Тамино и Памины, яркими музыкальными красками нарисованы простодушно-комедийные образы птицелова Папагено и его подружки Папагены - традиционных персонажей австрийского народного театра.
Великодушием Моцарта пользовались и часто его обманывали. Так было и с театральным антрепренером Шиканедером, знакомым Моцарта по Зальцбургу. Антрепренер прогорел и обратился за помощью к Моцарту, попросив его написать веселый зингшпиль с чудесными превращениями, чтобы заинтересовать публику. За “Волшебную флейту” Шиканедер обещал дать Моцарту 25 дукатов при подписании договора, еще 25 - по окончании партитуры и 50, когда опера будет поставлена.
Моцарт написал оперу безвозмездно, прося лишь вернуть ему партитуру, рассчитывая на ее продажу в дальнейшем.
Шиканедер, благодаря “Волшебной флейте”, поправил дела и, не заплатив автору за его труды ни копейки, без его ведома продал партитуру.
Вскоре “Волшебная флейта” облетела всю Германию и стала одной из самых репертуарных опер. Уже через год после смерти ее автора было объявлено сотое представление, а через три года - двухсотое! Моцарт к тому времени давно уже был в могиле.
Светлая поэзия “Волшебной флейты” оказалась одной из последних радостей Моцарта. Ко времени ее окончания оперы он уже был смертельно болен.
* * *
Еще до окончания оперы Моцарт, при довольно странных обстоятельствах, получил заказ на реквием. К нему явился человек, одетый в черное, заказал Реквием и скрылся.
Это посещение произвело на Моцарта тягостное впечатление. Нужды, заботы, неудовлетворенность положением начали пагубно сказываться на настроении и здоровье. Веселый и беспечный Моцарт стал мрачным. Часто со слезами на глазах он говорил, что пишет реквием для самого себя. Его преследовала мысль, что он отравлен.
Реквием - произведение траурного характера для хора и солирующих голосов в сопровождении оркестра. Первоначально реквием был заупокойной мессой в католической церкви, но позднее стал концертным произведением.
Незадолго до смерти Моцарт написал последнее письмо. Адресовано оно либреттисту да Понте, с которым он сочинил две свои лучшие оперы. Да Понте приглашал Моцарта в гастрольную поездку по Англии, гарантируя ему полный успех. Письмо Моцарта - ответ на приглашение:
“Мой дорогой друг да Понте! Я был бы рад последовать Вашему совету, но это невозможно. Голова у меня так кружится, что я не вижу пути вперед. Я вижу лишь мрак и могилу. Призрак смерти преследует меня всюду. Я вижу его перед собой постоянно; этот призрак зовет меня за собой, уговаривает, твердит, что я должен работать только на него, и я продолжаю работать: сочинять музыку мне кажется менее изнурительным, чем бездельничать. Более того, мне почти уже нечего бояться. Я ощущаю в себе такую тяжесть, что знаю: час мой вот-вот пробьет. Смерть не за горами. Я кончаю счеты с жизнью, не успев насладиться своим талантом. И все же жизнь была прекрасна, карьера моя началась при столь благоприятных обстоятельствах. Но никто не властен над судьбой, никто не ведает, сколько времени ему отпущено. Приходится смириться, чему быть, того не миновать. Итак, мне остается лишь завершить свою похоронную песнь, оставить её незавершенной я не могу”.
Моцарту не удалось дописать Реквием. Все незаконченные номера дописал его ученик Зюсмайер, находившийся в последние дни у постели больного. Зюсмайер бережно следовал указаниям учителя и старался дописать музыку Реквиема такой, какой ее слышал гениальный автор. За сутки до кончины друзья, собравшись около постели Моцарта, исполнили по черновым эскизам отрывки из Реквиема.
Перед смертью Моцарта, зная, что он массон, не захотел исповедать ни один католический священник. Умер Моцарт в ночь с 4 на 5 декабря, без пяти минут час ночи.
Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров. Знаменитая легенда об отравлении Моцарта композитором Сальери и сейчас находит своих сторонников, однако документальные доказательства этой версии отсутствуют.
После смерти Моцарта вдова осталась без всяких средств к существованию, с двумя малолетними сыновьями. Денег в доме оказалось всего 36 рублей; имущество оценили в 250 рублей, а долги их в общей сложности равнялись 1800 рублям. В пенсии Констанции отказали (вспомним судьбу жены Баха). Заботы о похоронах взял на себя барон ван Свитен.
Ван Свитен охладел “к другу Моцарту” после неодобрительного отзыва композитора о его симфонии. Эта холодность проявилась в третьеразрядных похоронах величайшего композитора, стоивших ван Свитену 8 гульденов и 56 крейцеров (и еще 3 гульдена на похоронные дроги), что в переводе на русские рубли того времени составляло 7 рублей.
Хоронили Моцарта на следующий же день после кончины. Сальери среди прочих шел за гробом. Никто из близких не присутствовал когда останки Моцарта опускали в могилу. В день похорон бушевала непогода, и у городских ворот провожавшие повернули обратно. Жена Моцарта Констанца в день похорон была больна и не могла встать с постели.
Братская могила стала последним местом упокоения великого композитора.
Так современники проводили в последний путь одного из самых выдающихся людей своей эпохи. Нужда, необеспеченность, постоянная тревога о завтрашнем дне стали причиной безвременной смерти композитора, сгоревшего в самом расцвете своего гения на тридцать шестом году жизни. Отказывая своим гениальным современникам в оценке и уважении при жизни, люди сами себя обрекают на бесславие. Гении же, подобные Моцарту, сами себе воздвигают нерукотворные памятники.
Вдова Моцарта Констанца еще долгие годы терпела нужду, но через 8 лет вторично вышла замуж за одного из друзей дома, Ниссена, который обеспечил ее, усыновил детей и написал первую биографию своего покойного друга.
* * *
Вся жизнь Моцарта, начиная с первых шагов детства, проходила в атмосфере музыки. Необычайно раннее развитие его было феноменальным, и творческий рост никогда не ослабевал. И ребенок, и подросток, и зрелый музыкант, он всегда находился в движении, не останавливаясь и не повторяя себя. Он овладевал в искусстве всем, к чему прикасался. Восприимчивость его была необыкновенной. Поразителен тот факт, что, всё воспринимая, он не повторял никого. Это доступно только гению.
Дарование Моцарта всегда оценивалось как счастливейшее по своей естественности и природной легкости. Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойденные по художественной красоте и гармоничности. Его жена Констанца говорила, что он пишет ноты, “как письма”. Однако эта кажущаяся легкость поглощала все его силы, держала в постоянном напряжении. В этом смысле чудесное дарование Моцарта для него самого было отнюдь не легким. Такой талант как тяжелый крест. Композитор, осененный Аполлоном, не может не сочинять. И он сочиняет помимо собственной воли, сочиняет, хочет он того или нет. Обычные люди, обыватели, в этом смысле более свободны. Гений же однозначен. В силу своей гениальности Моцарт никогда не мог стать обывателем, т.е. человеком, живущим “как все”. Он был человеком “не от мира сего”, и этот тяжкий крест он нёс целых 35 лет.
После смерти Моцарта его музыка стала восприниматься как высшее совершенство, как абсолютная гармония простоты, красоты формы и содержания. Моцарт почти сразу же после смерти стал осознаваться современниками как вечный и неповторимый идеал музыканта.
К Моцарту можно с полным правом отнести слова В.Г. Белинского, сказанные им о русском писателе XII века Данииле Заточнике: “Это была одна из тех личностей, которые, на беду себе, слишком умны, слишком даровиты, слишком много знают, не умея от людей прятать своего превосходства, оскорбляя самолюбивую посредственность. Одна из тех личностей, которых люди сперва хвалят, потом сживают со свету и, наконец, уморивши, снова начинают хвалить”.
Контрольные вопросы по теме
“Творчество В.А. Моцарта”
1. Назовите годы жизни Моцарта.
2. В каком возрасте Моцарт начал сочинять музыку?
3. С кем познакомился Моцарт во время гастрольной поездки в Лондон?
4. В каком возрасте Моцарт получает высшую награду для музыкантов? Как она называлась?
5. Каковы были отношения у Моцарта с Иеронимом Колоредо?
6. Когда Моцарт окончательно поселился в Вене?
7. Как называлась первая опера на немецком языке?
8. Назовите три наиболее совершенные оперы Моцарта.
9. В чем состояла новизна опер Моцарта?
10. Расскажите в основных чертах сюжет оперы “Свадьба Фигаро”.
11. Как обозначил композитор жанр оперы “Дон Жуан”?
12. Удалось ли Моцарту получить официальное место службы при дворе?
13. Сколько симфоний сочинил Моцарт? Какие наиболее известны?
14. Что называют сонатой, в чем ее отличие от симфонии?
15. Кого Моцарт называл “папа Иосиф”?
16. Какой доход принесла Моцарту его последняя опера?
17. Кто закончил Реквием Моцарта?
18. Почему Моцарт не сумел занять достойное его таланта место при дворе?
19. Был ли отравлен Моцарт? Где находится его могила?
Людвиг ван Бетховен (1770-1827)
Л. ван Бетховен вошел в историю музыки как мыслитель и изобретатель. До Бетховена композиторы не столько изобретали новые музыкальные темы, сколько обрабатывали на свой манер уже сложившиеся и ставшие привычными интонации. Бетховен первым выдвинул концепцию темы как идеи, как носителя концентрированной образности. Он исключал из темы все, что мешает её целеустремленности. Бетховен высекал звуковой образ как скульптор. Творчество Бетховена сравнимо с творчеством Микеланджело. В этом смысле произведения Гайдна и Моцарта более декоративны, в них больше “общих слов и выражений”.
Бетховен жил в переломную эпоху крушения сословных феодальных предрассудков и перехода к новому общественному устройству. Он искренне верил, что своим творчеством способен приблизить “светлое будущее” для всего человечества.
Бетховенская эпоха - это эпоха убежденных борцов за всеобщее счастье, за утверждение на практике идеалов всеобщей любви, равенства и братства. Эти социальные романтики готовы были пожертвовать ради счастья людей даже собственной жизнью.
Время мелких лавочников ещё не наступило. От Бетховена ещё были скрыты печальные результаты этой борьбы. Тогдашний Бетховен всем сердцем верил в счастливый и победоносный финал борьбы и утверждал его в своих симфониях.
Ответ на вопрос “Для кого писать?” Бетховену был очевиден: он пишет для всего человечества. Он знал своего адресата. Бетховен был уверен, что его музыка - социально полезное дело, что она рано или поздно будет иметь многомиллионную аудиторию. Именно с Бетховеном в музыкальное искусство вошла социальная проблематика.
Бетховен создал в музыкальном искусстве свою тему - тему борьбы и победы. Композитор раскрыл в музыке психологию нового человека, освобожденного от феодальной зависимости. Герой музыки Бетховена готов отдать жизнь за свой народ, за его свободу.
А.В. Луначарский так характеризовал творчество Бетховена: “Гений Бетховена получил толчок от Великой французской революции. В симфониях и сонатах Бетховена слышатся движения, глухой ропот, рёв, негодование толпы, в их напряжении - дух борьбы. Самая основа музыкальной эстетики Бетховена - это сознание глубокой и тяжелой горести бытия, подавляемого гнетом социальной несправедливости и равнодушной природы. И рядом с этим - сознание огромной возможности счастья, которое и представляет жизнь сама по себе. Отсюда необходимость борьбы, которая ведет через страдания к победе и радости”.
Бетховен написал 9 симфоний, 2 оркестровые увертюры, 5 фортепианных концертов, 32 сонаты для фортепиано и много мелких пьес для этого инструмента. У Бетховена есть и сценическая музыка: опера “Фиделио”, балет “Творение Прометея”, музыка к драме И. Гете “Эгмонт”. Есть хоровые произведения и сольная вокальная лирика. Однако главное в творчестве Бетховена - симфонии и фортепианные сонаты.
Бетховен первый в истории музыки поставил симфонию в один ряд с философией и литературой. Как Гегель в философии, так и Бетховен в музыке показали, что жизнь есть единство и борьба противоположностей.
* * *
Общепринятая периодизация жизни и творчества Л. ван Бетховена выглядит так:
Первый период - “Боннский” - с 1770 по 1792 год, год окончательного переезда на постоянное жительство в Вену;
Второй период - “Ранне-Венский период” или первое венское десятилетие - с 1792 по 1802 год, год преодоления жизненного кризиса, связанного с ранней глухотой композитора;
Третий период - “Центральный” - с 1802 по 1812 год, десятилетия активнейшего творчества во всех музыкальных жанрах; общественное признание;
Четвертый период - “Поздний” - с 1812 по 1825 год; полная глухота, одиночество, последние четыре сонаты, Девятая симфония с хором; тяжелая болезнь и смерть композитора.
* * *
Бетховен родился в 1770 году в немецком городке Бонне в семье музыканта. Его отец был певцом в придворной капелле, а дед служил там же капельмейстером. Родом он был из Голландии, отсюда приставка “ван” перед фамилией Бетховена. Отец будущего композитора был одаренным музыкантом, но легкомысленным человеком и любителем выпить.
После смерти деда материальное положение семьи резко ухудшилось. Отец Бетховена Иоганн решил разбогатеть. Источником своих доходов он задумал сделать Людвига, превратив его в чудо-ребенка, вундеркинда. Отцу не давали покоя лавры юного Моцарта.
Как ни уродливы были методы музыкального воспитания, молодой Бетховен к 8 годам уже был пианистом, умел играть на скрипке и альте. Общеобразовательную школу он посещал лишь пять лет: выучился поверхностно чтению, латыни и арифметике. До конца своих дней Бетховен испытывал острую нужду в элементарнейших знаниях - писал с орфографическими ошибками, а считать толком так и не научился. Он навсегда сохранил наивное уважение к людям, овладевшим непостижимыми для него тайнами умножения и деления.
С 12 лет Бетховен сделал музыку своей профессией. Каждый день он играл на органе в боннской церкви. У Бетховена появляется новый учитель. Встречу Бетховена с Кристианом Нефе в 1782 году можно считать счастливым событием тех лет. Прекрасный педагог, композитор и органист, Нефе сразу распознал в мальчике замечательного музыканта, сумел понять своеобразие его таланта. Нефе познакомил Бетховена с лучшими произведениями немецких композиторов И. Баха, Г. Генделя, Ф. Гайдна, В. Моцарта, создав тем самым прочную основу для его самостоятельного творчества. Еще через два года Бетховена приняли на придворную службу в должности органиста.
В 17 лет Бетховен решил отправиться в Вену и стать учеником Моцарта. Встреча двух великих музыкантов состоялась; Бетховен сумел произвести сильное впечатление на Моцарта, однако стать его учеником не смог в силу объективных обстоятельств: в Бонне смертельно заболела мать. Отец пил беспробудно. Бетховену предстояло взять на себя заботы по содержанию всего семейства - отца и двух маленьких братьев. Возвратившись в Бонн, Бетховен, по совету К. Нефе, записывается вольнослушателем в университет.
Бетховену было 19 лет, когда в соседней Франции произошла революция, провозгласившая свободу, равенство и всечеловеческое братство. Действия восставшего народа против королевской власти и сословных предрассудков нашли в душе юного Бетховена горячий отклик. Он полон замыслов, провинциальный Бонн становится ему тесен. Встреча со всемирно знаменитым Гайдном, возвращавшимся из Англии в Вену, укрепила его в решении тоже ехать в Вену и стать учеником знаменитого маэстро.
* * *
В Вене Бетховен сразу же добивается громкого и бесповоротного успеха как непревзойденный пианист-импровизатор. Все аристократические дома и салоны были к его услугам. Бетховена даже начинают сравнивать с Наполеоном. В Вене Бетховен продолжает свое музыкальное образование. Теорию и практику композиции он изучал у Гайдна, а сочинять театральную музыку Бетховена учил А. Сальери.
Занятия с Гайдном продолжались совсем недолго. Учитель и ученик “не сошлись характерами”. Это были люди разных времен. Строгого Гайдна пугали не только политические взгляды ученика, но и весь характер его музыки. Вот как Гайдн отзывался о Бетховене: “Ваши вещи прекрасны, но то тут, то там в них встречается нечто странное, мрачное, так как вы сами немного угрюмы и странны; а стиль музыканта - это всегда он сам”.
В первое венское десятилетие (1792-1802) Бетховен очень интенсивно сочиняет. В эти годы он создает более 100 произведений в самых различных жанрах: 9 сонат для скрипки и фортепиано, 3 фортепианных концерта, музыку балета “Творение Прометея” - единственного у Бетховена, 17 фортепианных сонат, среди которых знаменитые “Патетическая” и “Лунная” и еще многое другое.
Восьмая “Патетическая” соната написана Бетховеном в 1798 году. Заглавие “Большая патетическая соната” принадлежит самому композитору. “Патетическая” означает “с приподнятым, возвышенным настроением”. Соната была встречена современниками как необычно смелое сочинение. Характер фортепианной бетховенской музыки стал более значительным и глубоким.
В 1801 году появляется Четырнадцатая фортепианная соната до-диез минор. Позже эту сонату назвали “Лунной” или, вернее, “Сонатой лунного света”. Название сонаты придумал поэт-романтик Людвиг Рельштаб, друг композитора Ф. Шуберта. Случайно найденный живописный образ навсегда закрепился за сонатой, хотя и не вполне соответствовал ее содержанию.
Соната посвящена итальянской графине Джульетте Гвиччарде, неразделенная любовь к которой оставила глубокий след в душе композитора (Джульетта была семнадцатилетней ученицей Бетховена). Денег за занятия с Джульеттой он не брал, и Джульетта дарила ему рубашки под тем предлогом, что она их собственноручно для него вышивала).
Соната имеет авторский подзаголовок “Почти фантазия”. Необычность сонаты в том, что она начинается медленной частью. В основе лежит тема, построенная на троекратном повторении одного звука - характерный для Бетховена прием. (Вспомним, что основной мотив Пятой симфонии Бетховена состоит уже из двух звуков). Драматургия этой необычной сонаты построена следующим образом: медленное начало (размышление, глубокая печаль) сменяется изысканной серединой (созерцание, наслаждение красотой мира), что в сопоставлении с первой частью рождает бурный драматический финал (порыв чувств, трагические образы судьбы).
Наиболее известную первую часть этой сонаты можно было бы с полным правом назвать “первым ноктюрном XIX века”.
В 1800 году появляется Первая симфония Бетховена. Она - ровесница XIX века. Эта симфония уже вполне оригинальное сочинение юного Бетховена, со всеми типичными чертами стиля.
* * *
Бетховен в зените славы. Он достиг почти всего, что хотел. Но здесь его настигает новое испытание - глухота. Бетховен в одном из писем сам признается, что “все было бы хорошо, кабы не болезнь! О, будь я избавлен от нее, я хотел бы обнять весь мир!”
Первые признаки потери слуха относятся к 1797 году. Для композитора это было страшным ударом. Он боялся ходить к врачам, так как подозревал, что болезнь неизлечима и угрожает полной потерей слуха. Но пойти все же пришлось. По предписанию врачей Бетховен почти полгода проводит в Гейлигенштадте - тихом местечке в предместье Вены. Именно там разыгрался самый жесткий в жизни Бетховена кризис.
Убедившись, что болезнь неизлечима, композитор решает уйти из жизни и в 1802 году в Гейлигенштадте пишет завещание. В нем он объясняет причины своего, к счастью, неосуществленного поступка. Бетховен обращается не к своим близким родственникам, а ко всему человечеству! Бетховен всегда считал себя Гражданином Мира.
“О люди, считающие меня неприязненным мизантропом, как вы несправедливы ко мне! Вы не знаете тайной причины того, что вам кажется. Мне недоставало духу сказать людям: говорите громко, кричите, ведь я глух. (...) Терпение - так зовется то, что отныне должно стать моим руководителем. У меня оно есть. (...) Уже в 32 года я вынужден быть философом. Это не так легко, а для артиста еще труднее, чем для кого-либо другого. Прощайте и не забывайте меня совсем после смерти, это я заслужил перед вами, так как при жизни часто думал о том, чтобы сделать вас счастливыми. Так будьте счастливы”.
Гигантским усилием воли Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашел в себе силы жить и сочинять музыку дальше. Из борьбы со своим недугом Бетховен вышел еще более сильной и целеустремленной личностью. Известны его слова: “Я схвачу судьбу за глотку и не позволю, чтобы она меня сокрушила”. Позже Бетховен писал: “Меня удержало только искусство. Мне казалось немыслимым покинуть этот свет раньше, чем я исполню все, к чему я чувствовал себя призванным”. Музыкальным итогом этого жесточайшего кризиса стала Третья симфония (“Героическая”), написанная в 1803 году. Свою новую грандиозную симфонию Бетховен хотел посвятить Наполеону Бонапарту, который казался композитору настоящим героем, предводителем народных масс. Но когда “генерал революции” провозгласил себя императором, Бетховен снял посвящение Бонапарту и вместо него написал лишь одно слово “Героическая”.
П.И. Чайковский говорил, что именно в Третьей симфонии впервые раскрылась вся необъятная и изумительная сила гения Бетховена. Симфония традиционно четырехчастная, но масштабы симфонии воспринимались современниками как неоправданно большие, а сама музыка как скучная и непонятная. Лишь годы спустя симфония начала находить своего слушателя, который вполне осознавал смысл этой гениальной симфонической музыки - как гимн стойкости человеческого духа, преодоление боли и отчаяния.
Героика и раньше входила в круг музыкальных образов, воплощаемых композиторами. Но характер этой добетховенской героики был совершенно иными. Музыкальное искусство черпало ее из театра Корнеля, Расина, героями которого были боги, императоры. Они и их поступки никак не отождествлялись с находящимися в зале зрителями. У зрелого Бетховена героика перешла в зрительных зал. Слушатели бетховенских симфоний сами ощущали себя ее героями. Бетховен сумел выразить своей музыкой героическое настроение народных масс эпохи Французской революций, когда народ ощутил себя реальной политической силой.
* * *
В зрелый период своего творчества Бетховен творил не столько исходя из эмоционального побуждения, сколько по зрелому рассуждению, по внутренней убежденности в необходимости его деятельности всему человечеству. В бетховенских произведениях впервые мысль становится музыкой, а музыка - мыслью.
В год премьеры “Героической симфонии” (1805) Бетховен сочиняет свою единственную героическую оперу “Фиделио”. В основу ее легло подлинное событие - самоотверженный подвиг жены политического узника, спасшей его от гибели. Действие происходит в Испании ХVII века. Бетховена привлекала идея героического подвига, прославление силы супружеской любви и мотив тираноборчества. Особого успеха опера не имела, Бетховену пришлось три раза переделывать её, чтобы удержать в репертуаре театра. Третья редакция оперы была поставлена в театре в мае 1814 года.
Пятая симфония - наиболее популярная симфония композитора. Она закончена в 1808 году. Трудно представить себе, что она написана глухим композитором. В симфонии четыре части, и все четыре части пронизывает короткий волевой мотив из четырех нот. Сам композитор сказал о нем: “Так судьба стучится в дверь”. Финал симфонии звучит торжественно и победно, как грандиозное праздничное шествие народа-победителя.
Музыку к трагедии И.В. Гёте “Эгмонт” Бетховен закончил спустя два года после создания Пятой симфонии, в 1810 году. События “Эгмонта” относятся к ХVI веку, когда народ Нидерландов восстал против своих поработителей - испанцев. Борьбу народа возглавил граф Эгмонт, смелый и мужественный человек. Эгмонт гибнет, но народ завершает начатое им дело. В 1567 году восставшие победили, а в 1609 году было заключено перемирие, по которому Испания признала независимость Нидерландов.
Увертюра - первый из десяти номеров этой музыки. Трагедия привлекла Бетховена своим героическим содержанием. Многим симфоническим увертюрам Бетховена была присуща излюбленная авторская драматургическая концепция: “От мрака к свету, через борьбу - к победе!”. Особенно ярко она выражена в знаменитой увертюре “Эгмонт” (1810) к одноименной трагедии Гёте и Пятой симфонии до минор (1808).
Шестая “Пасторальная” симфония, сочиненная в 1808 году, имеет авторский подзаголовок “Воспоминания о сельской жизни”. Это программное сочинение. Симфония рисует различные состояния человеческой души, свободной от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передает чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычно её строение - пять частей вместо обычных четырех. Каждая из них имеет свое программное название: “Пробуждение бодрых чувств по прибытии в село”, “Сцена у ручья”, “Веселая компания поселян”, “Гроза. Буря”, “Радостное чувство благодарности после бури”. В этой симфонии есть элементы звукоизобразительности (поют птицы, гремит гром и т.д.).
* * *
Из фортепианных сонат зрелого периода творчества Бетховена наиболее известна Соната № 23 “Аппассионата”. Написана она в 1806 году. Её с полным правом называют “симфонией для фортепиано”. Это одна из самых виртуозных, технически сложных для исполнения сонат Бетховена.
В 42 года Бетховен влюбился в дочь богатого помещика Терезу Мальфатти. Это была платоническая или, вернее, романтическая любовь. Если бы Терезы не было, Бетховен выдумал бы её. По канонам романтической любви они всегда должны были находиться в разлуке. И действительно, Тереза вышла замуж за венгерского графа Брусвика и стала для Бетховена “далекой возлюбленной”, которой он посвятил свой знаменитый вокальный цикл.
Постепенно глухота отделяет Бетховена от мира. Он становится замкнутым, угрюмым и одиноким. Бетховен всецело погружается в творчество. После 1812 года творческая активность композитора на время падает. Тем не менее популярность Бетховена растет. Он получает все большее признание. В витринах магазинов красовались его портреты. В Англии родился даже афоризм: “Бог один и Бетховен один!”. Но слава по-прежнему нисколько не волнует его. Он равнодушен к ней, он презирает её. Всей своей жизнью, независимым характером Бетховен первый поставил перед немецким обществом проблему независимой и самостоятельной личности композитора.
В те времена “люди из общества” еще носили парики, камзолы, шелковые чулки. В моде был галантный стиль. На этом фоне резко выделялся Бетховен. Небрежно одетый, никогда не носивший париков, он никогда не скрывал своих чувств и говорил о них, не выбирая выражений. Аристократы принимали это за высокомерие и очень раздражались бетховенским поведением. На самом деле это было гордостью и самоуважением свободного художника, не признающего никаких сословных привилегий.
В 1819 году Бетховен окончательно оглох. Уже не помогали ни слуховые трубки, ни самый пронзительный крик. Общаться с немногочисленными собеседниками стало возможным лишь при помощи разговорных тетрадей. Бетховену писали вопрос, он читал и так же письменно отвечал на него.
Бетховен вынужден был полностью отказатся от публичных концертов как исполнитель. Теперь он доверял исполнение своих сочинений другим пианистам. Для большинства сочинений позднего периода характерна сдержанность чувств и философская углубленность. Это значительно отделяет их от страстных и драматичных сочинений раннего и среднего периодов творчества.
Главными сочинениями позднего периода творчества стали “Торжественная месса” и Девятая симфония с хором на слова оды Ф. Шиллера “К радости”. Эту оду Бетховен задумал положить на музыку, когда ему исполнилось 23 года. Однако лишь спустя 20 лет для оды нашлось подходящее место в финале Девятой симфонии композитора. До того времени все симфонии создавались исключительно для оркестрового исполнения. Бетховен впервые для исполнения шиллеровских стихов ввел в симфонию четырех солистов и огромный хор, чтобы иметь возможность провозгласить свои идеи так сказать “открытым текстом” и быть максимально понятым.
Радость Бетховен понимал как восхищение гармонией природы, как осознание всеобщего человеческого братства и равенства людей перед Богом. Положив на музыку текст Шиллера, Бетховен существенно сократил его. Он убрал философские размышления и оставил лишь те фрагменты, в которых прославляются Бог и стремление к победе человеческого духа. Таким образом, композитор создал собственную “Оду к радости”, отличную от оригинала.
Для адекватного воплощения авторского замысла пришлось почти удвоить симфонический оркестр. Каждая из хоровых партий (басы, тенора, альты и сопрано) включала по 24 певца, что превышало все привычные нормы.
Последняя бетховенская академия (так тогда называли сольные авторские концерты), состоялась за год до его смерти, в 1824 году. Именно там впервые была исполнена Девятая симфония. Успех академии был небывалым. Публика устроила композитору овацию. Бетховен стоял спиной к залу и ничего не слышал. Тогда одна из певиц-солисток повернула его лицом к зрителям. Овации длились так долго, что полицейские потребовали их прекратить. Подобные почести полагались лишь императору.
Как обращение ко всем людям звучат последние слова симфонии: “Обнимитесь, миллионы!” Тема радости, звучащая в финале Девятой симфонии стала со временем музыкальным символом Европейского союза.
* * *
Последние годы Бетховен очень страдал от одиночества. Многие друзья умерли, со многими он расстался сам. Домохозяйка приходила два раза в неделю, а все остальное время Бетховен оставался один. Композитор все еще мечтал о собственной семье. После смерти младшего брата он добился опеки над его сыном Карлом - своим племянником. Бетховен помещает его в лучшие пансионы, пытается обеспечить ему хорошее образование. Но мечтам не суждено было сбыться: Карл вырос никчемным человеком, сумевший отравить последние дни жизни великого композитора. У Бетховена развилось тяжелое заболевание - цирроз печени. Началась водянка. Единоборство со смертельной болезнью длилось три с половиной месяца. Были сделаны три операции. Бетховен не сдавался. Скончался великий Гражданин и композитор 26 марта 1827 года. Свыше 20 тысяч человек шло за гробом.
Несмотря на годы творческого одиночества, годы крушения его идеалистических верований, музыке Бетховена совершенно чужды скепсис и пессимизм. “Моя готовность служить своим искусством бедному страждущему человеку никогда, начиная с детских лет, не нуждалась ни в какой награде, кроме внутренней удовлетворенности”, - писал о себе Бетховен.
Бетховен остался до конца своих дней верен идеалам французской революции. Он согласен был оставаться последним бойцом на ее баррикадах. В этом - причина одиночества Бетховена как человека и художника, но и в этом его жизненный подвиг как Гражданина. Вся жизнь Бетховена - это жизнь великого музыканта, обладавшего самосознанием полноправного гражданина. Бетховен был убежден, что ум и трудолюбие выше знатности и богатства. В пылу гнева он написал своему покровителю и меценату князю Лихновскому: “Князь! Тем, чем являетесь вы, вы обязаны случайности своего происхождения; тем, чем являюсь я, я обязан самому себе. Князей есть и будет тысячи, Бетховен - один”.
Творчество и жизнь Бетховена доказали, что несмотря ни на что, человек может и должен быть счастлив, даже когда этому, кажется, нет никаких причин. “О человек, помоги себе сам”. В этом замечании выражен весь Бетховен.
Текли часы и оплывали свечи,
Шло мужество наперекор судьбе.
И он всю повесть муки человечьей
Рассказывал лишь самому себе.
И убеждал себя и верил властно,
Что и для тех, кто в мире одинок,
Есть некий свет, возникший не напрасно,
А музыка - бессмертия залог.
Луна над городком встает все выше,
И глух не он, а этот мир вокруг,
Который вещей музыки не слышит,
Рожденной в счастье и горниле мук
Вс. Рождественский
Контрольные вопросы по теме
“Творчество Л. ван Бетховена”
1. С кем из скульпторов сравнивают Бетховена?
2. Какую тему в искусстве создал Бетховен?
3. Для кого сочинял свою музыку Бетховен?
4. Сколько симфоний у Бетховена? В чем особенность последней?
5. Назовите произведения Бетховена для сцены.
6. Как выглядит общепринятая периодизация творчества Бетховена?
7. В каком возрасте Бетховен решил сделать музыку своей профессией?
8. Каким было детство Бетховена?
9. Кому посвящена “Лунная” соната? Кто дал ей такое название?
10. В каком возрасте Бетховен почувствовал первые признаки глухоты?
11. К кому обращался Бетховен в своем Гейлингенштадском завещании?
12. Кому посвящена Третья симфония?
13. Кто такой Эгмонт?
14. Как называется 23 соната Бетховена для фортепиано?
15. Расскажите о личной жизни великого композитора.
16. Какие философские и социальные идеи питали творчество Бетховена?
Глава 6
Музыка эпохи романтизма
Классицизм, господствовавший в музыке XVIII века, уступает место романтизму. Смена художественных направлений была следствием социальных перемен в жизни Европы на рубеже двух веков, глубокого разочарования широких общественных слоев результатами Великой Французской революции 1789 года. Буржуазный строй, пришедший на смену феодально-абсолютистской монархии, отличался еще более беспощадными формами эксплуатации. Принципы “свободы”, “равенства и братства” на деле оказались утопической мечтой, Идеальное царство разума потерпело полное крушение. Наступил новый мир, в котором главной ценностью стали деньги. Обманутые в лучших надеждах и не способные примириться с действительностью, художники нового времени объективно выражали свой протест по отношению к новому порядку вещей. Так сложилось новое художественное направление - романтизм.
В литературе золотым веком романтизма принято считать период с 1796 по 1830 год. В музыке романтизм формируется лишь к 20-м годам XIX века в творчестве К.М. Вебера (1786-1826), Ф. Шуберта (1797-1828), Г. Берлиоза (1803-1869). Расцвета музыкальный романтизм достигает в 30-40-е годы XIX века в творчестве Ф. Шопена (1810-1849), Р. Шумана (1810-1856). В 50-е годы романтизм получает дальнейшее развитие у Ф. Листа (1811-1886) и Р. Вагнера (1813-1883).
Не принимая окружающую действительность на словах, на деле романтики познавали ее глубже, полнее и конкретнее, чем классики.
Музыка была объявлена романтиками идеальным видом искусства. “Музыка начинается там, где кончается слово”, - писал немецкий поэт Генрих Гейне. Первенство чувства над разумом - аксиома романтизма. Один из самых ярких композиторов романтиков Г. Берлиоз говорил: “Мысль ниже чувства и страсти”. Это высказывание могло бы стать творческим кредо многих романтиков.
Главная черта романтической музыки заключается в повышенной эмоциональной выразительности, в особой степени взволнованности, приподнятости, красочности.
Критика нового образа жизни, наметившаяся еще у синтементалистов, проявилась у романтиков в полную силу. Мир представлялся им заведомо неразумным, полным таинственного, непостижимого и враждебного человеку смысла. Для романтиков высокие духовные устремления были несовместимы с окружающим миром.
Трагический разлад героя с окружающей его средой - вот одна из ключевых тем романтического искусства. Эта тема конкретно преломляется как мотив о недосягаемо прекрасном мире (грезы), как восхищение стихийным совершенством природы, как тема странствий, скитальчества, одинокой непонятой личности. Художник-романтик как бы говорит: “Жизнь хороша, но как трудно жить”.
Низменности и пошлости реального времени романтики противопоставляли религию, природу, фантастические вымыслы, народное творчество, но более всего - вторую реальность - свой внутренний духовный мир. Представления о нем романтики обогатили чрезвычайно.
Романтизм открыл в искусстве новую культуру чувств. В литературе и музыкальном искусстве особенное значение приобрела тема лирической исповеди героя - молодого человека, современника, обладающего совершенно особым складом чувств. Разработка такого героя была далека от классицистской типологизации. Романтики нашли новый метод воплощения этой неповторимой индивидуальности героя - через его биографию. На это указывает появление многочисленных романов, хроник, саг, новелл, листков из альбома, страничек дневника, всего того, чего мы никогда не встретим в искусстве классицизма. Романтизм утверждал искусство, не предусмотренное образцами, но творимое свободной волей художника, воплощающего свой внутренний мир. Музыка уподоблялась романтиками субъективно текущему внутреннему процессу, всякий раз неповторимо индивидуальному, отраженному в музыке вне всяких традиционных правил и композиционных норм.
Новая образность и новая культура чувств при попытке их музыкального воплощения потребовали от композитора прибегнуть к помощи слова. Надо было направить слушателя в нужном композитору направлению, конкретизировать музыкальную образность. Слово могло быть и названием произведения (“Порыв” Р. Шумана), и развернутым литературным изложением сюжета (программа “Фантастической симфонии” Г. Берлиоза). Романтизм - время расцвета программной музыки.
Общей тенденцией романтического искусства становится и повышенный интерес к национальному фольклору. Глубокое освоение и изучение в деталях национального фольклора расширило круг художественных образов, пополнив его малоизвестными до тех пор образами героического эпоса, старинных легенд, языческой поэзии и пантеистического восприятия природы. Для музыки это имело последствия огромного значения. Именно на период романтизма в европейском искусстве приходится расцвет таких национальных музыкальных школ, как польская во главе с Ф. Шопеном, венгерская во главе с Ф. Листом, русская во главе с М. Глинкой, чешская во главе с Б. Сметаной.
Серьезное влияние на процесс формирования романтической музыки оказала городская среда. До социальных перемен, вызванных буржуазной революцией, основным местом приложения композиторских сил была церковь или придворная среда. Теперь их место занял город с его концертными залами, учебными заведениями, салонами, издательствами.
Были у городской музыкальной среды и свои минусы. Обывательские вкусы мелкой буржуазии - основных потребителей и заказчиков художественного творчества - были в то время весьма далеки от идеала. Повсеместно насаждалась развлекательная эстрада, оперетта, сентиментальные романсы.
В романтической музыке XIX века симфония и соната отошли на второй план. Ведущими жанрами стали романс и фортепианная миниатюра. Они выросли из культуры бытового музицирования, и именно в них раньше всего проявились типичные черты и особенности стиля романтизма.
Жанр фортепианной миниатюры в романтической музыке чрезвычайно разнообразен. Это - прелюдия, этюд, фантазия, ноктюрн, экспромт, музыкальный момент.
С бытовой городской музыкой связан и расцвет танцевальной фортепианной миниатюры в творчестве композиторов-романтиков. Вальсы Шуберта, мазурки, полонезы и вальсы Шопена стали высшими достижениями в поэтизации городского музыкального быта.
Повышенный эмоциональный тонус требовал от композиторов и новых выразительных средств, и новой техники исполнительства. Виртуозными инструментами в романтической музыке стали фортепиано и скрипка. Романтическая музыка дала миру таких виртуозов-исполнителей, как Н. Паганини, Ф. Лист, Ф. Шопен. Виртуозные технические приемы никогда не были у них самоцелью, но средством создания особой художественной образности.
В истории скрипичного искусства новую эпоху открыл Николо Паганини (1782-1840). Как исполнитель и композитор он был художником типично романтического склада. Личность Паганини была окружена фантастическими легендами, чему способствовали своеобразие его “демонического” облика и романтические эпизоды биографии. Его игра производила на публику неотразимое впечатление сочетанием огромной виртуозности с огненной фантазией и страстностью. Многие произведения Паганини до сих пор остаются непревзойденными образцами виртуозной скрипичной музыки. Они оказали огромное влияние на композиторский и исполнительский стиль крупнейших представителей романтического пианизма - Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа.
Паганини первым из скрипачей стал исполнять концертные программы наизусть.
Инструмент пиано-форте возник почти одновременно в трех странах: Италии, Франции, Германии. Возможность получать широкую гамму динамических и колористических (педаль) нюансов, огромный диапазон, сильный протяженный и приближенный к человеческому голосу звук, сделали фортепиано ведущим инструментом музыки XIX века. Если XVII век - это век органа, XVIII век - это век симфонического оркестра, то XIX век - это век фортепиано.
Романтизм открыл новую эру в искусстве балета. Одной из предпосылок к тому стало развитие во Франции техники классического танца. В романтических балетах (Ф. Тальони “Сильфида”, 1832) действие обычно разворачивалось параллельно в мире реальном и фантастическом. Фантастика способствовала освобождению танца от бытовых подробностей и подражательства и открывала простор для использования накопившихся технических возможностей: прыжков, поддержек и т.д. Возникли новые композиционные формы классического танца, поднялась роль унисонного кардабалетного танца. Возросла роль ведущей балерины (М. Тальони). Появился тюник как постоянный костюм танцовщицы. Повысилась роль музыки, до того зачастую сборной, началась симфонизация танцевального действия. Вершина романтического балета - “Жизель” (1841), поставленная Коралли и Жюлем Перро. Этот спектакль нового типа в большой мере опирался на литературный первоисточник и, соответственно, больше драматизировался танец, увеличилась роль действенных сцен. Тип романтического балетного спектакля продолжал существовать до конца XIX века.
Франц Шуберт (1797-1828)
Первым музыкальным романтиком был австрийский композитор Франц Шуберт. Шуберт унаследовал лучшие традиции Венской классической школы. Бетховен - ее последний представитель - жил и творил в Вене одновременно с Шубертом. Однако эти два музыкальных гения по-разному воспринимали и отражали в звуках окружающий мир. Шуберт пережил Бетховена лишь на один год, но по стилистической направленности опередил его на полстолетия. Шуберт принадлежал к числу музыкальных гениев, открывающих в искусстве новые пути. Практически Шуберт пользовался теми же средствами музыкальной выразительности, что и Бетховен, но звучание его музыки всегда неповторимо своеобразно. Иногда Шуберта называют предтечей музыкального романтизма или “романтическим классиком”.
Расцвет творчества Шуберта пришелся на годы тяжелейшей реакции в Европе, наступившей после наполеоновских войн. Напуганная аристократия превратила Австрию в полицейское государство, где душился в зародыше всякий росток свободного чувства и мысли.
Шуберт не видел в современном ему обществе положительного идеала и пришел к мысли, что именно искусство должно восполнить этот недостаток, вселяя в людей веру в лучшее будущее. В некоторых искусствоведческих трудах это называют “уходом от действительности”.
Шуберт насаждал новую культуру чувства. Герой сочинений Шуберта “не гражданин мира”, как у Бетховена, а отдельная человеческая личность, чаще всего сам композитор. Этим определяется простота, задушевность, открытость его музыки.
Шуберт не писал ни о политике, ни о вселенском братстве; он писал о тайнах человеческого сердца, об извечных проблемах любви, ревности, одиночества и счастья обладания. Эта направленность его творчества - залог бессмертия.
Для Шуберта жизнь - как сказка, пусть и с печальным концом, а в сказке все должно быть волшебным, необычным. Отсюда - преобладание музыкальной красочности над логикой развития, необычные оркестровые эффекты, своеобразное обращение со временем и пространством в музыке.
Если у музыкальных классиков центральное место в творчестве занимали инструментальные жанры (соната, симфония, концерт), понятные слушателю без слов; то в силу необычности своих замыслов, и в то же время острого желания быть понятым Шуберту приходилось использовать доходчивость слова.
Важнейшее место в его творчестве заняла песня для голоса и фортепиано. Силой своего гения Шуберт поднял этот жанр с второстепенного, бытового уровня, в один ряд с симфонической музыкой. Этого невозможно было бы сделать в принципе, не будь в то время таких поэтов-романтиков как, И.В. Гете, Г. Гейне, В. Мюллер. На основе их стихов Шуберт создал оригинальные музыкально-поэтические образы более чем 600 песен, которые вот уже более 150 лет впечатляют слушателей.
Иногда песни Шуберт складывал в вокальные повести со своими героями и второстепенными действующими лицами, сквозным повествовательным сюжетом и необходимой “сменой декораций”. Таковы песенные циклы “Прекрасная мельничиха” (1823) и “Зимний путь”, сочиненный за год до смерти, в 1827 году. Оба цикла написаны на стихи немецкого поэта Вильгельма Мюллера. Оба цикла - монологи героя, рассказывающего о своей любовной драме. В первом цикле это молодой странствующий мельник-подмастерье, бодро и радостно вступающий в жизнь. Во втором цикле любовная драма оказывается причиной бесконечных скитаний героя - надломленного человека, у которого все в прошлом, - тщетной попыткой убежать от самого себя и от своих проблем. “Зимний путь” - это хождение по мукам и лирического героя, и самого автора. Подобного рода автобиографичность является неотъемлемой чертой творчества практически всех композиторов-романтиков.
Последний цикл “Лебединая песня” был составлен уже после смерти композитора его друзьями как ему нерукотворный памятник.
* * *
Инструментальное творчество Шуберта представлено двумя разномасштабными жанрами:
- один - крупные симфонические циклы (9 симфоний), из которых наибольшую известность получила “Неоконченная” двухчастная симфония си минор. К сожалению, Шуберт так и не услышал, как исполняет ее оркестр, как не услышал он и других своих симфоний. “Неоконченная” впервые прозвучала лишь в 1875 году. Свое название она получила из-за того, что состояла всего лишь из двух частей, вместо традиционных четырех. Считали, что недостающие части утеряны, однако это не так. В клавирном наброске симфонии уже была третья часть, но в законченную партитуру автор ее не включил, полагая, что двух частей вполне достаточно для воплощения замысла симфонии;
- другой - огромное количество малых бытовых музыкальных форм. В основном, это танцы - лендлеры, вальсы, экоссезы, менуэты, музыкальные моменты, экспромты. Шуберт их не сочинял, а импровизировал на танцевальных вечерах, а после записывал по памяти. Экспромты и музыкальные моменты - типично романтические музыкальные жанры. Они призваны были запечатлеть порыв, вдохновение, сиюминутное состояние души художника.
* * *
Вот основные вехи жизненного и творческого пути Франца Шуберта.
31 января 1797 года в семье школьного учителя начальных классов родился будущий великий музыкант. Музыкальные способности проявились очень рано. В 11 лет Шуберта определяют в конвикт - род закрытого лицея, дававшего общее и музыкальное образование. Благодаря выдающимся музыкальным способностям, Шуберт обратил на себя внимание знаменитого композитора и педагога Сальери, который больше года бесплатно занимался с ним теорией музыки и композицией. По общим предметам Шуберт имел неудовлетворительные оценки, полагая в недалеком будущем сделать карьеру музыканта. Мутация голоса и не самое примерное поведение приводят к тому, что в 1813 году Шуберта отчисляют из конвикта. К этому же году относится и сочинение им Первой симфонии.
Следующие три года Шуберт вынужден был служить помощником учителя начальных классов. Если бы Шуберт не стал учителем, его забрали бы в армию. Служба в австрийской армии длилась 14 лет. Должность учителя освобождала от воинской повинности, но при этом преподавать нужно было не менее трех лет. За свой труд в школе Шуберт получал мизерное вознаграждение - оплата одного рабочего дня равнялась стоимости одной буханки хлеба. Сам Шуберт называл это “школьной каторгой”.
В то же время именно на эти годы приходится один из пиков его творческой активности. За четыре года были созданы около 150 песен, две симфонии, две мессы и множество мелких фортепианных сочинений. Среди песен, созданных в этот период, наиболее известны “Маргарита за прялкой” и “Лесной царь”. Обе они созданы на стихи И. Гете. Шуберт с дарственной надписью отправил ноты этих шедевров своему “заочному соавтору”, но действительный тайный советник даже не откликнулся.
Осенью 1817 года закончился третий год пребывания Шуберта в должности помощника учителя. Желание отца сделать из сына учителя с маленьким, но надежным заработком потерпело неудачу. Уход из школы привел к окончательному разрыву с отцом.
Вся недолгая последующая жизнь Шуберта представляла собой цепь творческих озарений и бесконечных забот о хлебе насущном. Шуберт ежедневно с шести часов утра садился за письменными стол и сочинял без перерыва до часу дня, однако материальное положение его оставалось тем же. “Меня бы должно содержать государство, чтобы я мог сочинять свободно и без хлопот”, - говорил он друзьям. Но государству не было до него никакого дела. Многочисленные прошения о зачислении его на музыкальную должность оставались безрезультатными. Не имея собственного угла, Шуберт.
Не имея собственного угла, Шуберт был вынужден жить то у одного, то у другого из своих товарищей. Среди них были художники, искусствоведы, певцы и поэты. Они-то и оставили описание внешнего облика Шуберта.
Шуберт был маленького роста, плотный, коренастый, с вьющимися каштановыми волосами и очень близорукий. Говорят, что с очками он не расставался даже во сне, чтобы иметь возможность сразу же записывать на нотную бумагу пришедшую в голову музыкальную мысль.
Шуберт не имел возможности издавать свои сочинения. Песни - главное в творчестве Шуберта, считались в то время пригодными лишь для домашнего музицирования, а не для исполнения в публичном концерте (“песенки” не причислялись к важным музыкальным жанрам).
В ту пору в Вене музыка исполнялась главным образом в домашних салонах. Шуберт часто сопровождал своего друга певца Фогеля на такие вечера, где исполнял свои произведения. Эти вечера назывались Шубертиадали. Одна из самых популярных песен, предназначенных для таких вечеров, называлась “Аве, Мария”. Написана она не на текст католической молитвы, а на стихи В. Скотта “Девушка у озера”. Героиня Вальтера Скотта, дочь шотландского дворянина-изгнанника, вынуждена идти замуж за нелюбимого человека и умоляет Деву Марию о помощи. Позже эта мелодия Шуберта неоднократно перетекстовывалась.
Ни одна из опер и девяти симфоний не были публично исполнены при жизни композитора. Рукописи многих сочинений Шуберта были найдены лишь спустя много лет после смерти их автора. Шуберт не имел возможности заботиться о своем архиве, так как сочинять порой ему приходилось в самых неподходящих для этого местах.
Шуберт был, наряду с Моцартом, одним из величайших мелодистов. Современники начали осознавать ценность шубертовского творчества лишь в последний период его недолгой жизни.
Первый и единственный прижизненный концерт, составленный целиком из произведений Шуберта, состоялся в Вене 26 марта 1828 года в день годовщины смерти Бетховена. Успех был колоссальный. На деньги, вырученные от продажи билетов, Шуберт смог наконец-то приобрести собственный рояль. Его планы на будущее стали более радужными, но силы были уже подорванными.
Шуберт умер истощенным и физически, и душевно, ощущая непримиримость конфликта его творческого “я” и всей окружающей жизни. Непосредственной причиной смерти было заболевание тифом.
Шуберта похоронили недалеко от могилы Бетховена. На скромном надгробном памятнике друзья сделали надпись: “Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но еще более прекрасные надежды”.
Он умер, как и жил, очень бедным и очень молодым - ему был всего лишь 31 год.
Контрольные вопросы по теме
“Жизнь и творчество Ф. Шуберта”
1. Как называли музыкальный стиль Шуберта?
2. Кто герой шубертовской музыки?
3. Какой жанр был ведущим в творчестве Шуберта?
4. Назовите вокальные циклы Шуберта.
5. Где Шуберт получил музыкальное образование?
6. Опишите внешний облик Шуберта.
7. Сколько лет прожил Шуберт?
Фридерик Шопен (1810-1849)
Ф. Шопен - величайший представитель польского и мирового музыкального искусства - основатель польской национальной композиторской школы. Его творчество приобрело мировое значение.
Шопен не сочинял опер, как Моцарт, симфоний, как Гайдн и Бетховен. Его не тянул к себе симфонический оркестр. Почти все свое творчество он ограничил рамками фортепианной музыки. Но и в пределах одного фортепианного творчества Шопен достиг таких высот и такой многогранности, какой другие композиторы добивались кропотливой работой в разных областях музыкального искусства.
Мало кому из композиторов удалось так глубоко и полно выразить национальный характер, как это удалось Шопену. “Он воплотил поэтическую сущность целой нации”, - сказал Ф. Лист.
Шопен почти не цитировал польских народных мелодий, но все его произведения проникнуты интонациями польских песен и танцев. Шопен познакомил Европу с музыкой своей родины. Вслед за ним Глинка представил музыку России, Лист - Венгрии, Сметана - Чехии, Григ - Норвегии. Все они расширили и обогатили музыкальную географию Европы.
Подобно Шуберту, Шопен преобразовал бытовую музыку, танец и фортепианную миниатюру. Его мазурки, вальсы, ноктюрны и прелюдии - настоящие маленькие поэмы для фортепиано, а сочинения крупной формы, например Соната с похоронным маршем, по глубине содержания не уступают симфонии.
Шопен - смелый новатор в области музыкального языка. Основываясь на особенностях польской народной музыки, он расширил гармонические и мелодические средства профессиональной европейской музыки.
Шопен создал новые жанры фортепианной музыки, превратил прелюдию из вступительной пьесы в самостоятельную (цикл из 24 прелюдий), развил и опоэтизировал народные танцевальные жанры. Традиционные жанры этюда и скерцо наполнил новым, зачастую значительно драматизированным содержанием.
Шопен первым ввел в обиход профессионального искусства жанр фортепианной баллады. Он стал одним из создателей романтического сонатного цикла.
Новаторство в замыслах и идеях сочетается у Шопена с классической ясностью и совершенством их реализации, поэтому часто Шопена называют “польским Моцартом” и “классиком среди романтиков”. Когда слушаешь музыку Шопена, то кажется, будто она родилась сразу, в минуту счастливого озарения свыше. На самом деле композитор отделывал каждый такт, добиваясь совершенства. Вопрос затраченного времени при этом не имел значения для Шопена.
* * *
Фридерик Шопен родился в предместье Варшавы, в имении Желязова Воля, 1 марта 1810 года. Его отец Николай Шопен - француз по национальности - еще в молодые годы переселился в Варшаву, где занялся педагогической практикой. В аристократическом Варшавском лицее он получил место преподавателя французского языка и содержал пансион для воспитанников лицея. Интеллигентность и чуткость родителей спаяли всех членов семьи Шопена и благотворно сказывались на развитии одаренных детей. Подобно Моцарту, маленький Фридерик поражал окружающих своей музыкальной одаренностью.
Первым и единственным учителем фортепианной игры у Шопена был чех по происхождению Войцех Живный. Когда Шопену было 12 лет, Живный сам отказался от занятий, поняв, что больше ничего не может дать гениальному ученику.
В 13 лет Шопен поступает сразу в 4 класс лицея. Летние каникулы он проводил в деревнях, в имениях близких знакомых. Именно там он впервые познакомился с образцами польской народной музыки. Непосредственное общение с народными музыкантами дали Шопену больше, чем все учителя.
Осенью 1826 года, окончив лицей, Шопен поступает в Варшавскую консерваторию. Музыкально-теоретическими предметами он занимался под руководством её директора Юзефа Эльснера. В 1829 году, когда Шопен оканчивал консерваторию, учитель дал ученику такую характеристику: “Исключительное дарование, музыкальный гений”.